Pink Floyd

En julio de este año falleció Syd Barrett el que fuera uno de los miembros fundadores de Pink Floyd. Debido al abuso de drogas y la consecuente incapacidad para tocar en directo solo pudo permanecer en el grupo los tres primeros años. Problemas de salud hicieron que se introdujera en un cerrado ostracismo, alejado de la prensa y la escena del rock. Aún así, fue homenajeado por sus antiguos compañeros en el disco Wish You Were Here, sin duda uno de los mejores discos de Pink Floyd. Casualmente Barrett les hizo una visita sorpresa durante la grabación de este disco (a quienes no veía en 7 años). También fue la última vez que se verían...

PINK FLOYD

En 1965, Roger Waters y Nick Mason, 2 estudiantes de la Polytechnic School de Londres, formaron una agrupación musical llamada "Signa 6" con Rick Wright, Clive Metcalf, Keith Noble y Julliette Gale. El grupo sufrió varios cambios de nombre: "T-Set", The Megadeaths, Abdabs, The Architectural Abdabs y The Sreaming Abdabs. La agrupación continuó cambiando, al incorporarse un nuevo guitarrista llamado Bob Close; sin embargo, se retiró al poco tiempo. En su lugar ingresó Syd Barrett, a quien se le atribuyó la creación del nombre "Pink Floyd"; este nombre proviene de la unión de los nombres de 2 músicos de blues: Pink Anderson y Floyd Council.

A finales de 1965, la banda "Pink Floyd Sound" debutó en el Countdown Club de Londres. Para esta presentación la banda estaba conformada por Roger Waters, Nick Mason, Rock Wright y Syd Barrett. Para ese momento, sus presentaciones mostraban lo que más tarde sería un sello característico de la agrupación: la psicodelia. El 23 de diciembre de 1966, el grupo inauguró el UFO Club en su primera presentación como "Pink Floyd". Como consecuencia, Blackhill Enterprises consiguió un contrato discográfico con EMI. En agosto de 1967, fue editado el primer LP de Pink Floyd llamado "The Piper of the Gates of Dawn". Dicho disco fue creado casi en su totalidad por Barrett.

Ese mismo año viajaron a Estados Unidos para participar en un festival musical junto a Richie Havens, Procol Harum y Janis Joplin. A su regreso, la agrupación entró en una crisis que culminó definitivamente con la salida de Syd Barrett en 1968. A Barrett lo sustituyó el guitarrista David Gilmour. En junio de 1969 fue editado "A Sacerful of Secrets", el primer disco sin Barrett. En esta etapa se puede apreciar una transición hacia un efectismo instrumental, una tendencia melodramática, entre otros trazos que definirían al grupo.

El 25 de octubre de 1969 salió a la venta la obra maestra experimental de Pink Floyd llamada "Ummagumma". Este disco se estructuró en 2 partes: la primera en directo, con lecturas de los primeros clásicos del grupo; la segunda en estudio, conformada por largas canciones adjudicadas a cada uno de los miembros de la banda. 2 años más tarde salió al mercado "Meddle" disco continuista que no despertó muchas pasiones como sus predecesores, ya que no aportaba ninguna innovación. Simultáneamente a "Meddle" a los Floyd se le ocurrió una gran idea: grabar una actuación en directo para demostrar su acostumbrado despliegue técnico. Para añadirle más dramatismo se eligió como escenario las ruinas de Pompeya (región cercana a Nápoles, Italia). El público se sedujo al ver la calidad de las piezas interpretadas y el perfeccionismo de la puesta en escena.

El año 1973 representó un punto clave dentro de la historia de Pink Floyd, gracias a la edición de "The Dark Side of the Moon". Este disco fue una obra con sus canciones delimitadas y sin experimentos ambientales; esta nueva perspectiva se evidenció con el tema "Money", el cual significó su pasaporte a la cumbre comercial.

"Wish You Were Here" se publicó en 1975 como un tributo a Syd Barrett que contiene letras explícitas sobre su proceso y separación. En el álbum destacan el tema "Shine On You Crazy Diamond", básicamente instrumental y que recibió los elogios de la crítica, y "Wish You Were Here", que dio título al trabajo. Sus canciones restantes (Have A Cigar y Welcome To The Machine) hacian referencias a las presiones constanstes de los productores con los musicos que había empezado cuando Dark Side of the Moon se consagró como número 1.

En 1977, se editó el disco "Animals" que se caracterizó por una explosión catártica. Esta vez la reanimación de los Floyd iba en serio. Después, en el año 1979, significó la creación del disco titánico "The Wall" con la participación de Bob Ezrin. El tema "Another brick in the wall" fue uno de los pocos hits de la agrupación. Según algunos analistas, "The Wall" hablaba de los ladrillos de la autoprotección que las personas construyen para protegerse de una realidad hostil. Por otra parte, hay quienes opinan que en este disco se puede observar una sobreproducción, un culto al exceso y una ausencia de elementos musicales nuevos.

En marzo de 1983, fue editado "The Final Cut" que carece del efecto creativo de su predecesor. Este disco se caracterizó por ser una escueta secuela de los demonios internos de Waters. Para este momento, Waters quiería enterrar a Pink Floyd; pero Gilmour y Mason deciden seguir sin él. El año 1987 significó el retorno de Pink Floyd gracias a la publicación del álbum “A Momentary Lapse of Reason”, sin Roger Waters, pero en el que también participó Richard Wright como músico de sesión. Los temas "Learning to fly" y "On the turning away" alcanzaron el número uno en los Estados Unidos e Inglaterra.

En 1994 se publicó "The Division Bell", en el que Wright volvió a figurar como miembro de Pink Floyd. Posteriormente en 1995 sale un album doble en vivo llamado "P.U.L.S.E.", grabado de la gira de 1994 del Division Bell. Pink Floyd no ha vuelto a publicar nuevo material desde entonces y aunque no están oficialmente disueltos, no hay ningún signo sobre nuevos trabajos. Aun así, el 2 de julio del año 2005, después de una larga historia de peleas y demandas, Roger Waters se reunió con sus antiguos compañeros para una presentación de solo 4 temas en el concierto de Live 8. El histórico concierto fue la primera presentación de Roger Waters con la banda después de 20 años de separación. Para el grupo también fue su primer concierto juntos después de 10 años de inactividad.

Pink Floyd - Wish You Were Here

La grabación de Wish You Were Here dio comienzo en Abbey Road a principios de 1975. Tras el inicio con el sonido de los bordes de las copas de vino tocadas con los dedos húmedos, Shine On You Crazy Diamond es posiblemente el mejor single de la historia de Pink Floyd, marcado por las notas de guitarra de David Gilmore, una constante en el álbum. Las nueve partes de ese tema enmarcan el disco, una majestuosa loa de 25 minutos dedicada al ex líder del grupo Syd Barrett. La inesperada llegada de Barrett al estudio en junio tuvo mucho que ver con el tono de tranquila desesperación que preside el álbum; nadie reconoció al calvo obeso que se hizo cargo de los controles.

Have a Cigar – cantada por el amigo del grupo Roy Harper – es una de las mejores canciones para dar palmas jamás compuesta, y el tema que da título al disco es tan agridulce como podía llegar a serlo el grupo. Salió a la venta en septiembre de 1975, fue recibido con indiferencia por la crítica, pero llegó al Nº 1 a ambos lados del atlántico, convirtiendo al grupo en un fenómeno todavía mayor de lo que ya era.

Tracklist:

1. Shine On You Crazy Diamond (Part One)
2. Welcome To The Machine
3. Have A Cigar
4. Wish You Were Here
5. Shine On You Crazy Diamond (Part Two)



Año: 1975
Duración: 44:28
Procedencia: Inglaterra
Productor: Pink Floyd

Descarga: Wish You Were Here

Aquí la canción que da nombre al álbum, una de las canciones dedicadas a Syd Barrett:

So, so you think you can tell
Heaven from Hell,
Blue skys from pain.
Can you tell a green field
From a cold steel rail?
A smile from a veil?
Do you think you can tell?

And did they get you to trade
Your heros for ghosts?
Hot ashes for trees?
Hot air for a cool breeze?
Cold comfort for change?
And did you exchange
A walk on part in the war
For a lead role in a cage?

How I wish, how I wish you were here.
We're just two lost souls
Swimming in a fish bowl,
Year after year,
Running over the same old ground.
What have we found?
The same old fears.
Wish you were here.

The Kooks

Sin duda, una de las revelaciones de este año para mi. A pesar de que todavía son unos adolescentes, habrá que estar muy atentos a lo que puedan hacer en el futuro, ya que en su álbum debut han apuntado muy buenas maneras. Un disco fresco, ideal para el verano (y para el otoño también, porque no, jaja).

THE KOOKS

The Kooks, o lo que es lo mismo, Luke Pritchard (cantante y guitarrista), Hugh Harris (guitarrista), Max Rafferty (bajista) y Paul Garred (batería), son cuatro chicos de Brigthon, dueños de una estética cuidadosamente desastrada y de un puñado de canciones desenfadadas y eclécticas.

Todo comenzó hace casi un año, cuando editaron su primer single Eddie’s Gun y la prensa especializada inglesa (NME) los colocó, a toda prisa como “banda promesa”, al igual que hicieron con Arctic Monkeys.

The Kooks, es una banda en la que la media de edad no supera los 20 años, y aunque en la música, obviamente, lo viejo o lo joven que seas importa más bien poco. Inside In/Inside Out, el primer disco The Kooks, ofrece guitarras poderosas, melodías pegajosas, arrebatadoras armonías vocales, tremenda vitalidad juvenil, y mucho descaro y entusiasmo. Esto es lo que desprende el excelente disco de debut, que la banda británica acaba de publicar en este año 2006.

¿Y que nos vamos a encontrar en este fantástico disco? Pues bien, total algarabía pop, temas de melodías pegajosas, guitarras vitalistas y coros enfebrecidos, llenos de uooosss como Sofa Song, Eddies Gun o You Don’t Love Me, con un cierto aire nuevaolero y regusto a los añorados Jam, y preciosos temas de clásico y luminoso pop rock británico, algo menos acelerados pero igual de dinámicos y emotivos, como Oh La, She Moves In Her Own Way, Naive y Jackie Big Tits (preciosa a pesar de su título), junto a poderosos y vitaminados trallazos de punk rock como See The World y If Only, en donde nos recuerdan la influencia de los Libertines en las nuevas bandas británicas.

Y como curiosidad, una maravillosa, y delicada canción acústica, Seaside, que abre el disco de un modo inesperado, sobre todo teniendo en cuenta el arrebato sonoro que protagoniza el disco, y dos temas con aire atmosférico I Want You Back y Got no love, este último un tema cercano al estilo melódico de los Ocean Colour Scene.

Un disco vibrante, que sin duda ha devuelto la esperanza en las nuevas bandas británicas, a quien escribe estas palabras, que a pesar de tener una clara debilidad por la música británica, considera que en los últimos tiempos está bastante sobrevalorada, en lo referente a los nuevos grupos aparecidos.

The Kooks - Inside In / Inside Out

Tracklist:

1. Seaside
2. See The World
3. Sofa Song
4. Eddie's Gun
5. Ooh La
6. You Don't Love Me
7. She Moves In Her Own Way
8. Matchbox
9. Naive
10. I Want You Back
11. If Only
12. Jackie Big Tits
13. Time Awaits
14. Got No Love


Año: 2006
Duración: 40:51
Procedencia: Inglaterra
Productor: Tony Hoffer

Descarga: Inside In / Inside Out


The Kooks interpretando She Moves In Her Own Way. Por qué me gustará tanto esta canción...??

Recopilatorio: 16 'The' Bands

Hace un par de días me preparé otro recopilatorio. Esta vez solo quería incluir grupos que empezaran con 'The', y que hayan salido en los últimos 6-7 años más o menos. Ya sé que parece un recopilatorio un tanto raro, pero creo que al final ha quedado bastante chulo. Os dejo un enlace por si a alguién le interesa!

Las 16 canciones que incluye son:

The Arcade Fire - Neighborhood #3 (Power Out)
The Bravery - An Honest Mistake
The Dresden Dolls - Coin-operated Boy
The Faint - Desperate Guys
The Futureheads - First Day
The Killers - Mr. Brightside
The Kooks - You Don't Love Me
The Magic Numbers - Take A Chance
The Postal Service - Such Great Heights
The Rakes - 22 Grand Job
The Raveonettes - That Great Love Sound
The Rifles - She's Got Standards
The Sounds - Queen Of Apology
The Spinto Band - Late
The Vines - Ride
The White Stripes - Blue Orchid

Ya sé que hay miles de grupo que empiezan por 'The', y más últimamente que están saliendo como churros, jaja. Pero bueno, estos son las que más a mano tenía.

Descarga: 16 'The' Bands

Y para acompañarlo con un video, he elegido el video de la canción Ride de los australianos The Vines. No es que me entusiasme mucho el grupo en general, pero siempre me ha gustado mucha esta canción y sobre todo el videoclip:

Soundgarden

Superunknown es sin duda uno de los discos más reconocidos de la época ‘grunge’ de mediados de los 90. Y a la vez el más conocido de Soundgarden. Un disco oscuro, en el que destaca la gran voz de su cantante Chris Cornell.

SOUNDGARDEN

La historia de Soundgarden comienza en Illinois. Después de graduarse de secundaria, Kim Thayil y el bajista Hiro Yamamoto -junto con el futuro fundador de Sub Pop, Bruce Pavitt- se mudaron a Olympia, Washington, pretendiendo asistir a la universidad de Evergreen. La creciente escena musical los atrajo hacia Seattle, donde Yamamoto comenzó a vivir y a tocar con un batería llamado Chris Cornell. Thayil se unió al duo en 1984, y los tres músicos se llamaron a si mismos Soundgarden, por una escultura tubular que hace sonidos cuando el viento sopla a través de ella. Scott Sundquist se les unió como batería un año después, poniendo a Cornell al frente de la banda como cantante. Sundquist abandonó la banda para buscarse un trabajo estable y fue reemplazado por Matt Cameron.

Con un sonido pesado y frenético, muy inspirado por Black Sabbath, Soundgarden apareció en un par de compilaciones locales antes de grabar sus propios EP Screaming Life (1987) y Fopp (1988). A pesar de algunas ofertas de discográficas importantes, el grupo firmó con otra compañía independiente, SST, para su disco debut Ultramega OK (1988). En esa época Yamamoto dejó la banda para volver a sus estudios, y fue reemplazado por Jason Everman. Al año siguiente, la banda firmó un contrato con el sello musical A&M para su disco Louder Than Love. No fue un éxito instantáneo, pero ayudó a expandir la popularidad del grupo y les valió una nominación a los premios Grammy.

Un nuevo bajista, Ben Shepherd se unió a la banda en 1990, y Soundgarden siguió creciendo con su disco Badmotorfinger. La banda adquirió una gran exposición gracias a la popularidad de varios temas del disco, como "Outshined", "Jesus Christ Pose" y "Rusty Cage"; que eran pasados constantementes en radios y en MTV. Esto les hizo salir de gira por todo el país, con artistas como Guns N Roses o Neil Young, y se ganaron un lugar en la segunda edición del tour Lollapalooza.

Después de trabajar en algunos proyectos paralelos, como Temple Of The Dog (un tributo al fallecido cantante de Mother Love Bone, Andrew Wood, que dió a conocer al mundo a Eddie Vedder y fue el comienzo de Pearl Jam) y Hater (un proyecto de Shepherd y Cameron), Soundgarden editó Superunkown, un excelente disco que logró que la banda diera el salto definitivo a la fama. El disco debutó en el número 1 en las listas de Billboard y vendió más de tres millones de copias sólo en EE.UU., valiéndole al grupo dos premios Grammy, un premio de MTV por el video de "Black Hole Sun", y el premio a la mejor banda de metal de la revista Rolling Stone, tanto en los votos de los críticos como en los de los lectores.

Después de Superunknown, Soundgarden editó Down On The Upside, otro fantástico disco con excelentes críticas, aunque no con tanta fama comercial como su predecesor. Varios cortes de difusión, cómo "Pretty Noose", "Burden In My Hand" y "Blow Up The Outside World", tuvieron muchísimo éxito; y la banda hizo su segunda participación en Lollapalooza antes de iniciar su propio tour.

En febrero de 1997, la banda cerraba la gira de Down On The Upside con dos shows en Hawaii, e iniciaba lo que se suponía sería un descanso y terminó siendo su disolución, que fue anunciada dos meses después. Después de Soundgarden, sus miembros tomaron diversos caminos y participaron en varios proyectos, entre los que se destacan la inclusión de Matt Cameron como batería de Pearl Jam, el disco solista de Chris Cornell y la reciente formación de Audioslave, un proyecto integrado por Cornell y los ex-músicos de Rage Against The Machine.

Soundgarden - Superunknown

Hasta 1993 la fama de Soundgarden era escasa a nivel popular. Con su anterior LP parecía que su nombre comenzaba a hacerse un hueco entre los de Nirvana (cuyo Nevermind fue publicado paralelamente a Badmotorfinger), Pearl Jam y Alice In Chains. Casi por sorpresa Superunknown saltó directamente al nº1 de las listas de venta norteamericanas. La principal razón: Black Hole Sun, una singular balada que sin duda se ha convertido, para bien o para mal, en la canción emblemática de la banda.

Pero Superunknown no es exclusivamente Black Hole Sun. Basta escuchar sus dos primeras canciones (vaya inicio con Let Me Drown y My Wave) para no perder de vista las raíces del grupo. El disco entero mantiene un tono oscuro y pesimista donde los medios tiempos más densos (4th Of July, Fell On Black Days, la estremecedora Like Suicide) tienen su contrapunto en canciones de ritmo cortante y veloz (Kickstand, Spoonman). La edición europea del LP tiene como canción de cierre She Likes Surprises, fantástica, pero quizá algo fuera de lugar dentro del ámbiente pesimista del disco.

Soundgarden alcanzaron con este disco su éxito más alto de ventas y de popularidad (y posiblemente también de creatividad) a nivel mundial.

Tracklist:

1. Let Me Drown
2. My Wave
3. Fell On Black Days
4. Mailman
5. Superunknown
6. Head Down
7. Black Hole Sun
8. Spoonman
9. Limo Wreck
10. The Day I Tried To Live
11. Kickstand
12. Fresh Tendrils
13. 4th Of July
14. Half
15. Like Suicide
16. She Likes Surprises *

*Bonus Track


Año: 1994
Duración: 73:34
Procedencia: USA
Productor: Michael Beinhorn / Soundgarden

Descarga: Superunknown

Todo el mundo seguro que conocerá el video de Black Hole Sun...por eso pongo el de The Day I Tried To Live, uno de mis temas favoritos:

Placebo

Con Placebo me pasa una cosa curiosa: no sé cual de sus discos es el que más me gusta, ni tampoco el que menos. Los 5 que ya tienen los considero todos a un nivel muy parecido, siempre con grandes temas (y otros que no habría incluido). Por eso me ha costado mucho decidir qué disco recomendar. Al final he optado por su tercer disco, simplemente porque contiene mi canción favorita de Placebo: Special K.

PLACEBO

Placebo fue formado cuando Brian Molko, después de intentar entrar a la carrera de teatro, se encontró casualmente con Stefan Olsdal en la estación South Kensington del tren subterráneo en 1994. Molko y Olsdal habían tomado clases en la escuela juntos, pero curiosamente nunca se habían cruzado una palabra hasta ese reencuentro en el que se dieron cuenta de que compartían gustos musicales, fue entonces que decidieron formar una banda.

El primer nombre de la banda fue Ashtray Heart pero al poco tiempo optaron por el nombre de Placebo. La primera opción de Molko para completar el grupo fue el baterista Steve Hewitt, otro conocido suyo quien de inmediato se interesó en el proyecto, pero en ese momento Hewitt ya se encontraba con el grupo londinense Breed por lo cual Robert Schultzberg en un principio alternó con Hewitt el lugar de baterista con el grupo. Sin embargo Hewitt ya participaba activamente con Placebo. Para cuando consiguieron su primer contrato en 1996 Hewitt no aparecía como miembro, en su lugar Schultzberg grabó junto con Molko y Olsdal el primer disco del grupo, el homónimo Placebo de ese mismo año. Muy poco después Molko y Olsdal comenzaron a tener diferencias con Schultzberg quien salió de la banda, fue así que Hewitt entró como el tercer componente de Placebo antes de que concluyera 1996.

En 1998 grabaron su segundo álbum, Without You I'm Nothing, que los proyectó fuera de Inglaterra gracias al tema Pure Morning y a la participación de David Bowie cantando junto con Molko el tema que da nombre al disco. Al año siguiente aparecieron en la entrega de los Brit Awards tocando 20th Century Boy junto con David Bowie. Actualmente se considera a David Bowie como el padrino de Placebo, debido al apoyo que les ha brindado desde que comenzaron su carrera.


Para su tercer álbum, Black Market Music del año 2000, el sonido de Placebo cambió un poco, influido ahora por el estilo setentero del rock británico y americano, e incluso la voz más nasal de Molko.

El siguiente álbum del grupo, Sleeping With Ghosts del 2003, fue más aventurado al experimentar con influencias de música bailable, pero al mismo tiempo conservó el sonido particular de Placebo. Adicionalmente apareció el álbum también en una edición especial, conteniendo un segundo disco con todas las versiones que habían grabado hasta ese momento.

Para el siguiente año Placebo publicó su primer colección de sencillos titulada Once More With Feeling. Singles 1996-2004 y tocaron en vivo en la Wembley Arena. Robert Smith (The Cure) tocó con ellos dos temas, Without You I'm Nothing y una versión de Boys Don't Cry, canción original de The Cure.

En septiembre del 2005 Placebo concluyó la grabación de su último álbum, Meds, el cual se lanzó en marzo del 2006. El productor es Dimitri Tokovoi, quien es amigo del grupo y ya les había producido en el pasado un par de versiones, The Ballad of Melody Nelson y Running Up That Hill. El disco además cuenta con la participación de dos músicos en dos temas, VV del grupo The Kills y Michael Stipe de R.E.M.. Según Molko el disco es un regreso a las raíces de Placebo, con un sonido más cercano al de su primer disco.

Placebo - Black Market Music

Placebo han conseguido situarse en la cresta de la ola del pop internacional, y al margen de absurdas etiquetas (glam-rock, gotic-pop...), en Black Market Music confluyen todo tipo de estilos y de sonidos, desde el funky e incluso el techno más bailables hasta los más complejos, agitados y estridentes riffs de guitarra, con el mérito de que sigue sonando a ellos mismos, de que son inconfundibles.

Placebo han creado un estilo propio, y Black Market Music está siendo su espaldarazo definitivo, y motivos no le faltan, en este disco conviven temas acelerados como Spite & Malice, con un Brian Molko inmenso, rapeando de principio a fin, temas como Special K, canción estrella del disco y aspirante a covertirse en un himno generacional, Black-Eyed o Comercial for Levi, que por su intensidad emocional podrían estar sacadas de su anterior Without you I’m nothing y las radiadas Taste in Men y Slave to the Wage (sampler de Pavement incluido).

Tracklist:

1. Taste In Men
2. Days Before You Came
3. Special K
4. Spite & Malice
5. Passive Aggressive
6. Black-Eyed
7. Blue American
8. Slave To The Wage
9. Commercial For Levi
10. Haemoglobin
11. Narcoleptic
12. Peeping Tom


Año: 2000
Duración: 45:44
Procedencia: Inglaterra
Productor: Paul Corkett

Descarga: Black Market Music

Aquí la anteriormente mencionado Special K, en directo este año desde Rock Am Ring:

Queens Of The Stone Age

Probablemente sea este disco uno de los mejores discos de rock de lo que llevamos de siglo. Con grandes colaboraciones como la de Dave Grohl a la batería (Nirvana, Foo Fighters) o Mark Lanegan (Screaming Trees) prestando su voz en algunos temas, hacen de Songs for the deaf un disco potente y muy interesante.

QUEENS OF THE STONE AGE

Dave Grohl, Josh Homme, Nick Oliveri

Biografía Queens of the Stone Age + Descarga 1er Álbum

Queens of the Stone Age - Songs For The Deaf

Queens Of The Stone Age son, desde su anterior Rated R, una referencia básica en el uniformado panorama rock actual donde pocas bandas ofrecen un producto con marca de la casa. Y no sólo se han ganado el respeto a nivel de fans. Únicamente hay que mirar la pujante lista de colaboradores con que suelen contar en sus anteriores álbumes. O los de ahora: las hermanas Lenchantin (A Perfect Circle) o Alain Johannes (Eleven, Chris Cornell). Pero ahora ya no se trata de simples colaboradores que hacen un coro por aquí o ponen unos bongos por allá. La contraportada de Songs For The Deaf muestra la alineación titular de QOTSA en este disco: Oliveri, Homme, Mark Lanegan y Dave Grohl. Con cuatro tipos así, este disco no podía salir de otra manera: uno de los LPs del año.

La primera audición me dejó marcados especialmente cinco temazos de los habituales en QOTSA: Millionaire (grandísimo inicio), First It Giveth, The Sky Is Fallin', Go With The Flow y A Song For The Deaf. Las canciones más enérgicas siguen siendo un valor en alza de QOTSA. El resto del álbum se divide entre temas llevados por riffs pesados y cortantes característicos de Homme (A Song For The Dead, digna de escucharse por oir a Mark Lanegan entrenándose para montar su propia banda punk y con Grohl experimentando una regresión a sus tiempos de Nirvana, God Is In The Radio, otra con Lanegan a las voces) y canciones más poperas (Gonna Leave You), de cariz sesentero, diría incluso que cercanas a los Beatles (Another Love Song, Everybody's Gonna Be Happy).

Queens Of The Stone Age han vuelto a hacer un trabajo lejos de modas y con absoluta libertad creativa. Uno de los mejores discos del año, aunque a nivel global de su carrera lo situaría por debajo de Rated R, que sigue siendo bajo mi punto de vista su álbum más inspirado.

Tracklist:

1. You Think I Ain't Worth A Dollar, But I Feel Like A Millionaire
2. No One Knows
3. First It Giveth
4. A Song For The Dead
5. The Sky Is Fallin'
6. Six Shooter
7. Hangin' Tree
8. Go With The Flow
9. Gonna Leave You
10. Do It Again
11. God Is In The Radio
12. Another Love Song
13. A Song For The Deaf
14. Mosquito Song
15. The Lost Art Of Keeping A Secret (Live)*
16. Everybody’s Gonna Be Happy *

* Bonus Tracks

Año: 2002
Duración: 59:19
Procedencia: USA
Productor: Adam Kasper / Josh Homme

Descarga: Songs For The Deaf


Uno de los mejores temas en directo, No One Knows, otra vez con el Sr. Grohl a la batería:

Los Piratas

Ivan Ferreiro, el cantante de Los Piratas, acaba de publicar su segundo álbum en solitario. Por esta razón me apetecia rescatar el que para mi es el mejor disco de su anterior grupo, uno de los mejores grupos pop españoles de la última década.

LOS PIRATAS

El primer disco del grupo fue un directo, Los Piratas, grabado en CDB en octubre de 1992, producido por Javier Abreu y editado por Warner Music Spain. El repertorio seleccionado, con Iván Ferreiro y Paco Serén como principales compositores, fue el embrión de su primer álbum de estudio, Quiero hacerte gritar (1993), también producido por Abreu. Se trata de un LP de pop-rock un tanto juvenil, para nada representativo de lo que llegaría a ser la banda. No obstante, destacan canciones como Otra vez o El sabor de las cosas.

Poligamia, su segundo álbum, vio la luz en 1995 y tiene influencias del pop español de los años 1980. La producción corre a cargo de Juan Luis Giménez (Presuntos Implicados). Además, incluye una versión de Tequila (Dime que me quieres) y las colaboraciones de Mikel Erentxun y Diego Vasallo (Duncan Dhu). Poligamia supuso un paso adelante en la madurez de la banda y aportó el mayor himno de su carrera: Promesas que no valen nada.

Manual para los fieles (1997) constituyó el inicio de un cambio: endurecimiento del sonido, estructuras más complejas y mayor profundidad en las letras. Según Ferreiro, con este álbum "empezamos a saber lo que se puede hacer en un estudio con total independencia. Nos quitamos las barreras". Juan Luis Giménez continuó a la producción. Destacan hits de altura como Mi coco, M o Mi matadero clandestino. El listado de colaboradores fue extenso: Kepa Junquera, Anxo Pintos, Antón Reixa, Miqui Puig (Los Sencillos), Sole Jiménez...

En 1999, Warner editó el primer álbum recopilatorio de Los Piratas: Fin (de la primera parte). Los dos inéditos que se grabaron para el disco, Vacío y Hoy por ayer, continuaban la evolución marcada por Manual para los fieles y se adentraban en terrenos más sombríos.

Ultrasónica (2001) fue la culminación del cambio iniciado con Manual para los fieles, aún con Juan Luis Giménez como productor. Sonido más fiero que nunca, uso de la electrónica, atmósferas enrarecidas y letras angustiosas. Por si fuera poco, el grupo se presentó como Piratas, a secas. Warner se negó en un principio a editar el álbum por considerarlo demasiado comercial para el circuito independiente, y demasiado independiente para el mainstream. No obstante, Años 80 tenía madera de hit, así que la discográfica terminó cediendo. Años 80 se convirtió en un éxito instantáneo, y Ultrasónica fue considerado por la crítica uno de los mejores álbumes de 2001, amén de obtener el Disco de Oro (más 50.000 copias vendidas).

En 2003, Piratas grabaron su último disco de estudio, Relax. Este álbum, de pulso más calmado pero no menos oscuro que el anterior, se consagró definitivamente a la electrónica y supuso un punto de ruptura. Algunos fieles lo alabaron, mientras que otros lo aborrecieron por alejarse demasiado de la línea rockera del quinteto. Suso Sáiz fue el productor encargado de dar forma al nuevo repertorio. Junto a Relax se editaron tres sencillos que adjuntan multitud de rarezas y superan el formato CD-Single: Inerte, Respuestas y Dinero.

El 24 de octubre de 2003 grabaron, en la sala La Riviera de Madrid, el que fue su último concierto y su último disco: Fin de la 2ª parte. Cuatro meses más tarde anunciaron su retirada y empezaron a trabajar en distintos proyectos

Los Piratas - Ultrasónica

Abre el disco Teching, y empieza golpeando fuerte, programación, arreglos, más programación, más arreglos... una bomba. Esta canción es como una presentación, empieza sonando una batería alocada, luego entran las guitarras y la batería se baja un poco, luego va el bajo, y destaca sobre los dos instrumentos anteriores, finalmente llega la voz y se mantiene por encima de todo durante todo el tema, realmente una canción impresionante, aunque tal vez no sea muy adecuada para los cuarenta. En El equilibrio es imposible, Años 80, Jugar con los coches e Inevitable Iván sigue desgañitándose, pero la segunda escucha y la tercera y hasta la cuarta escucha nos aportan sensaciones nuevas de cada tema, siempre se descubre algo, un arreglo nuevo, un sampler por aquí o un speech por allí. Pero no todo es fuerza y agresividad en Ultrasónica, Filofobia, Cuando te duermas y Ultrasónica, que cierra el disco, aportan el grado justo de calma para no saturarnos y tomar aire para continuar.

La verdad es que pocos discos últimamente me han transmitido tantas sensaciones como este, 13 grandes canciones, formadas por capas superpuestas de arreglos que esconden al fondo una melodía y una letra de pop-rock clásico. El conjunto forma un álbum agresivo, contundente, arriesgado e innovador, del que muchas bandas veteranas deberían tomar ejemplo.

Tracklist:

1. Teching
2. El Equilibrio Es Imposible
3. Años 80
4. Disimular
5. Muertos
6. Jugar Con Los Coches
7. Filofobia
8. Caótico Neutral
9. Inevitable
10. El Cielo De Lo Nuestro
11. Colores
12. Cuando Te Duermas
13. Ultrasónica


Año: 2001
Duración: 52:58
Procedencia: España
Productor: JLG / Vicente Sabater / Piratas

Descarga: Ultrasónica

Videoclip un tanto curioso de la canción Años 80:

Death From Above 1979

Interesante propuesta musical de este dúo canadiense, ya que su música se compone principalmente de bajo y batería. La pena es que recientemente han anunciado su separación, y lo que nos queda son un EP y un gran primer disco, que aquí os recomiendo.

DEATH FROM ABOVE 1979

En la tierra de la hoja del arce donde los castores pasean alegremente por enormes lagos y los buenos paisanos comen deliciosos ragoûts de boulettes, dos gamberros han sacado un disco agresivo y de rabiosa modernidad.

En la provincia de Québec, concretamente en la ciudad de Montreal, ya se habían dado muestras del potencial musical que tiene este país, desde las hermosas composiciones de Leonard Cohen hasta los oscuros paisajes sonoros de Godspeed You! Black Emperor, pero ahora los canadienses han demostrado que pueden estar en la cresta de la ola, o mejor dicho, en la cresta de la new-wave.

Parece que la gente ya se va enterando de que tenemos una nueva ola, una moda musical que ha tenido su epicentro en la ciudad de Nueva York; grupos como The Rapture o !!! o sellos como DFA han reinventado las formulas del punk-funk de Gang Of Four (por ejemplo) haciendo una mezcla perfecta de dance, rock y toda clase de ritmos; es bailable, escuchable, y tiene connotaciones políticas; en fin, lo que la (post)modernidad necesitaba.

Pero el terremoto post-post-punk (en esto de los híbridos las etiquetas son variables) se ha dejado notar en otras partes con diferentes variaciones, en Washington Q and not U se apuntaron a la moda en su disco Power desde la visión del Post-hardcore, y ahora en Montreal, Death From Above 1979 nos vienen con una interpretación metal de la nueva música de baile. Dónde vamos a parar...

El sello DFA significa precisamente “Death From Above” y obligó al grupo a cambiarse de nombre (tuvieron que añadir “1979” al nombre, que es por cierto el año de nacimiento de uno de los componentes). En ella encontramos una propuesta original dentro del Drum & Bass. ¿Qué? ¿Cómo? ¿Estoy hablando de otro disco?, no, pero Sebastien Grainger y Jesse F. Keeler son Batería & Bajo respectivamente. Y si a eso le sumamos un sonido crudo y unos riffs de speed-metal tocados con ritmos de música de baile tenemos en nuestras manos una auténtica gamberrada.

El disco You’re A Woman, I’m A Machine no tiene mayor misterio que el concepto con el que juega, 35 minutos de Black Sabbath retozando en la pista de baile con ciertos ramalazos punk. 11 canciones de las cuales se puede extraer algo bueno de cualquiera, pero si he de destacar alguna puedo decir Blood on our hands o Little Girl, aunque sobre todas queda Romantic rights, un verdadero hit.

Ciertamente las canciones tienen una calidad media bastante alta, y el disco como acto vandálico-artístico funciona, desde luego. Las dudas pueden surgir sobre la posible continuación de este largo, pero mientras llega el momento disfrutaremos de su fuerza; puro rock en movimiento.

Death From Above 1979 – You’re A Woman, I’m A Machine

Tracklist:

1. Turn It Out
2. Romantic Rights
3. Going Steady
4. Go Home, Get Down
5. Blood On Our Hands
6. Black History Month
7. Little Girl
8. Cold War
9. You're A Woman, I'm A Machine
10. Pull Out
11. Sexy Results


Año: 2004
Duración: 35:03
Procedencia: Canada
Productor: Al Puodziukas


Descarga: You’re A Woman, I’m A Machine

Videoclip de Blood On Our Hands:

Radiohead

Reconozco que Radiohead son una de mis debilidades. No hay disco suyo que no me parezca increíble. Vale que después de esa obra maestra que supuso OK Computer dieron un cambio bastante considerable, convirtiéndose la electrónica en una parte importante de su música en lo que fueron los dos siguientes discos Kid A y Amnesiac. Estos dos discos se grabaron prácticamente al mismo tiempo, y son sin duda los discos más ‘difíciles’ de escuchar de Radiohead. Aún así, en directo suenan increíblemente bien, y por esa razón, editaron un disco en directo, solamente con canciones de estos dos discos, además de una preciosa cara-b llamada True Love Waits, con la que acaban este el disco. Por lo tanto, al que no le gustaron el Kid A y el Amnesiac, que les de una última oportunidad con este directo...

RADIOHEAD

I Might Be Wrong, canción planeada originalmente para ser el tercer single de Amnesiac, se convirtió finalmente en el primero y hasta ahora único disco de la banda en directo. Lanzado en noviembre de 2001, I Might Be Wrong: Live Recordings contiene material de Kid A y Amnesiac de recitales en Berlin, París y Londres, entre otros lugares, además de incluir una canción que no había sido incluida antes en un álbum: True Love Waits, una de las favoritas de los fans. En este mini álbum, las interpretaciones de The National Anthem, I Might Be Wrong, y Like Spinning Plates son algo diferentes que en sus respectivas versiones de estudio.

Radiohead - I Might Be Wrong: Live Recordings

Tracklist:

1. The National Anthem (Kid A)
2. I Might Be Wrong (Amnesiac)
3. Morning Bell (ambos)
4. Like Spinning Plates (Amnesiac)
5. Idioteque (Kid A)
6. Everything in its Right Place (Kid A)
7. Dollars and Cents (Amnesiac)
8. True Love Waits (cara-b)


Año: 2001
Duración: 40:11
Procedencia: Inglaterra
Productor: Nigel Godrich


Descarga: I Might Be Wrong: Live Recordings

Una pequeña muestra con Idioteque, una de las canciones más interesantes del disco Kid A:

We Are Scientists

Probablemente sea este uno de los discos que más he escuchado a lo largo de este año. Un disco divertido, bailable y fácil de escuchar. Fueron una de las revelaciones del pasado Festival Internacional de Benicassim...

WE ARE SCIENTISTS

Corren buenos tiempos para las guitarras y el rock bailable. Y no sólo por causa de moda o tendencia, sino porque no dejan de aparecer grupos con calidad suficiente para mantener la nueva ola en toda su efervescencia. Buena prueba de ello son We Are Scientists, un trío de Brooklyn que acaba de publicar su primer LP, tras debutar con dos EPs que sirvieron para que el NME se fijara en su música, y los fichara para compartir cartel en el NME Awards Tour 2006 con Arctic Monkeys, el fenómeno del momento en Gran Bretaña .

Newyorkinos como los Strokes, renuncian casi de antemano al medio tiempo para especializarse en producir pildorazos de intensidad, calidad y densidad variables, aportando oscuridad y cierto grado de ambiguo lirismo en la brecha abierta por Franz Ferninand. Con poco que envidiar a Hot Hot Heat, The Killers o cualquier otro grupo con el que compartan geografía musical, el hábitat natural de sus canciones se encuentra a medio camino entre la pista de baile y los directos. Urgentes y brillantes en Nobody move, nobody get hurt, This scene is dead o The great Escape, pierden algo de fuelle cuando reducen la velocidad de las guitarras en Textbook o Worth the Wait.

¿Hype de innegable talento o algo más? Merece la pena darles una oportunidad, por lo menos la misma que le dimos en su día a Alex Kapranos y los suyos.

We Are Scientists – With Love And Squalor

Tracklist:

1. Nobody Move, Nobody Get Hurt
2. This Scene Is Dead
3. Inaction
4. Can't Lose
5. Callbacks
6. Cash Cow
7. It's A Hit
8. The Great Escape
9. Textbook
10. Lousy Reputation
11. Worth The Wait
12. What's The Word

Año: 2006
Duración: 36:55
Procedencia: USA
Productor: Ariel Rechtshaid


Descarga: With Love And Squalor


Videoclip de la canción Inaction:

Recopilatorio: 15 Caras-B

Os dejo un enlace con un recopilatorio que hice hace unos cuantos días. Solamente son caras-b, es decir, canciones de muchos de mis grupos favoritos, que un principio no han aparecido en ninguno de sus discos de estudio. Estas son las canciones:

Bloc Party - Two More Years

Dredg - Stone by Stone

Editors - Find Yourself a Safe Place

Foo Fighters - A320

Franz Ferdinand - L. Wells

Incubus - Crowded Elevator

Muse - The Groove

Nirvana - Verse Chorus Verse

Pearl Jam - State of Love and Trust

Placebo - Lazarus

Queens of the Stone Age - Ode to Claryssa

Radiohead - Maquiladora

Smashing Pumpkins - The End is the Beginning is the End

The Strokes - Hawaii

Weezer - Suzanne

Descarga: 15 Caras-B

La mayoria de ellas han aparecido acompañando a singles (p.ej. Placebo), y otras en bandas sonoras (p.ej. Smashing Pumpkins), o en recopilatorios de Greatest Hits (p.ej. Pearl Jam). ¿Por qué no fueron incluidos estos temazos en discos de estudio por parte de sus autores?

Espero que a alguien le guste el recopilatorio...

Damien Rice

No estoy yo muy puesto en cuanto a cantautores, pero he de reconocer que la música de este irlandés me gusta mucho. Acaba de lanzar su segundo álbum, que he venido escuchando mucho en los últimos días, y como me ha gustado mucho he pensado en recomendarlo desde aquí.

DAMIEN RICE

Nacido en Irlanda, hace poco más de treinta años. Joven pero lleno de talento. Este es Damien Rice, un gran artista con una carrera meteórica llena de casualidades. Nacido en County Kildare, sus inicios en la música fueron en una banda: Juniper. Con ella grabó dos temas que iban a ser el lanzamiento de un disco con la multinacional Polygram. Por el escaso entendimiento entre la banda y la compañía, al final no fue posible este lanzamiento y el resto del grupo continuó bajo el nombre de Bell X1.

Recorriendo las calles como cualquier otro cantautor urbano, recorre casi toda la geografía europea, estableciéndose finalmente en Dublín en el año 2000. Con una serie de ideas bien marcadas decide grabar algunos temas en una maqueta y probar suerte. Y tal fue la suerte que el productor David Arnold (conocido por sus trabajos para Bjork y la saga de James Bond) quedó fascinado por su música y decidió invertir en él. Así, le conseguiría el dinero necesario para que se comprara su estudio móvil.

En este estudio grabaría su primer single, The Blower’s Daughter que sería publicado en 2001 como preámbulo de su primer disco: O (Warner, 2002). Grabado a lo largo de un viaje de forma absolutamente casera, casi desnudo. Vestido con guitarras acústicas, cuerdas y mucha imaginación, el disco fue todo un éxito tanto para el público como para la crítica, y enseguida salió de las fronteras de Irlanda para conquistar al público británico, europeo y estadounidense.

No podemos olvidar a la cantante Lisa Hannigan, uno de los pilares de las canciones de Damien que con su voz teje el perfecto complemento a historias viscerales, profundas, sin tapujos y absolutamente sobrecogedoras. Canciones que han conquistado incluso al director de cine Mike Nichols, que ha incluido The Blower’s Daughter como comienzo de Closer, una de las películas más esperadas de 2005, protagonizada por Julia Roberts.

El pasado 3 de noviembre tuvo lugar el lanzamiento de su nuevo disco titulado 9.

Damien Rice - 9

Tracklist:

1. 9 Crimes
2. The Animals Were Gone
3. Elephant
4. Rootless Tree
5. Dogs
6. Coconut Skins
7. Me, My Yoke, and I
8. Grey Room
9. Accidental Babies
10. Sleep Don't Weep
11. The Rat Within the Grain *

* Bonus track



Año: 2006
Duración: 54:09
Procedencia: Irlanda
Productor: Damien Rice


Descarga: Damien Rice - 9

9 Crimes, canción que abre el disco en directo:

Weezer

Un buen ejemplo de cómo un disco que fue un fracaso en cuanto a ventas, a lo largo de los años se convirtió en un disco de culto para mucha gente. A mi es el que más me gusta de esta banda un tanto irregular, ya que los dos últimos discos me han parecido mucho más flojos que los primeros que publicaron.

WEEZER

El grupo se formó en 1992 en Los Ángeles, por Rivers Cuomo (voz y guitarra), Matt Sharp (bajo), Patrick Wilson (batería) y Jason Cropper (guitarra). En agosto del 93 Weezer fue a Nueva York a grabar su primer disco, el que sería conocido como The Blue Album, bajo las órdenes del ex-miembro de The Cars Ric Ocasek. Después de finalizar la grabación, Cuomo despidió a Jason Cropper y contrató a Brian Bell, procedente de la banda Carnival Art. En este disco se encuentran éxitos como 'Buddy Holly' o 'Undone'. El disco recogía influencias de grupos como los Pixies o los Beach Boys, con un sonido que podía ofrecer similitudes con bandas del momento como Pavement, Sebadöh o Dinosaur Jr.

El segundo disco fue considerado como un fracaso comercial y también la crítica más cercana a lo comercial lo criticó (la revista Rolling Stone calificó a Pinkerton como el peor disco del 96). Las melodías alegres y la creatividad pop del disco azul iban a desaparecer para dejar paso a un sonido sucio, repleto de crudeza y distorsión, con letras totalmente íntimas. Algunos piensan que esto fue el reflejo de la vida de Rivers Cuomo en ese momento: dejó la banda durante un semestre para estudiar Filología Inglesa en Harvard y sufría las dolorosas consecuencias de una operación correctora en su pierna, lo cual acabó recluyéndole y convirtiéndole en un "ermitaño".

El fracaso de 'Pinkerton' dio alas a las críticas que comparaban a Weezer con los one hit wonders, bandas de un sólo éxito, y el grupo abandonó toda actividad a principios de 1997. Mientras que el bajista Matt Sharp formó la banda The Rentals, con la cual recogería elementos del sonido de Pinkerton, el guitarrista Brian Bell hizo lo propio con The Space Twins, y el batería Pat Wilson con The Special Goodness, el líder de la banda, Rivers Cuomo, abandonó California otra vez para alejarse de la industria musical, jugar al fútbol en una liga semiprofesional, y escribir canciones sin tener que ensayarlas con Weezer, aunque acabó formando la Rivers Cuomo Band, con la que tocó canciones pop más cercanas a los 60 que a 1997, pero no dio más de 10 conciertos acompañado de esa formación.

A finales de los noventa, empezaron a surgir miles de fans de Weezer, que se vieron identificados con las letras de Pinkerton, que hablaban de fracaso, inseguridad, y frustración sexual. Asimismo, esos fans también formaron bandas, como Ozma, que imitaban el sonido de la banda de Rivers Cuomo. Internet fue el modo de contacto para una parte de ellos, y poco a poco, Weezer fue alcanzando un status de grupo de culto para éstos, lo que favoreció la vuelta del grupo.

Así, la banda volvió a ensayar, esta vez con Mikey Welsh sustituyendo a Matt Sharp (que seguía con su banda, The Rentals) en el bajo. Se dieron giras en locales pequeños y en festivales como el Warped Tour. Cuomo decidió lanzar gratuitamente por Internet 10 canciones, que acabarían conociéndose como Summer Songs 2K (canciones del verano del 2000). Todo marchaba viento en popa, en condiciones para entrar a un estudio de grabación y preparar el siguiente álbum.

The Green Album fue el tercer lanzamiento oficial de Weezer. Durante la composición de las canciones, Rivers Cuomo analizó qué fue lo que hizo que algunas de sus canciones triunfaran y qué fue lo que hizo que otras fracasaran. El resultado final fueron 10 canciones pop que se alejaban del estilo de Pinkerton. Canciones como 'Hash Pipe' o 'Island In The Sun' (tema utilizado en una famosa campaña publicitaria de teléfonos móviles) hicieron que el disco verde vendiera casi 2 millones de copias.

Scott Shriner, procedente de grupos de hard-rock californianos, se convirtió en el tercer bajista de la historia de Weezer, aportando contundencia al sonido de la banda. Contundencia que se vería reflejada en Maladroit, el cuarto y para algunos más polémico álbum del grupo. Con un método de grabación que pocas veces se había visto antes, enseñando las maquetas diarias a los fans en su página web para que ellos decidieran, y con un giro a las raíces metaleras de Cuomo.

Después de la gira de Maladroit la banda volvió al estudio para grabar el que sería el quinto álbum, pero después de tener preparadas unas 30 maquetas, Rivers Cuomo decidió desecharlas y volver a Harvard.

La grabación del quinto disco se ralentizó, tardando 3 años en ser acabado, bajo las órdenes del productor Rick Rubin, que introdujo a Cuomo en el mundo de la meditación Vipassana. Así, el 10 de mayo de 2005, salió a la venta Make Believe.

Weezer - Pinkerton

Después del despelleje por parte de la crítica de su primer disco, según se escuchan los primeros acordes del tema que abre Pinkerton, Tired of Sex, uno se da cuenta de que estamos ante un álbum bastante diferente al brillante y popy primer disco.

La primera diferencia notable es el sonido, más desordenado, más oscuro, lleno de rabiosas guitarras, baterías brutales y viscerales, mezclando la voz con el sonido de los amplificadores. En resumen, suena como el trabajo de una banda viva.

El hecho de que Weezer cambiara del sonido pop a uno más rockera (únicamente la canción Butterfly es tocada acústicamente), hizo que muchos críticos y seguidores no cayeran en la cuenta del crecimiento y madurez de Cuomo en la parte compositiva.

El álbum se planteó como un disco conceptual basado en la opera “Madame Butterfly”, cada canción funciona como una entidad individual, asentada sobre melodías poderosas y muy adictivas. De esta manera nos encontramos tan pronto con temas muy irónicos (Pink Triangle habla de una lesbiana) como con temas muy conmovedores (Across the Sea, Why Bother?).

Todos estos cambios consiguieron que el álbum no consiguiera el éxito esperado, pero eso no quita para que sea el mejor disco de la formación, cargado de un buenísimo power pop, de fuertes realidades emocionales, y que te descubre un nuevo matiz en cada escucha.

Tracklist:

1. Tired Of Sex
2. Getchoo
3. No Other One
4. Why Bother?
5. Across The Sea
6. The Good Life
7. El Scorcho
8. Pink Triangle
9. Falling For You
10. Butterfly


Año: 1996
Duración: 34:36
Procedencia: USA
Productor: Weezer


Descarga: Pinkerton

Videoclip de El Scorcho:

Concierto Tool Madrid - 04/11/06

Me gustaría empezar esta pequeña crítica del concierto de ayer de Tool en Madrid, con la única pega que le podría poner: la elección de las canciones. Y es que prácticamente tocaron las mismas canciones que en los conciertos que ofrecieron hace no más de 4 meses. Por aquel entonces pude verles en Barcelona, y con respecto al concierto de ayer, fueron las mismas canciones excepto una. Pensaba que al tratarse del primer concierto de una nueva gira europea introducirían 3-4 canciones diferentes a la anterior gira. Pero por desgracia, me equivoque.

Por lo demás, un muy muy buen concierto, a pesar de la mala acústica de La Cubierta de Leganes. Esta mala acústica se pudo comprobar durante la actuación de los geniales teloneros Mastodon, una autentica ‘apisonadora’ sonora en directo. No me extraña que muchos los consideren como la mejor banda de metal de los últimos años. Mención especial para su batería, de los más rápidos y técnicos que he visto en mi vida, y autentico motor de este grupo. Al final, poco más de 8 canciones en 40 minutos, y a preparar el escenario para Tool.

Minutos después estaba todo listo para el comienzo del concierto. Al fondo cuatro pantallas (que siempre juegan un papel importante en los conciertos de Tool), la descomunal batería de Danny Carey y justo al lado, una pequeña plataforma preparada para el peculiar cantante Maynard. Salieron puntuales, y empezaron directamente con Stinkfist de su segundo disco Aenima. Gran canción para empezar un concierto, que incluyó una pequeña improvisación al final. A continuación vino The Pot, la única canción que cambio con respecto a mi último concierto.

Era curioso fijarse en cada uno de los músicos de Tool. Adam, el guitarrista no se movía lo más mínimo, pero ejecutaba su trabajo a la perfección. Justin el bajista, y el que yo tenía prácticamente enfrente, estaba en su mundo y muy concentrado. Lo del cantante Maynard no me extraño lo más mínimo; acostumbrados a sus ‘disfraces’ salio con una mascara anti-gas que no se quito en todo el concierto, y como siempre colocado al fondo en un segundo plano. Curiosos también sus bailecitos durante algunas canciones. Para el que no tengo palabras es para el batería Danny. Sin duda, mi batería favorito, y toda una delicia verle tocar. Aunque no te gusten Tool, recomendaría a todo el mundo que viera tocar a esta ‘maquina’.

Y así fueron cayendo temas, sobre todo de sus tres últimos discos. Personalmente me encanto Schism, acompañado de su videoclip, y con esa tremenda improvisación a mitad de canción. La que si que hubiese quitado del setlist sería Rosseta Stoned (y su intro Lost Keys), ya que en directo se me hace un pelín larga. Además ya la había visto la última vez y hubiese preferido alguna otra canción a cambio.

El final del concierto incluía, además de un solo de batería impresionante, seguramente la mejor canción de cada uno de sus 4 discos. Primero Sober (única que tocaron del Undertow), después Lateralus, para acabar con Vicarious y la más esperada Aenima.

Tool demostró anoche que en directo hay pocos grupos puedan igualar su sonido, pero me gustaría que para la próxima vez cambien un poco su setlist. Maynard dijo que el próximo verano les tendríamos otra vez por aquí. Veremos....


Setlist:

Stinkfist

The Pot

Forty Six & 2

Jambi

Schism

Lost Keys
Rosseta Stoned

Sober
-------

Lateralus

Vicarious

Aenema

No he encontrado ninguna foto del concierto, ya que estaba prohibido hacer fotos y videos, así que nada, dejo una del grupo...

Danny, Justin, Maynard y Adam

A Perfect Circle

Con motivo del concierto de Tool este sábado en Madrid, he creído oportuno colgar algo relacionado con ellos. En este caso, el primer disco del grupo paralelo del cantante Maynard James Keenan, grupo en el que a lo largo de los años ha coincidido con diferentes músicos. Para quién no puedo con Tool, que pruebe con este grupo...

A PERFECT CIRCLE

Hablar de A Perfect Circle representa referirse a Maynard James Keenan (cantante y alma de Tool), uno de los miembros clave de este nuevo proyecto, y a Billy Howerdel (guitarrista, creador y productor de APC), antiguo técnico de guitarras de Keenan y de una serie de ilustres bandas del calibre de Smashing Pumpkins, David Bowie, Nine Inch Nails o Fishbone. Por lo que respecta al resto de la formación, ahí están el guitarrista Troy Van Leeuwen (ex-Failure, Enemy), Paz Lenchantin al bajo y Josh Freese, batería habitual de The Vandals y colaborador de Paul Westerberg o de Axl Rose en los actuales Guns’N’Roses.

El origen del proyecto se remonta a los días de grabación del disco Aenima de Tool en el año 1996. Por aquel entonces, Howerdel aprovechaba los ratos libres para desenfundar sus maquinitas y trabajar en la composición de temas propios, ante un atónito Keenan que no tardaría en ofrecerse para colaborar como vocalista. Desde entonces, los fans de Tool han sufrido –aunque no culpemos a Howerdel- el retraso de nuevo material de su grupo favorito.

En Mer De Noms Keenan experimenta en su nueva formación con sonoridades armónicas inéditas en Tool. Un añadido especial para una banda difícilmente catalogable y de la que se espera, aún con reservas, cierta continuidad. Por otro lado, el single “Judith”, viene respaldado por un clip dirigido por David Fincher (“Seven”, “The Game” etc.) y se trata de su primer trabajo en el mundo de la música después de cuatro años alejado del sector. De todos modos, Keenan atribuye la gran acogida del single a Internet, donde los fans podían acceder a él antes de la publicación oficial del disco.

Al revisar la lista de títulos de Mer De Noms nos encontramos con una serie de nombres propios, en su mayoría femeninos, que junto al místico diseño de la portada nos lleva a pensar en un disco de corte conceptual.

Durante unos años de descanso, se separaron del grupo Paz Lenchantin (yéndose a Zwan) y Troy Van Leeuwen (a Queens of the Stone Age), y entonces se les unieron Jeordie Osborn White, también conocido como Twiggy Ramirez, debido a su posición en la banda Marilyn Manson, y James Iha, guitarrista de la desmembrada banda Smashing Pumpkins.

Con esta nueva alineación, sale el álbum Thirteenth Step, con un sonido considerado más tranquilo, y coincidiendo con las elecciones presidenciales en EEUU, se lanzó el álbum eMOTIVE, la mayoría versiones que hablaban sobre paz, guerra, libertad, etc., y junto a este álbum, se lanzó también el paquete aMOTION, que incluía un DVD con presentaciones en vivo y todos los videos de la banda.

A Perfect Circle - Mer de Noms

Los dos miembros más implicados en el proyecto son el ya citado vocalista de Tool, Maynard James Keenan, quien ha compuesto las melodías vocales para la música de Billy Howerdel, el verdadero artífice del grupo. Howerdel se encarga en el disco de guitarras, bajo, teclados, piano, programming y voces, además de ser el productor. Experiencia no le falta, ya que ha trabajado con músicos de la talla de David Bowie, Guns'n'Roses, Smashing Pumpkins o Tool, y es así como fue conociendo a los demás músicos y maquinando lo que hoy es A Perfect Circle. Con unos músicos tan experimentados no se puede esperar poco de Mer de Noms, y aún así, el disco convence desde la primera vez, y su prestigio va aumentando con las sucesivas audiciones.

Hay de todo: canciones lentas, moderadas y rápidas, llenas de rabia o melancolía, pero siempre muy bien conseguidas. Una línea oscura y atmosférica se mantiene durante todo el disco, se transmiten sentimientos de todo tipo, desde la rabia de Judith hasta la melancolía de Orestes, la deseperación de Magdalena o la gravedad de Thomas. Destaca el gran trabajo de Billy Howerdel a la guitarra (que en ocasiones lleva el peso de la melodía, transmitiendo los mismos o incluso más sentimientos que la voz) y los arreglos de cuerda de paz Lenchantin, que dan al disco un aire barroco.

Tracklist:

1. The Hollow
2. Magdalena
3. Rose
4. Judith
5. Orestes
6. 3 Libras
7. Sleeping Beauty
8. Thomas
9. Renholder
10. Thinking Of You
11. Brena
12. Over


Año: 2000
Duración: 44:25
Procedencia: USA
Productor: Billy Howerdel


Descarga: Mer de Noms


Judith en directo, con Maynard en bata y su taza de café, jajaja…: