Sigur Rós

Un disco precioso de esta banda islandesa, que junto a Björk, es uno de los máximos exponentes musicales de ese pequeño país. Tuve la suerte de verles las últimas dos veces que pasaron por Madrid, y pude comprobar que se trata de una banda especial. A pesar de lo inusual que es escuchar a un grupo cantando en islandés, las envolventes atmósferas y melodías te enganchan completamente si se les presta la atención necesaria. En definitiva, un disco que no podéis pasar por alto....

SIGUR RÓS

Sigur Rós significa “Rósa de la victoria” en islandés. Procedentes de Reykkiavik, capital de Islandia, se han transformado en uno de los nombres de referencia de lo que se conoce como rock atmosférico o post-rock, en círculos snobs. Emparentados con la vanguardia, Sigur Rós ha hecho, más allá de las etiquetas, música muy interesante desde su formación en 1994.

La primer discográfica que les dio cobijo que un sello de su país, llamado Bad Taste, que paradójicamente tuvo el buen gusto de publicarles el debut, Von (Esperanza), en 1997. Dos años más tarde apareció Agaetis Byrjun (Un buen comienzo), que marca el ingreso de un tecladista al hasta ese entonces trío, y que les da la posibilidad de hacerse conocer en algunos círculos del Reino Unido.

Radiohead los tomó como grupo soporte durante el año 2000, y dos años más tarde editan su disco más conocido pese a ser el más raro. ( ), tal el nombre del disco (no pidan la pronunciación) tiene como característica tener los temas sin títulos y con un número al costado para permitir alguna identificación. Las canciones están cantadas en “Hopelandic”, un idioma inventado por Jonsi (cantante y guitarrista), que le dio forma final con sus compañeros Goggi y Agust.

Menos restrictivos y más abiertos a un sonido inclusivo, editaron Takk... a finales del 2005.

Takk… (“gracias”) llega cargado de vibraciones positivas (respaldo absoluto de la prensa de su país y beneplácito mundial) y de algunas etiquetas curiosas: pop, según la crítica, y rock’n roll, según la misma banda. Sin discutir qué es más acertado, hay un fuerte énfasis por el pop sinfónico en ‘Hoppípolla’, ‘Með blóðnasir’ (“me sangra la nariz”) y ‘Sé lest’, donde le piden prestado un celeste a Björk para armar un loop juguetón que deriva en fiesta circense con tubas, trompetas y trombones.

Por otro lado, están las detonaciones más propias y estructuradas del post rock de alcances épicos, como ‘Glósoli’ (“amanecer”) y ‘Sæglópur’ (“perdido en el mar”). La primera corresponde al crescendo clásico que les conocemos, manifiesto de batalla con el tam-tam de los tambores anunciando el latigazo noise y el vibrato grueso de la guitarra tocada con arco, lo que aporta una atmósfera acuosa que gana bastante sentido con su video clip. ‘Saeglopur’, el mejor gancho del disco, concentra todos los atributos emotivos que ha acumulado Sigur Rós en su trayectoria: la repetición de cuatro acordes de piano, electrónica sutil, y sonidos y voces menores debidamente ecualizados, en una progresión de intensidad que no varía la forma, añadiendo guitarras espaciales con sólido apoyo de cellos y violines sin desintegrar el cuerpo del piano inclusive en la máxima saturación.

El resultado es atractivo si consideramos lo incierto que era el devenir de estos islandeses tras la angustia oscura y bella de ( ), donde la experimentación sobre atmósferas cenagosas podía ser tan exigente para sus auditores como para ellos mismos. Con sus letras ingenuas y asentadas en idioma islandés, que hablan de historias infantiles y cosas sencillas, Takk… se yergue como fiel sucesor de la versatilidad del Agaetis Byrjun (disco revalorizado al mirar hacia atrás).

Tracklist:

1. Takk...
2. Glósóli
3. Hoppípolla
4. Með Blóðnasir
5. Sé Lest
6. Sæglópur
7. Milanó
8. Gong
9. Andvari
10. Svo Hljótt
11. Heysátan


Año: 2005
Duración: 65:32
Procedencia: Islandia
Productor: Sigur Rós / Ken Thomas


Descarga: Takk...

Una pequeña muestra de como suenan en directo, concretamente la canción 'Hoppípolla' (vaya título)y 'Með Blóðnasir':

Bad Religion

Hoy me apetecía presentar un grupo clásico, que cuenta con más de 25 años de existencia y 13 discos a sus espaldas. Considerados los 'padres' del punk/hardcore melódico, creo que es un grupo que hay que conocer.

BAD RELIGION

La historia de Bad Religion se remonta a finales de los 70, con el traslado de la familia de Gregory Walter Graffin a Los Angeles. En un año ya era parte del nuevo movimiento Punk, conoció a los otros miembros del grupo y grabaron su primer EP Bad Religion, que salió a la venta en 1981 bajo su nueva propia casa discográfica Epitaph Records. No tardaron en grabar su primer LP How could hell be any worse, lo hicieron en 1982 gracias al dinero del padre de Brett. Vendieron más de 10000 copias, convirtiéndose en todo un clásico en la escena punk de Los Angeles.

1983 no fue un buen año para la banda, empezaron a jugar con los nuevos sintetizadores. De ese juego salió Into the Unknown, probablemente el peor disco de Bad Religion, no era un disco de punk-rock, con él perdieron a sus seguidores y provocó la separación del grupo.

En 1984 Hetson propuso a Graffin poner en marcha el grupo otra vez, y éste accedió. Grabaron un nuevo EP Back to the known, en el que volvía el sonido que Bad Religion ofrecieron antes de Into the unknown.

Brett se estaba dedicando a trabajar en Epitaph, y vio a Bad Religion como la mejor manera de lanzar el sello al éxito. Entonces en 1985 Jay Bentley y él mismo volvieron al grupo, preparando así su próximo álbum. Se puede considerar a Suffer (1988) como su primer gran lanzamiento. El primero en el que ya se aprecia el llamado 'Bad Religion beat', punk de alta velocidad con melodía. La diferencia con respecto a sus anteriores lanzamientos es notable.

En 1989 llegó No Control y en 1990 Against the grain. Junto a Suffer, completaron una trilogía inigualable. Todavía nadie ha conseguido combinar tan bien punk y melodía. Hay grupos más punk, más rápidos, más potentes, más cool, más famosos, más payasos,… que Bad Religion, pero nunca nadie compondrá melodías como lo han venido haciendo Graffin y Mr.Brett en los últimos años.

En 1992 apareció Generator, de la aparente simpleza del sonido Bad Religion, punk + melodía, empezó a evolucionar un sonido personal. Eran canciones más largas, más trabajadas pero con la brillantez habitual. La popularidad de la banda estaba creciendo rápidamente. Recipe for hate (1993) fue un disco que contuvo un tremendo hit como "American Jesus" y unas cuantas buenas canciones en las que colaboró Eddie Vedder de Pearl Jam, continuaron con su marcha imparable.

La polémica llegará por el hecho de que Epitaph utilizaba todos sus limitados recursos en Bad Religion y no prestaba la suficiente atención a otras bandas que tenía contratadas (Nofx, Rancid, Offspring, Pennywise,…). Los miembros de Bad Religion, incluido Brett, decidieron marcharse a otro sello. Acabaron en Atlantic, Sony en Europa, siendo acusados de vendidos, por el simple hecho de marcharse a un sello que les garantizara una buena distribución ya que en Epitaph no daban a basto. Hoy en día Bad Religion pueden grabar en Epitaph, pero en 1993 el sello de Brett no era el imperio que es ahora.

En Atlantic lanzaron los siguientes 4 discos (Stranger than Fiction, The Gray Race, No Substance, y The New America), más un disco en directo.

El 2001 será recordado como el año en el que Bad religión regresa a su casa, es decir, a Epitaph Records, y la vuelta a la banda del artífice de gran parte de las mejores canciones de Bad Religion: Mr. Brett, el cual recuperado de su adicción a las drogas, vuelve con su característico sonido de guitarra, sus composiciones y su excelente manera de producir discos, eso si siempre en compañía de Graffin. El resultado de esta unión fue The Process of Belief, publicado en febrero de 2002. Su último disco hasta la fecha ha sido The Empire strikes first.

Con tantos discos buenos era dificil elegir uno, pero creo que Generator es un disco muy completo, que define muy bien a los Bad Religion de principios de los 90 (quiza su mejor época).

A partir de la publicación de Generator, Bad Religion comenzarían a facturar un sonido bastante más completo y reforzado que el de Suffer o No Control, aumentando las dosis de melodía, introduciendo nuevos ritmos y creando unas composiciones más largas y elaboradas. El punk rápido sigue estando ahí, como evidencia ese chute de adrenalina que es Too Much to Ask, pero Bad Religion se abren a nuevos horizontes en los que brillan temas como Two Babies in the Dark u Only Entertainment. Aún así, el grueso del disco lo soportan Heaven Is Falling y un cañonazo como Atomic Garden. Al igual que en otros discos las letras son brillantes, aunque en Generator se percibe más acidez que de costumbre hacia la estupidez colectiva de la sociedad americana y la siempre monstruosa política exterior del país.

Tracklist:

1. Generator
2. Too Much To Ask
3. No Direction
4. Tomorrow
5. Babies in the Dark
6. Heaven is Falling
7. Atomic Garden
8. The Answer
9. Fertile Crescent
10. Chimaera
11. Only Entertainment


Año: 1992
Duración: 30:08
Procedencia: USA
Productor: Bad Religion

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Videoclip de Atomic Garden, uno de los mejores temas del disco:

Smashing Pumpkins

Recientemente colgué uno de los mejores discos los Smashing Pumpkins. Hoy vuelvo a colgar uno de sus discos, pero en esta ocasión, uno muy especial. Para quien esté interesado, aquí tiene el último (y no publicado) álbum de la banda de Chicago.

SMASHING PUMPKINS

Mucha gente sigue pensando que el último disco publicado por los Smashing Pumpkins fue el ‘Machina: The Machines of God’, pero no es así, ya que pocos meses después lanzaron la secuela ‘Machina II/The Friends & Enemies of Modern Music’. Su discográfica en ese momento, Virgin, se negaba a publicar este disco tan seguidamente al primer Machina, que además tuvo poco éxito comercial. El grupo rompió relaciones con Virgin, y decidieron lanzarlo ellos mismos. Solamente se hicieron 25 copias del disco, que se mandaron via Fed-Ex a los fans más cercanos con instrucciones de que se distribuyera on-line a todo el mundo. Por lo tanto, este disco no se puede encontrar en las tiendas, aunque como curiosidad, hace 2 años se llegaron a ofrecer hasta 10.000 € por una de las 25 copias originales.

Si se hubiese publicado oficialmente, ‘Let Me Give the World to You’ hubiera sido el primer single. El álbum se completa con otros 3 EP’s más. Fueron las últimas canciones que grabaron como banda, ya que se separaron después de esta gira. Aún así, como ya sabréis, han anunciado su vuelta para el año 2007.

Tracklist:

1. Glass' Theme
2. Cash Car Star
3. Dross
4. Real Love
5. Go
6. Let Me Give the World to You
7. Innosense
8. Home
9. Blue Skies Bring Tears (Version Electrique)
10.White Spyder
11. In My Body
12. If There Is a God (Full Band)
13. Le Deux Machina
14. Here's to the Atom Bomb (New Wave Version)


Año: 2000
Duración: 48:54
Procedencia: USA
Productor: Billy Corgan

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Aquí su última actuación en televisión, interpretando ‘Cash Car Star’ una de las canciones del Machina II:

Skunk Anansie

Un muy buen disco de una banda que no se debió separar tan pronto. La excelente voz de la cantante Skin sobresale a lo largo de todo el disco y es uno de los puntos fuertes del mismo.

SKUNK ANANSIE

Skunk Anansie se formó a principios de 1994 y One Little Indian los fichó cinco meses después. Era un grupo que no paraba de dar conciertos pero que sus singles no acababan de entrar en las listas de radio, hasta que,por fin, los temas Weak y The New Boys se colocaron en el Top 20. Ese mismo año editaron su primer álbum llamado "Paranoid and Sunburnt".

En 1996 se editó "Stoosh" un álbum éxito en ventas con éxitos como Twisted, Brazed o Hedonism. Durtante dos años consecutivos la revista Kerrang les concedió el premio a la mejor banda británica y a la mejor banda en directo, al tiempo que en los premio MTV tuvieron una actuación que muchos recordarán, gala en la que fueron nominados al mejor directo y a la mejor Banda de Rock.


Tras los conciertos que ofreció Skunk Anansie en Sudáfrica (país al que volvieron invitados a participar en el 80 cumpleaños de Nelson Mandela) a final del año 97, se sitúa el momento en el que el grupo comienza a gestar "Post Orgasmic Chill". Más tarde en Agosto del año siguiente, Skunk Anansie se encierra en el estudio. "Estábamos en mitad de ninguna parte, en otra franja horaria, por lo que nadie de Inglaterra nos llamaba y además, nuestros teléfonos móviles no funcionaban. No había otra cosa que hacer que grabar o sea que no costó esfuerzo y además, todo el mundo nos dejaba en paz. Trabajamos muchas, muchas horas, día y noche, pero no nos sentimos presionados".

El álbum finalmente salió en agosto 1999, considerado con el tiempo como el último y mejor disco de Skunk Anansie, ya que la banda decidió separarse en el 2001.

Con Post Orgasmic Chill la banda amplió su sonido y asimiló nuevas influencias, como el drum’n’bass, y estableció al grupo de forma definitiva en el panorama del indie-rock. La rudeza de álbumes anteriores quedó atrás y dieron rienda suelta a su vulnerabilidad y fuerza bruta a partes iguales con una hábil sutileza.

Un tema como ‘Charlie Big Potato’ apunta hacía la jerarquía egocéntrica masculina y marca el tono del álbum. La revista Q lo definió como “una andanada de sonido lanzada a través de los altavoces”. La banda se acostumbró a tender hacia lo extremo, a tocar el cielo o el infierno, aunque también demostró su eficacia con temas más tranquilos, cambiando la furia política por la reflexión y la contemplación. Además, la emotiva voz de Skin planea sobre los épicos arreglos de cuerda de ‘You’ll follow me down’ y ‘Lately’, en tanto que ‘Secretly’ es una apasionada respuesta a la infidelidad.

A pesar de que Post Orgasmic Chill resultó ser el canto de cisne de Skunk Anansie, hoy en día sigue ocupando el mismo destacado lugar de cuando apareció.

Tracklist:

1. Charlie Big Potato
2. On My Hotel T.V.
3. We Don't Need Who You Think You Are
4. Tracy's Flaw
5. The Skank Heads
6. Lately
7. Secretly
8. Good Things Don't Always Come To You
9. Cheap Honesty
10. You'll Follow Me Down
11. And This Is Nothing That I Thought I Had
12. I'm Not Afraid


Año: 1999
Duración: 50:53
Procedencia: Inglaterra
Productor: Andy Wallace


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Videoclip, un tanto siniestro, de la canción Charlie Big Potato:

My Vitriol

Es una pena que desde que publicaran este disco en el año 2001 poco más se haya sabido de ellos. Sin duda lo considero uno de mis discos favoritos de los últimos 6 años, ya que mezcla temas muy guitarreros llevados a través de un sonido muy elegante y emotivo. En definitiva, un disco que no tiene desperdicio...

MY VITRIOL

My Vitriol está formado por Ravi Kesavaram (batería), Som Wijay Wardner (voz, guitarra y letras), Seth Taylor (guitarra) y Carolyn Bannister (bajo y coros). Ravi y Som se reunieron en la universidad, donde un amigo decide grabarles para hacer una maqueta que presentar a sus clases de estudio de grabación. Ravi toca la batería y Som el resto de los instrumentos, firmando así un Ep que llamaron “Delusions of Grandeur”. Para esta demo apenas tardaron dos días y eso teniendo en cuenta que utilizaban el tiempo libre que les permitía sus estudios.

El nombre que escogieron para esta banda fue "My Vitriol", inspirados por un libro de Graham Greene titulado “Brighton Rock”. La sorpresa llegó cuando de esa demo, que en un principio no era más que un trabajo para la universidad, venden 250 copias, llegando uno de los CD a manos de Steve Lamarcq, un presentador de Radio One.

Durante algunos días la maqueta sirve como fondo para las cuñas publicitarias, realizándose así la campaña publicitaria más grande (y más barata) que se ha hecho a una maqueta. Esos cortes en la radio dieron como resultado un grandísimo interés por el grupo por parte de la discográfica A&R, pero la banda terminar sus estudios, a pesar del éxito.

Una vez que terminaron los exámenes , Ravi y Som necesitaban completar el line up de la banda, y conseguir un sonido más completo. Es así como fichan al guitarrista Seth Taylor y a la bajista Carolyn Bannister. En muy poco tiempo la formación publica su debut, un doble single titulado Always Your Way" / "Pieces" para Org Records el 6 del diciembre de 1999.

El sencillo es aclamado por la crítica e incluso es retransmitido por un buen puñado de radios, entrando en las listas de ventas. La portada del single comienza a ocupar portadas de revistas y espacios privilegiados como single del mes en publicaciones de la talla de Kerrang, Front, Rocksound...

Era más que lógico que en breve les iban a llover los contratos discográficos, y es así como en la última semana de 1999 firma por Infectious/ Mushroom, casa de grupos tan prestigiosos como Ash y Garbage.

Su primer sencillo para este sello sería "Losing Touch", editado en abril de 2000, seguido de "Cemented Shoes" que consigue ... entrar directamente en el número 65 de las listas en julio de ese mismo año. Su tercer single se titularía "Pieces", que entra directamente al 56, y el cuarto, "Always Your Way", alcanza el top 40, exactamente la posición 31.

Al poco tiempo editan su álbum debut “Finelines” que salió disparado al puesto 24 en la lista de ventas en marzo de 2001. Cuando llegan a 50000 copias vendidas "Finelines" se lanza a nivel mundial, llevándoles a girar por todo Europa y Japón en el verano de ese año, pero no sin antes sacar un nuevo single que se titularía “Grounded”.

Tracklist:

1. Alpha Waves
2. Always Your Way
3. The Gentle Art Of Choking
4. Kohlstream
5. Cemented Shoes
6. Grounded
7. C.O.R.
8. Infantile
9. Ode To The Red Queen
10. Tongue Tied
11. Windows And Walls
12. Taprobane
13. Losing Touch
14. Pieces
15. Falling Off The Floor
16. Under The Wheels


Año: 2001
Duración: 48:06
Procedencia: Inglaterra
Productor: Chris Seldon / Som Wardner

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Una pequeña muestra; el videoclip tan 'curioso' de la canción Always your way:



O para que veais como se las gastaban estos en directo, mi canción favorita del disco Tongue Tied (instrumental) :

Shout Out Louds

Me compre este disco hace unos meses y todavía lo sigo escuchando mucho, en parte gracias a la facilidad que tienen estos suecos de componer canciones con gancho.

SHOUT OUT LOUDS

La sensación que se te queda tras la escucha del primer disco de estos suecos, que llego a nuestro país dos años después de la edición en su país natal, es de alegría, de haber disfrutado y de querer volver a sentir de nuevo lo que a lo largo de este “Howl howl gaff gaff” hemos sentido. Shout out louds nos muestran en su primer disco que son un quinteto sin pretensiones. Letras directas, que hablan de las cosas del día a día, de los sentimientos, del desamor.. y lo hacen con energía y de una manera accesible para el gran publico.

Con su primera canción, “The Comeback”, con ese inicio de preparados-listos-ya!, ya nos muestran toda su fuerza, gran canción para comenzar, con ritmo, una melodía pegadiza y bailable. Desde esta primera canción sorprende la voz de su cantante, Adam Olenius, que por momentos recuerda a la de Robert Smith en su cara más pop.

El disco continua de la mejor manera posible con canciones que bien podrían ser ya himnos en el mundillo indie-rock como “Very loud”, “Oh, sweetheart” o “Please please please”. Pero es en temas como “Go sadness” donde nos demuestran que no sólo son un grupo de hits, también son capaces de desnudarse musicalmente hablando con canciones de mayor profundidad. El disco continúa con la misma idea presente en todas las canciones, en “100 degrees”,“Shut your eyes”, muestran esa energía, esa inmediatez de la que hablamos.

Como última canción nos encontramos con una nueva sorpresa, “Seagull” una canción en la que cada miembro del grupo parece disfrutar al tocar las distintas melodías que van introduciéndose poco a poco en la canción, primero batería, luego guitarra, bajo, voz, flauta.. una armonía perfecta entre todos ellos, una nueva joya para finalizar este primer trabajo.

En definitiva, no es nada nuevo, pero redescubren ese sonido tan conocido de grupos como Strokes o Weezer, en un disco con canciones de esas que no te puedes quitar de la cabeza, y que te sorprenderás cantando a lo largo del día. Una grandísima carta de presentación.

Tracklist:

1. The Comeback
2. Very Loud
3. Oh, Sweetheart
4. A Track And A Train
5. Go Sadness
6. Please Please Please
7. 100°
8. There's Nothing
9. Hurry Up Let's Go
10. Shut Your Eyes
11. Seagull


Año: 2005
Duración: 41:02
Procedencia: Suecia
Productor: Ronald Bood

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Videoclip de la canción 'Shut your eyes', una de las canciones más representativas del disco:

Concierto Pearl Jam Madrid - 07/09/06

El pasado jueves pude asistir por primera vez al concierto de uno de mis grupos favoritos, y creo que después de este concierto, mejor debería decir Mi grupo favorito. La última vez que el público madrileño tuvo la suerte de poder verles fue en el año 1992, con lo que uno se puede imaginar las ganas que había. Era la tercera fecha española dentro de su gira europea, después de su paso por Barcelona y el Azkena Rock Festival (Vitoria) la semana pasada.

El recinto elegido fue el renovado Palacio de los Deportes, y no sé porque, siempre supe que algún día vería a Pearl Jam en este sitio. La verdad es que es un recinto muy propicio para grandes conciertos: una capacidad para aprox. 15.000 personas, y una acústica diría yo más que aceptable (cosa difícil en pabellones tan grandes).

El telonero elegido por Pearl Jam para este final de gira es My Morning Jacket. Nosotros entramos muy justos de tiempo al Palacio de los deportes, justo cuando estos habían empezado a tocar. No sé si eran las ganas de ver a Pearl Jam o el hecho de que nos colocamos a mitad de pista que no les prestamos la atención que se merecían. Aún así pude comprobar que se trata de una banda con un gran futuro por delante y que en directo ganan si cabe aún más. De hecho, la próxima vez que toquen en Madrid no me los pienso perder. Al final tocaron aproximadamente unos 45-50 min., dejando media hora para preparar el escenario de Pearl Jam.

La espera la pasamos especulando con cual sería la primera canción del concierto, y en general comentando el hecho de que Pearl Jam nunca tocan el mismo concierto. Son tantas canciones de las que pueden tirar que uno nunca sabe que esperar. Leí unas declaraciones del guitarrista Mike Mcgrady en las que decía que Eddie Vedder antes de cada concierto siempre tiene en cuenta los conciertos anteriores que han tenido en la ciudad para diseñar un setlist lo más interesante posible para el público. ¿Qué nos tendrían preparados para esta noche en Madrid, después de 14 años sin verles?

Y entonces llegó el momento esperado por muchos. Puntuales a las 22:00, sono por los altavoces el comienzo instrumental de ‘Once’, y se fueron apagando las luces. Entonces salieron al escenario Eddie, Mike, Matt, Stone y Jeff, ayudados por Boom a los teclados. Eddie se enfundó directamente la guitarra y toco los primeros acordes de Better Man. ¡Increíble! Que sorpresa, ya que nadie se esperaba este temazo a estas alturas del concierto. De hecho, la primera parte de la canción la cantamos entera el publico, sin que Eddie cantara una sola línea. De verdad fue un comienzo que nunca olvidare.

Después fue un no parar. En las primeras 8 canciones del concierto ya se habían lanzado con Animal, Rearviewmirror (que por ejemplo no tocaron en Barcelona), Given to fly, Corduroy o Jeremy. Con esta en concreto el Palacio de los deportes se vino abajo, ya que no es muy frecuente que toquen este clásico. Otro gran momento fue la mítica improvisación que siempre se marcan al final de Daughter, esta vez con la canción de Pink Floyd ‘Another Brick in the wall II’. Acabaron su primer set después de una hora y cuarto con Even Flow.

Después de una pequeña pausa, comenzaron el primer bis con Severed Hand, un tema muy chulo de su último disco, del que hasta el momento prácticamente no habían tocado casi nada. Una de las caras b con la que nos deleitaron fue Man of the hour, conocida por pertenecer a la banda sonora de la película ‘Big Fish’. Este bis acabo con una que no podía faltar, Black, coreada por todo el público.

Una nueva pausa, pero todavía quedaban fuerzas para un segundo bis. ¡Y que bis! Me encanto, porque pudimos escuchar su primer single del último disco, la rockera World Wide Suicide, con mensajito al presidente Bush y la promesa de que volverían pronto. Siguieron dando caña con la rápida Go, para llegar al momento álgido de la noche: Alive. Fue increíble como tocaron esta canción, y más ver como todo el público estaba entregado a ellos. Eddie no paraba quieto y se movía a lo largo de todo el escenario, de un lado para otro, mostrándose muy cercano al público.

Y ya la parte final. Con su ya mítica versión de Rockin’ in the free World de Neil Young, que llego casi a los 10 min., y una de mis favoritas personales, Yellow Ledbetter (canción que no se incluyó en el ‘Ten’, porque Eddie parece ser que no termino la letra a tiempo) parecía que se había acabado el concierto. Las luces de todo el pabellón estaban encendidas mientras tocaban estas canciones, cosa que le daba un toque especial y muy cercano a la banda, y que a mi me encanto. Sobre todo porque no fue el final, ya que nos regalaron una versión más, esta vez Little Wing de Jimi Hendrix, que ya sí, puso punto final al mejor concierto al que he asistido.

(Gracias a Dani por las fotos)

Como pequeña conclusión decir que lo que más me ha sorprendido del setlist elegido por Pearl Jam en Madrid, es que se concentraron especialmente en sus tres primeros discos, que sin duda son los más populares, y por los que más serán recordados. De hecho, tocaron 6 temas del disco Ten, cosa que no se ve todos los días. Y por otro lado ninguna del No Code ni del Riot Act, y solamente tres de su último disco. La verdad es que al final todo esto da igual, porque tocaran lo que tocaran iba a salir contento, y solo me queda felicitarles y darles las gracias por ser la banda que son, unos grandes músicos, y mejores personas.

Aquí teneis el setlist completo:

Betterman
Corduroy
Animal
Big wave
Rearviewmirror
In hiding
Jeremy
Given to fly
Once
Daughter/(Another brick in the wall part II)
Not for you/(Modern girl)
Grievance
Why go
Do the evolution
Even flow
---------
Severed hand
Elderly Woman behind the counter…
(Romanza)/Man of the hour
Black
---------
World wide suicide
Go
Alive
Rockin' in the free world*
Yellow ledbetter
Little wing**


*versión de Neil Young
**versión de Jimi Hendrix



Y sí, si tocaron Jeremy (es el mejor video que he encontrado por ahora):

Esta noche....

...me voy a ver a Pearl Jam por primera vez!

(me encanta esta foto)

Tocaran esta canción....?

The Dresden Dolls

Uno de mis descubrimientos de este año. El grupo solamente se compone por Amanda, que toca el piano y canta (una voz con mucha personalidad), y Brian a la batería. Una combinación curiosa, que se aproxima al 'cabaret-rock'.

THE DRESDEN DOLLS

Estamos ante una peculiar pareja de artistas de difícil calificación, por no decir imposible. El grupo esta compuesto por Amanda Palmer (voces, piano) y Brian Viglione (batería, guitarra), ella un cruce entre Jerry Lee Lewis y Nina Simone, y el, un baterista sofisticado y primitivo al mismo tiempo.
Permanecen juntos desde la noche de Halloween del 2000 en la que sus caminos se cruzaron, cuando Viglione asistió a una actuación en solitario de Palmer, en un fiesta celebrada en un loft de la ciudad de Boston.
Tras la edición de su disco debut, del que han vendido alrededor de cien mil copias en todo el mundo, al incesante ritmo de mil copias por semana, ya que su descubrimiento solo puede causar un efecto de fascinación total. Justo lo que le ocurrió al líder de Nine Inch Nails, Trent Reznor, que los incluyo en su ultima gira mundial en la que han obtenido magnificas criticas, Billy Corgan (Smashing Pumpkins) es otro de sus fans reconocidos. El video clip “Coin Operated Boy” fue nominado como mejor video por la cadena musical de televisión MTV.

Tal y como los definió The New York Times ...a veces brutal, a veces cómico, siempre fascinante.

El dúo de Boston está de vuelta para ofrecernos su segundo trabajo en estudio. 'Yes, Virginia’ es el título de esta nueva obra y hace referencia a la carta que una niña de ocho años, Virginia O´Hanlon, escribió al New York Sun en 1897 cuestionándose la existencia de Santa Claus. En el disco se tratarán temas como el sexo, las crisis de identidad, la manipulación o la soledad, mediante letras que narran auténticas historias. Nos encontramos ante un disco bastante intimista, repleto de energía y lleno de claroscuros, donde la felicidad aparece en determinadas ocasiones, pero nunca para quedarse, y las emociones y la intensidad se respiran en cada nota. Su música puede recordarnos a artistas como David E. Williams, Katzenjammer Kabarett , PJ Harvey o Violent Femmes, pero resulta difícil de encasillar ya que poseen un estilo muy personal. Una característica importante de sus canciones es la ausencia de guitarras (salvo momentos puntuales), ya que los instrumentos utilizados son piano, batería y bajo.

Resulta difícil destacar ninguna canción debido a la calidad de todas sus composiciones. ‘Sex changes’ es la pieza encargada de abrir el disco, y el comienzo no podría haber sido mejor: piano lleno de fuerza, percusión muy cuidada y una voz realmente expresiva y llena de recursos. Otras canciones destacables son ‘My alcoholics friends’ que podría recordarnos a los Smiths no tanto en el plano musical, sino en la facilidad que muestran para combinar dramatismo, felicidad y tristeza, ‘First orgasm’ donde la percusión desaparece dando como resultado un tema cargado de intimismo, ‘Necessary evil’ con un ritmo trepidante y un estribillo demoledor o ‘Sing’, perfecto cierre donde una suave guitarra acompaña a Amanda y su piano.

Tracklist:

1. Sex changes
2. Backstabber
3. Modern moonlight
4. My alcoholic friends
5. Delilah
6. Dirty business
7. First orgasm
8. Mrs.O
9. Shores of California
10. Necessary evil
11. Mandy goes to med school
12. Me and the minibar
13. Sing


Año: 2006
Duración:
Procedencia: USA
Productor: Sean Slade / Paul Q. Kolderie

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Actuación en directo de ‘Necessary evil’:

Smashing Pumpkins

Smashing Pumpkins están considerados actualmente como uno de los grupos de rock más influyentes del mundo, a pesar de que el grupo se separará en el año 2000. Ahora que han anunciado su vuelta, no viene mal recomendar una de sus grandes obras.

SMASHING PUMPKINS

Smashing Pumpkins estaba compuesto originalmente por Billy Corgan (guitarra y voz), James Iha (guitarra), D'arcy Wretzky (bajo) y Jimmy Chamberlin (batería). "I Am One" fue su single de debut, lanzado en un sello independiente local. Pero al influyente sello de Seattle, Sub Pop, les gustó y les ofrecieron lanzar su siguiente single. Pronto vendría el primer álbum de la banda, "Gish". Este LP fue producido por Butch Vig, quien más tarde produciría el "Nevermind" de Nirvana (y que actualmente es el batería de Garbage).

El problema de "Gish" es que fue lanzado al mismo tiempo en que Nirvana estaba oscureciendo a cualquier otra banda de rock en todo el mundo, por lo que tuvo que ser relanzado a finales de 1991. Una intensa gira en el año 92 y un tema en la banda sonora de la película "Solteros" ("Singles"), junto a grupos como Pearl Jam y Soundgarden, les ayudó a darse a conocer, y ya empezaban a ser considerados por aquel entonces como una banda importante dentro del movimiento grunge.

Pero los Smashing no estaban nada estables durante la grabación de su segundo álbum. James y D'Arcy acababan de romper tras una relación de varios años. Jimmy tenía problemas con las drogas y el alcohol, y Billy no salía de su depresión.

Así, Billy recibiría tratamiento psiquiátrico y dejaría la banda durante un corto espacio de tiempo, tiempo que emplearía para escribir bastante material para su siguiente álbum, "Siamese Dream", en el que de nuevo trabajaron con Butch Vig. Billy supo conducir al grupo hacia su mejor rendimiento. Si ellos no eran capaces de algo, él mismo tocaba los instrumentos. Fue un bombazo a nivel mundial. El álbum estaba repleto de temas de calidad, hasta el punto de que cualquiera podría haber sido un single. "Disarm" desarmó literalmente a más de uno. Es posiblemente una de las tres mejores baladas del grupo. Se podrían destacar además "Today", "Rocket", "Cherub Rock", "Mayonaise", y "Geek USA" (que según dicen, es la única canción que no puede tocar otro batería que no sea Jimmy) pero los demás temas también son muy buenos. Quizá es el disco que mejor describe la música que hace el grupo.

2 años más tarde, durante 1995 circularon rumores acerca de que el próximo álbum de los Smashing iba a ser un doble álbum. Billy había dicho que quería hacer un disco que fuera equivalente a lo que supuso en su momento "The Wall" de Pink Floyd.

Y así fue. "Mellon Collie and the Infinite Sadness" disparó inmediatamente, y de forma fulminante, la carrera de los Smashing Pumpkins, vendiendo millones de copias en todo el mundo, y dando de nuevo otra gira mundial. De este disco han salido varios singles de gran éxito, como "Bullet With Butterfly Wings", "1979", "Tonight, Tonight" y "Zero".

Tras algunas colaboraciones en bandas sonoras, una de ellas la de "Batman & Robin", vuelven en 1998 con un sorprendente álbum en todos los aspectos. "Adore" dejo atónitos a la mayoría de sus seguidores porque apenas hay guitarras en el disco, en general compuesto de canciones suaves, con piano, violines y órganos,...

Después de este relativo fracaso comercial de "Adore", que vendió entre 2 y 3 millones de copias, la banda vuelve al estudio en Febrero de 1999, no sin antes sorprender a todo el mundo anunciando que su batería expulsado en 1996 es readmitido. Su último disco publicado hasta la fecha fue "Machina – The Machines of God" en el año 2000, ya que después de esta gira el grupo anunció su separación.


Aquí teneis, en mi opinión, su mejor disco:

El sonido que ya apuntaba Gish, evoluciona y se enriquece, en parte gracias a la introducción de nuevos elementos orquestales (violines, campanas, melotrón…), marcando la diferencia respecto de otros grupos del momento con los que se relacionó al grupo como Jane´s Addiction o Nirvana. Por otro lado, las letras ganan inmediatez, y claridad en su mensaje.

Probablemente, en parte de dichos cambios, tuvo mucho que ver la elección de Butch Vig en la producción y Alan Moulder en las mezclas; no obstante el gran protagonista de este disco, es sin duda Billy Corgan, el cual llegó hasta el punto de grabar él mismo los solos de guitarra y bajo, además de encargarse de la composición, las letras y la coproducción. El resultado es uno de los mejores discos del momento, con canciones que son ya míticas como Today o Disarm, con las que se dieron a conocer en Europa.

El disco abre con Cherub Rock, la cual aborda el conflicto (latente en la escena musical actual) a la hora de decidir entre hacer música comercial o bien la que a ellos les hace sentirse realizados como artistas (“Who wants honey as long as there is some money”). Quiet es una de las composiciones con más fuerza, junto con, Geek USA y como no, la imprevisible Silverfuck.

Hay canciones más agridulces como Hummer o Soma (empieza lenta y va ganando fuerza con un potente sólo de guitarra) y Spaceboy, una de las más tristes y emotivas, que Corgan dedica a su hermano pequeño. Entre las piezas acústicas, destacan Mayonaise, y Luna, que pone suavemente punto final al disco.

Tracklist:

1. Cherub Rock
2. Quiet
3. Today
4. Hummer
5. Rocket
6. Disarm
7. Soma
8. Geek U.S.A.
9. Mayonaise
10. Spaceboy
11. Silverfuck
12. Sweet Sweet
13. Luna


Año: 1993
Duración: 62:08
Procedencia: USA
Productor: Billy Corgan / Butch Vig

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Actuación en directo de una de sus canciones más míticas, y que a mi personalmente me pone los pelos de punta - ‘Today’ en Chicago, su ciudad natal: