Después de 16 meses, 178 discos recomendados de más de 100 grupos diferentes, 13 recopilatorios y algunas críticas de conciertos, he decidido poner punto y final a lo que realmente se ha convertido en uno de mis hobbies en el último año y medio. Al mismo tiempo que estoy escribiendo esta última entrada sé que voy a echar de menos todo lo que suponía recomendar un nuevo disco; el pensar cada semana que discos podría recomendar, buscar el video más adecuado, la foto más chula del grupo, y en general intentar vender de la mejor manera un disco.
Me acuerdo todavía como en Agosto del año pasado, y viendo la cantidad de blogs con descargas que me iba encontrando por la red, yo también quería tener uno propio. Está claro que hay blogs con muchas más descargas y mucho más actualizado que el mío, pero habréis notado que siempre he querido ofrecer un descripción más detallada de cada disco, para quién desconociera un grupo/disco, se pudiera hacer una idea más exacta de lo que se podía estar bajando.
Simplemente espero que a lo largo de este tiempo hayáis descubierto al menos un disco del que después dijerais ‘ha valido la pena bajármelo!’. No sé si los discos han sido muy variados, pero estos son los grupos/discos que más me gustan. Creo que no me he dejado a ninguno de mis grupos favoritos sin recomendar. Además me gustaría recalcar que aproximadamente el 85% de todos los discos recomendados los tengo originales en casa; para que luego no sé diga que no apoyamos el mundo de la música :). Siempre comprare aquellos discos que se lo merecen! Esperemos que haya muchos en el futuro…
Y poco más. Muchas gracias a todos los amigos que siempre me han animado a poner más y más discos en el blog, y en general a todo el mundo. Siempre han sido gratificantes los comentarios positivos. Os dejo con unos tres últimos discos fantásticos, cada uno una obra maestra dentro de su estilo, y que resumen muy bien lo que me gusta de la música.
Cuando empecé con este blog, siempre supe que el último disco que recomendaría sería este. Contiene por una parte la canción que le da nombre al blog, y sobre todo por lo que ha representado para la música en los últimos 10 años. Solo hay que ver cualquier lista de mejores discos de los últimos años o de la historia (da igual), y siempre está allí. Antes de escucharlo por primera vez pensé: “No será para tanto!”… Pero a lo largo de los años, yo he caído rendido ante todas sus canciones. Para mi, el mejor final del blog posible :)
RADIOHEAD
Sintetizar a los Smiths con Queen suena demencial. Por suerte, las influencias idiosincráticas de Radiohead estaban a la altura de su talento, y su tercer álbum llegó todavía más lejos que su espectacular predecesor, The Bends.
El éxito que les acompañaba desde su temprano hit ‘Creep’ no convirtió al líder Thom Yorke en un hombre feliz. La canción más alegre del disco (Airbag) habla de la “emoción maravillosa y positiva que experimentas cuando te acabas de librar por los pelos de un accidente”.
En otros cortes ruge contra “los negocios y las chorradas” (Electioneering), “estar atrapado” (Let Down) y el “monstruo del armario” (Climbing Up The Walls). La más gráfica es Paranoid Android, cuyo engañoso título es del libro Guía del autoestopista galáctico. La letra, inspirada en la jet set enloquecida por las drogas, es una evocación espeluznante del caos “caos más jodido” (si bien Yorke afirmó que describía la caída del Imperio Romano).
La belleza de la música mitiga el horro de las letras. Subterranean Homesick Alien es apropiadamente especial. No Surprises es una delicadeza bordada con el órgano de campanas, y Let Down es lo que cabría esperar de una canción grabada en la sala de baile de Jane Seymour (el mismo estudio, en la hermosa Bath, había dado la luz el Wild Mood Swings de The Cure), mientras Lucky (escrita en un principio para un álbum dirigido a los damnificados de la guerra) y en The Tourist exhiben un toque cercano a Pink Floyd.
Abundan las sorpresas sonoras: el loop de batería inspirada en DJ Shadow de Airbag; la époica Paranoid Android, al estilo de Happiness Is A Warm Gun, y Fitter Happier, que recuerda a Stephen Hawking (un Apple Mac programado por Yorke). OK Computer fue Nº1 en ambas orillas del Átlantico, aunque la banda lo consideraba sobrevalorado. Sigue sonando tan ambicioso y fascinante como en 1997.
Radiohead – OK Computer
Tracklist:
1. Airbag 2. Paranoid Android 3. Subterranean Homesick Alien 4. Exit Music (For A Film) 5. Let Down 6. Karma Police 7. Fitter Happier 8. Electioneering 9. Climbing Up The Walls 10. No Surprises 11. Lucky 12. The Tourist
Quienes conozcan bien a Tool estarán de acuerdo conmigo de que se trata de una banda fuera de lo común. Sinceramente, no conozco otro grupo con la actitud bajo la que siempre se esconde Tool. Y en cuanto a su música, que decir, que en sus muchos años juntos (ya van casi 15 años), no es que hayan sacado muchos discos, pero los que han sacado son casi todos unas obras de arte. Como decía, pocos grupos se toman los intervalos de tiempo en lanzar un nuevo disco. A veces, los rumores y anécdotas que rodean sus discos son de lo más raras. Os recomiendo que os leáis más abajo las curiosidades de su penúltimo disco Lateralus, el disco que más me gusta de ellos, además de escucharlo si no lo conocéis. Pero ojo, lleva tiempo y hay que saber pillarle el truco al disco/grupo!
TOOL
Para Tool no hay limitaciones de ningún tipo en la creación artística. Con cuatro músicos se bastan para dotar a sus composiciones de una riqueza de sonoridades exclusiva y sorprendente, muy marcada por su estilo pero nada agotadora para el oído (poquísimos artistas son capaces de hacer discos de casi ochenta minutos sin repetirse). Rompen las barreras que suponen los esquemas habituales de las formas musicales modernas, eliminando así todo anclaje posible con lo establecido, lo conocido, lo aceptado: la duración de los temas es generalmente alta, aunque siempre abarcan lo que creen necesario, sean dos minutos o más de diez; la estructura no sólo está alejada de estribillos, sino que es asombrosamente compleja, con singulares ritmos de bajo y batería que cambian cada dos por tres sin perder el rumbo que lleva el tema.
Los largos cortes resultan absorbentes, las introducciones que incluyen de vez en cuando sugerentes. El estilo de Tool no es nada estridente, sino muy melódico, lleno líneas musicales muy trabajadas que se entrecruzan o danzan a la par en las que pocas veces recurren a rock y/o metal de los ruidosos.
La ejecución va más allá de la perfección, resultando sobresaliente en todo aspecto: sincronización absoluta, sonido límpido esculpido por manos que no cometen ni un fallo en sus dificilísimas composiciones, ni tan siquiera en directo, donde son famosos por clavar sus temas. Muy de vez en cuando surgen bandas donde cada componente es un auténtico genio en sus instrumentos, y Tool es una de ellas: la batería de Danny Carey, que utiliza un abrumador set de unos veinte elementos, genera unos ritmos imposibles que evolucionan a la par que el corte, mientras el bajo de Justin Chancellor y la guitarra de Adam Jones se alternan en primer o segundo plano (atención a cuando el bajo se encarga de abrir los temas) con toda su gama de sonidos (utilizan innumerables pedales) de acabado perfecto, mientras la voz de Maynard Keenan hila con sus adecuados cambios de registro las generosas y trascendentes letras.
Lateralus se inicia con un corte inmenso, The Grudge, cuyos primeros compases exponen en un instante todo lo que dan de sí los juegos de bajo, batería y guitarra. Es un tema de constantes golpes de guitarra y bajo, e incluso la voz de Maynard explota en un griterío en el tramo final. Un caos orquestado por una instrumentación controlada hasta la última nota. Atención al final, capaz de quitar el aliento.
La introducción Eon Blue Apocalypse da paso a The Patient, de un estilo muchísimo más relajado que la pista anterior. Insistente acompañamiento de guitarra y un bajo en un registro más sutil (como los platillos de la batería) siguen a Maynard, quien destaca por encima de todo incluso en los momentos más estruendosos. A los dos minutos se produce una explosión de sonoridades que poco a poco van acelerando; los ritmos evolucionan hasta que la tormenta de guitarra crece aún más, alcanzando un clímax de gran intensidad.
Mantra, otra introducción extraña y oscura, con un sonido que evoca a criaturas marinas terroríficas, da paso a Schism. Extraordinarios juegos de bajo y batería van construyendo las melodías a las que se unen la voz y guitarra en otro de los grandes instantes del álbum. Ritmos muy marcados, con interrupciones y variaciones impactantes, sonoridades contenidas y otro final antológico.
Parabol, la introducción de Parabola, desarrolla la misma idea musical que Parabola pero de forma sugerente, con sonoridades livianas, casi de estilo minimalista. Enlaza de forma eficaz con el tema que introduce, el cual se presenta como el más fácil del disco para oyentes novatos: una construcción menos compleja que casi nos ofrece una canción al uso, pero sin alejarse del exquisito acabado propio de la banda.
Ticks & Leeches es otra pieza de gran longitud y con constantes evoluciones en sus ritmos: ora fuertes golpes de guitarras y baterías, ora susurrantes samplers y bajos. Maynard exprime al máximo su garganta mientras Carey realiza una interpretación de complejidad superlativa. A simple vista puede parecer un corte de improvisaciones, pero todo está estudiado y medido hasta el último segundo, sino resultaría ruido molesto.
El tema que da nombre al disco, Lateralus, es otra endiablada maravilla: nueve cortísimos minutos de apabullante genialidad, donde cada miembro desarrolla magistralmente su partes de acompañamientos, solos, melodías cruzadas y cambios de ritmos muy bien calculados y expuestos sin fisura alguna.
Disposition vuelve al registro de juguetones samplers, melodías sencillas y compases tranquilos. En Reflection vuelven a deleitarnos con lo mejor de Chancellor en una apertura inconmensurable de bajo, secundado por los samplers y la batería. El corte más largo de este álbum ofrece una atmósfera de sonoridades perturbadoras que se ven acrecentadas con la aparición del vocalista. Atención al solo de guitarra que hay sobre los siete minutos.
Una tormenta de guitarra abre Triad, uno de los momentos más violentos del disco; y finalmente Faaip De Oaid cierar el álbum al borde de los ochenta minutos con una sucesión de sonidos delirantes.
Curiosidades:
- Tres meses antes del lanzamiento oficial del disco, se había anunciado que su título iba a ser Systema Encéphale
- Este disco tiene varias particularidades que lo hacen especial. Por ejemplo, el ritmo de batería de Danny Carey (batería de Tool) forma una sucesión de Fibonacci durante la canción Lateralus del número 13 (como pistas tiene el disco): 1,1,2,3,5,8,13,1,1,2,3,5,8,13,1,1,...
- La voz que se oye en el último tema "Faaip De Oaid" corresponde a la llamada de un oyente del programa de radio americano Art Bell's en donde aseguraba ser un trabajador del Area 51
- Existe la opinión de que el orden de las canciones del disco es distinto a como fue concebido por el grupo. Los dos más sugeridos por los seguidores de Tool son 6,7,5,8,4,9,3,10,2,11,1,12,13 ("The Lateralus Prophecy") y 6,7,5,8,4,9,13,1,12,2,11,3,10 ("The Holy Gift"). Ambos producen historias diferentes para el álbum
- En la canción Lateralus se encuentra una pauta en las sílabas de las estrofas:
black [1] then [1] white are [2] all I see [3] in my infancy [5] red and yellow then came to be [8] reaching out to me [5] lets me see [3] there is [2] so [1] much [1] more and [2] beckons me [3] to look through to these [5] infinite possibilities [8] as below so above and beyond I imagine [13] drawn outside the lines of reason [8] push the envelope [5] watch it bend [3]
Tool - Lateralus
Tracklist:
1. The Grudge 2. Eon Blue Apocalypse 3. The Patient 4. Mantra 5. Schism 6. Parabol 7. Parabola 8. Ticks & Leeches 9. Lateralis 10. Disposition 11. Reflection 12. Triad 13. Faaip De Oiad
Año: 2001 Duración: 78:58 Procedencia: USA Productor: David Bottrill / Tool
Poca presentación necesita el siguiente disco; el extraodinario primer álbum de Pearl Jam, y que junto al indiscutible Nevermind, son seguramente los discos más reconocidos del movimiento grunge de principios de los noventa. Que alguien me diga que canción quitaría de este disco, para mi casi perfecto. Que nadie deje pasar por alto este disco, si es que no lo ha hecho todavía!
PEARL JAM
Un movimiento de guerilla se define como una ‘unidad paramilitar autóctona que opera en pequeños grupos dentro de un territorio ocupado con el fin de acosar a un enemigo e invadirlo finalmente’. En Estados Unidos, el último movimiento similar digno de mención arraigó en el cicruito underground de Seattle de finales de los años 80 y principios de los 90, cuando varios grupos pequeños entre los que se encontraban Nirvana, Soundgarden, Alice In Chains y Pearl Jam emprendieron el ataque para acabar con los falsos dictadores del hair-metal.
Formados a partir de miembros de grupos fundamentales de hard rock como Green River y Mother Love Bone, Pearl Jam prosperaron manteniéndose en gran medida intactos. En su debut, Ten, la banda invocó la enorme majestuosidad melódica y la feroz integridad de maestros como Neil Young y The Doors, a la vez que entonaba el grito de guerra de una época intensamente novedosa y emocionante en la historia del rock and roll.
Los duros acordes de Ten, intensificados por los solos punzantes con ecos de blues de Mike McCready, fueron inmediatamente asimilados por millones de adolescentes con sed de algo nuevo. El primer singles, Alive, resumía las virtudes del disco: un estribillo cantarín, una letra inquietamente reflexiva, y unas partes de guitarra entrelazadas de forma enigmática. Pero tal vez el elemento más importante era la voz de barítono dolorosamente cautivadora de Eddie Vedder, que vinculaba más a Pearl Jam con la tradición del rock clásico que el grito punky de Kurt Cobain.
Canciones como la rugiente Why Go, el tema lleno de reverberación Oceans, y la contundente Porch rezumaban todas juntas un torrente de grunge, mientras que el single de éxito Jeremy hizo que todo adolescente shoegazer se preguntará como sería volarse la cabeza delante de su clase de geometría.
Pearl Jam - Ten
Tracklist:
1. Once 2. Evenflow 3. Alive 4. Why Go 5. Black 6. Jeremy 7. Oceans 8. Porch 9. Garden 10. Deep 11. Release
Año: 1991 Duración: 50:46 Procedencia: USA Productor: Rick Parashar / Pearl Jam
Daba igual que canción coger para el video. He elegido Even Flow, por ser de las que más me gusten de Pearl Jam. Grandes los solos de guitarra de Mike, y el de batería de Matt!!
Placebo es un grupo que conozco bastante bien. Tengo todos sus discos y los habré visto 5 veces en concierto. Con los años, el que más sigo escuchando es precisamente su primer disco; será porque es el más rockero de los 5, o porque tiene temas tan grandes como Bruise Pristine, Come Home o Nancy Boy. Una pena que se olviden casi por completo de estos temas en directo…:(
PLACEBO
[…]Sería en la primavera de ese mismo año, el '96, cuando decidieron grabar todos sus temas en el que sería su primer larga duración y, tras buscar el equipo de producción y los ingenieros en sonido que se ajustaran a sus preferencias, la banda se traslada a Dublín y se encierra en los Westland Studios a grabar su álbum debut. La producción estaría a cargo de Brad Wood, uno de los miembros fundadores de la banda de post rock americana Tortoise, el cual ya había trabajado con otros artistas como Liz Phair, Veruca Salt o Jesus Lizard. Es por eso que el disco se escucha a posteriori repleto de matices procedentes de sintetizadores analógicos, incluso de instrumentos de juguete (los cuales dan una sensación de cierta ternura e inocencia) y de pequeños elementos que hacen que no sea un disco de pop punk plano al uso sino en algo más intenso y profundo. El álbum homónimo contenía diez temas oficiales y un bonus track instrumental titulado HK Farewell. Entre ellos nuevas versiones de Bruise Pristine y Come Home junto a temas ya recogidos en la primera maqueta, como Hang On to You IQ, en el cual Hewitt había puesto las bases rítmicas.
Los singles que adelantaron al LP generaron suficientes expectativas, al igual que las giras realizadas por todo el país y en el extranjero. Y además recibieron algunas distinciones como el premio al grupo revelación del año (anterior) por diversos medios.
El disco no se publicó hasta julio. En poco tiempo, con la buena acogida del público y de los medios (los más puristas de éstos engatusados con la coartada de la intervención en el disco de brad Wood), y con la ayuda que supuso el telonear a Bowie en su gira europea Outside' Tour, el álbum alcanzó el disco de oro en Inglaterra y la banda se puso de nuevo en la carretera para realizar giras y actuar por todo el Reino Unido. También emprendería posteriormente algunas giras internacionales por América, Alemania y Francia. Fue en ese preciso instante cuando Steve Hewitt se reincorporó, esta vez para quedarse definitivamente, en el seno de la banda sustituyendo a Schultzberg en la batería.
Desde ese momento, la historia del grupo ya es más o menos conocida, faltaría espacio para todo lo que se podría contar acerca de la inmensa cantidad de experiencias por las que han pasado. A partir del primer disco y hasta la fecha, se han convertido en un fenómeno de éxito ascendente, y con justa razón, ya que han traído frescura, espontaneidad y sinceridad con su música. La fuerza y suavidad de cada una de sus canciones han creado un estilo y marca propias, que difícilmente se podrían comparar otros grupos. En realidad son una mezcla única de varios estilos que, junto con la voz inconfundible de Brian Molko, el estilo de bajo de Stefan y la contundencia de la batería de Steve, se han fusionado para dar paso a una droga musical de la que difícilmente se pueda dejar de depender, una droga llamada PLACEBO.
Placebo - Placebo
Tracklist:
1. Come Home 2. Teenage Angst 3. Bionic 4. 36 Degrees 5. Hang On To Your IQ 6. Nancy Boy 7. I Know 8. Bruise Pristine 9. Lady Of The Flowers 10. Swallow
Minus The Bear ya habían publicado un álbum magnifico hace 2 años. Pues bien, yo tendría que añadirle otro, porque el disco que han lanzado en este 2007 no se queda atrás. No han perdido ese sonido que en mi opinión les ha hecho inconfundibles en los últimos años. Uno de los grupos que sin duda me gustaría ver cómo se las gastan en directo.
MINUS THE BEAR
Planet of Ice abre con un casi familiar aura de sonido pero rápidamente cambia a guitarras galopantes y bajos melódicos en Burying Luck. Tristemente, el interés musical que este tema atrae choca contra una pared con el aburridamente repetitivo coro de Jake Snider. Su voz podrá sonar mucho mejor y más cálida en este disco, pero es difícil ir más allá de las flojas letras con un contenido prácticamente transparente desde la carátula del disco, especialmente cuando la producción samaquea sus vocales constantemente. Una interesante, pero estándar, línea de synth intenta entrar y rescatar el tema, pero este nunca logra poseer la inmediatez con la que comienza. El primer single Knights tiene algunos de los mejores ganchos del álbum empaquetados en un adictivo mid-tempo. Con la agresión y el bajo con un poco menos de volumen, el nuevo miembro de la banda, Alex Rose, puede por fin mostrar su talento, poniéndole taps electrónicos a lugares clave y aligerando la canción en algo casi bailable sin dejar que un fraseo complicado se meta en su camino. Salta y golpea hacia tus orejas y quizás llegue hasta tus inconcientes pies.
Lotus, el track de cierre de casi nueve minutos, se abre de la manera en la que su título lo haría en la vida real, convirtiéndola en una de las más dulces y gentiles canciones en el álbum, a pesar de no poseer mucho de orgánico. Tiene una alta cantidad de efectos electrónicos, aunque su manera tranquila (en vez de el otro vicio de Minus the Bear: forzados riffs guitarreros) se mantiene fiel al concepto. Otro concepto de Planet of Ice, curiosamente, son las corporaciones, con bips que podrían ser modems y líneas sobre hombres de negocio; Snider canta, “Que hacer sobre mañana? Por favor sólo deja que venga” y pone al disco en perspectiva completa. Un disco que, si bien es cierto no es una obra maestra, se encuentra en un punto medio de la aceptabilidad y su sentido de durabilidad es ciertamente mucho más largo que otros comparables ejemplos.
Como su primer disco desde la salida de Matt Bayles en el 2006, Planet of Ice sigue la vieja receta que hizo a Menos el Oso un hit. Pulcra técnica de guitarra, cambio de ritmo progresivo y sazón electrónica abundan. Casi una superbanda con ex-miembros de Kill Sabie, Botch y Sharks Keep Moving, el Minus the Bear actual intenta eludir la etiqueta y las deficiencias de otras bandas conformadas por consagrados, combinando muchas ideas y canciones de cuatro minutos en algo cohesivo. Planet of Ice se zafa un poco de toques psicodélicos y muestra una banda mucho más relajada y con pocas tensiones. Es el mismo Minus the Bear, sólo que mejor y más concreto. Es Minus the Bear +.
Minus the Bear – Planet Of Ice
Tracklist:
1. Burying Luck 2. Ice Monster 3. Knights 4. White Mystery 5. Dr. L'Ling 6. Part 2 7. Throwin' Shapes 8. When We Escape 9. Double Vision Quest 10. Lotus
Año: 2007 Duración: 48:34 Procedencia: Inglaterra Productor: Matt Bayles / Chris Common / Minus The Bear
Pocos grupos tan inclasificables hay en estos momentos como los escoceses Mogwai. El disco que recomiendo de ellos es precisamente el último que publicaron, algo más accesible que los otros dos que conozco (Rock Action y el Happy Songs…).
MOGWAI
Mogwai nos entrega su sexto larga duración (octavo si contamos el cd de remezclas "Kicking a Dead Pig" y "Government Commissions" de directos) y continuan la andadura iniciada en "Rock Action" donde decidieron no seguir por el camino fácil de la repetición de ideas ya mostradas, tras haber alcanzado por méritos propios el estatus de "padres del postrock", tomando buena nota y practicando una interesante relectura de grupos contemporáneos como My Bloody Valentine o Spacemen 3, que ponían todo su empeño en demostrar la belleza del ruidismo. No se les puede atribuir el mérito de inventar nada, pero sus maneras en la música les ha hecho trascender a un elevado número de audiencia.
En este contexto, y sin haber logrado un cambio notable y efectivo en su fórmula (el encumbrador "Rock Action" se quedó a medio camino, pese a ser un paso firme y un gran disco en toda regla, y "Happy songs for happy people", lejos de ser un tropiezo, sabía a poco) nos entregan este "Mr Beast", donde se notan de nuevo ecos de sus primeros discos pero dotando de mayor coherencia al conjunto de canciones que conforman el cd.
El disco se abre con una pausada pieza titulada Auto Rock donde las guitarras acaban ganando el protagonismo a un piano preciosista, dando paso a Glasgow Mega-Snake, un trallazo de esos que siempre les han hecho destacar, sobre todo en los directos. Su tercer corte, que lleva por nombre Acid Food me descoloca totalmente, inicialmente recuerda a los calmados Yo la Tengo del álbum "And then nothing..." y acaba con una steel-guitar un tanto country que te hace pensar en qué demonios sucedería si los franceses Air se dedicasen a versionar a Bertín Osborne y su grupo de rancheras.
Por suerte, a mi parecer ese es el único desliz del tracklist de este "Mr Beast", en el que nuevo las voces juegan un papel cada vez más importante, como sucede en la redonda (aunque con un poco de deja-vú) Travel is Dangerous. Aunque si algo ha cobrado importancia, tanto como para adquirir aquí el papel principal, ese ha sido el omnipresente piano, como en Team Handed o en Emergency Trap (concepto ruido/belleza) y también en Friend of the Night, donde si se les fuera un poco más de las manos y abandonasen el mesianismo, podrían acabar robándoles el público a Coldplay (para bien y para mal). Ya para el final, Folk Death 95 vuelve a poner las guitarras en primer plano, siendo esta una canción que bien podría caber en el minutaje de "Rock Action" (por la poca sorpresa que conlleva), y esto les lleva a concluir con una de cal (la silenciosa I Chose Horses) y una de arena (We're No Here ¿poststonerrock?). En todo caso, el mejor fin de disco que se les recuerda desde "Young Team".
Tras repetidas e intensas escuchas, creo acertar al afirmar que este CD no va a decepcionar a quienes no han perdido en ningún momento interés en la banda, y resultará más gratificante que "Happy Songs for happy people" para aquellos que no le supieron ver el encanto, pero tampoco es un disco que sorprenda excesivamente (teniendo en cuenta toda la trayectoria anterior de los escoceses) pero sí que pone las cosas en su sitio, ya que es innegable que estamos ante un discazo, completo y con más registros que nunca, que ya es hora de dejar de catalogar todo lo instrumental guitarrero como "postrock".
Mogwai – Mr. Beast
Tracklist:
1. Auto Rock 2. Glasgow Mega-Snake 3. Acid Food 4. Travel Is Dangerous 5. Team Handed 6. Friend Of The Night 7. Emergency Trap 8. Folk Death 95 9. I Chose Horses 10. We're No Here
Vaya gran mes de conciertos me espera en Noviembre, y es que ya tengo mono de conciertos. Practicamente desde los festivales de verano, que no piso una sala de conciertos. Y la verdad, no me puedo quejar del cartel.
Veamos, primero podré gozar por tercera vez de Interpol el próximo jueves día 8, con Blonde Redhead como teloneros. Ya los ví este año en el festival Hurricane, pero me apetece mucho volver a verles en una sala, con ellos de protagonistas.
Solo un día más tarde, y en la misma sala La Riviera, les tocará el turno a Wilco. En este caso también será la segunda vez que les vea, asi que veremos si cambian o no un poco el repertorio, que tienen uno muy extenso. Eso si, que no dejen de tocar Impossible Germany!
A los que si veré por primera vez serán a Spoon y Explosions in the Sky, que tocan juntos en uno de los días del festival Wintercase. Poco tienen que ver los unos con los otros, pero será divertido ver la combinación. Esperemos que dejen un buen sabor de boca los dos.
Y ya para culminar este mes, que mejor forma que con el ‘Jefe’; Bruce Springsteen y su E Street Band. Pocas veces salí tan convencido como la última vez que vinieron a Madrid, en la Peineta, en donde se entregaron durante más de 3 horas. Dudo que esta vez lleguen a tantos minutos de concierto, pero aunque solo sean 2 horas valdrá la pena. Su último disco, Magic, no es nada malo, y tiene 3-4 canciones de muy alto nivel.
Y a todo esto hay que sumarle una semana de vacaciones, que me cogeré para viajar a Nueva York con los amigos. Yeeaahhh!!
¿Qué más se puede pedir?
Pues conciertos el año que viene de los cuales ya tengo 3 fijos:
- Los Babyshambles (bueno, la verdad es más el interés por ver como se las gasta el amigo Pete), el 10 de Enero.
- Los increíbles Queens of The Stone Age, acaban de anunciar su gira por Madrid y Barcelona, los días 15 y 16 de Febrero respectivamente!
- Y para el concierto que ya tengo entrada es para las 3 horas del concierto de The Cure (por fin!), el 10 de Marzo.
Hace unos días me regalaron por mi cumpleaños, además del último DVD de Pearl Jam, el primer disco en solitario de Eddie Vedder (vaya pack de regalos :) ). En líneas generales se trata de un disco muy calmado, que ha servido para poner música a la próxima película de Sean Penn. Está claro que hay que ver la película para comprobar cómo encajan estas canciones dentro de ella. Aún así, me alegro un montón de que por fin se haya decidido a publicar un álbum en solitario. Gustará a los ‘fans’ de Pearl Jam, y espero que también a más gente.
EDDIE VEDDER
El 18 de septiembre se publica el primer disco grabado por Eddie Vedder en solitario. El emblemático cantante de Pearl Jam es el autor de la banda sonora de la película Into the Wild, dirigida por Sean Penn, para la que ha grabado 11 canciones (Setting Forth, No Ceiling, Far Behind, Rise, Long Nights, Toulumne, Hard Sun, Society, The Wolf, End Of The Road y Guaranteed) bajo la produción de Adam Kasper y el propio Vedder. Todos los temas están compuestos por Eddie Vedder excepto dos oscuras versiones: Hard Sun (compuesta por Gordon Peterson e incluída por la banda Indio en su álbum Big Harvest) y Society (compuesta por el cantautor Jerry Hannan).
El filme Into the Wild (que con casi total seguridad se estrenará en España el próximo 30 de noviembre con el título de Hacia rutas salvajes) trata del joven e idealista Christopher McCandless (interpretado por Emile Hirsch) que lo abandona todo para viajar hacia las regiones más duras de Alaska. Dirigido por Sean Penn (que ha encargado personalmente su banda sonora a Eddie Vedder) y basado en la novela de Jon Krakauer, esta increíble e intensa historia real ha tocado la sensibilidad de millones de personas en todo el mundo, convirtiendo el libro en un best seller. La historia de Into the Wild requería una banda sonora de igual intensidad. Las canciones de Eddie Vedder, incluídas en el disco e inspiradas por la película, recorren toda la banda sonora. Es un álbum que no sólo atraerá a los seguidores del hardcore de Pearl Jam, sino que emocionará a los amantes de los sonidos acústicos y de las canciones de autor. En Into the Wind, Eddie Vedder ha volcado toda su emotividad, desde inquietantes baladas al rock más afilado, capturando a través de la música y la letra la fuerza de esta comprometedora historia real.
Eddie Vedder (1964. Illinois, Estados Unidos) es el cantante de Pearl Jam, banda formada en Seattle en 1990, emblema del grunge y que ha publicado ocho álbumes de estudio desde que lanzó su primer disco en 1991. Además de su voz, Vedder ha aportado a la banda su faceta de multiintrumentista, tocando en algunas canciones guitarra, batería, ukelele, armónica, acordeón y sitar. También ha colaborado con artistas como Bruce Springsteen, U2, Soundgarden, Neil Young, Tom Petty, Beck, R.E.M, Red Hot Chili Peppers y Rolling Stones, entre muchos otros. Ahora publica su primer trabajo grabado totalmente en solitario. El 18 de septiembre se lanza Into the Wild.
Eddie Vedder – Into The Wild
Tracklist:
1. Setting Forth 2. No Ceiling 3. Far Behind 4. Rise 5. Long Nights 6. Tuolumne 7. Hard Sun 8. The Wolf 9. End of the Road 10. Society 11. Guaranteed
Año: 2007 Duración: 33:04 Procedencia: USA Productor: Adam Kasper / Eddie Vedder
Este blog no podía dejar de tener alguna referencia a unos de los grupos más importantes en la historia del metal. Si, el grupo del conocido por todos Ozzy Osbourne (durante los años más importantes de la formación), y el genial guitarrista Tony Iommi, que con su segundo disco Paranoid consiguieron publicar un autentico bombazo. Yo no conozco toda su discografía, pero precisamente este disco es de los que uno tiene que escuchar al menos una vez.
BLACK SABBATH
Cimentados en el blues-rock e influenciados por grupos como Cream, Jimi Hendrix Experience o Blue Cheer, la banda británica Black Sabbath es uno de los nombres fundamentales en la configuración del heavy metal, con su aceración sónica, iteración en sus esencias rítmicas y basamento temático en universos tétricos y místico-satánicos.
Surgidos en 1967 en la ciudad inglesa de Birmingham, John Michael "Ozzy" Osbourne, el guitarrista Tony Iommi, el bajista y letrista Terry "Geezer" Butler y el batería Bill Ward comenzaron su andadura musical bajo el nombre inicial de Polka Tulk, rebautizándose poco tiempo después como Earth, apelativo con el que patearon un buen número de locales en su país y en el continente, interpretando sus primeras muestras ubicadas en patrones clásicos del blues-rock.
En 1969, para evitar problemas legales con otra formación del mismo nombre y por indicación de su representante Jim Simpson, Earth se convirtió en Black Sabbath, un nombre que ejemplificaba a la perfección su acercamiento a materias imbuidas de magia, fantasía y ocultismo. La génesis de este nuevo apelativo tiene diversos orígenes según varias fuentes, derivado de un título dado en Inglaterra a la película de terror de Mario Bava "Las tres caras del miedo" (1963) o emanado de la canción homónima escrita por Geezer Butler.
Firmaron con Fontana y grabaron el sencillo Evil Woman/Wicked World, que pasaría desapercibido para el gran público, todo lo contrario que su LP debut, producido por Rodger Bain. Black Sabbath (1970) mostraba desde su lúgubre portada el soporte temático de su pétrea y atmosférica sonoridad, que nos regalaba piezas maestras como The Wizard, N.I.B. o el título homónimo. El disco tuvo una excelente acogida comercial a pesar de las malas críticas recibidas, llegando al puesto número 8 en listas británicas.
Paranoid (1971), su segundo álbum, alcanzaría directamente el número 1, gracias a soberbios temas como Iron Man, War Pigs o el propio Paranoid. Se trata de uno de sus mejores discos de la banda y un LP clave en el desarrollo del heavy metal, al igual que Master of reality (1971), ambos caracterizados por los fornidos riffs de Iommi, la aviesa vocalidad de Ozzy y la vinculación oscurantista de Butler en sus trabajos líricos con los textos de Dennis Wheatley.
Master of reality, LP de mayor diversidad sonora que contenía canciones como Sweet Leaf, Children of the Grave o Into the void, no logró subir a lo más alto de las listas comerciales como su predecesor, pero proseguiría cosechando excelentes ventas, alcanzando el puesto número 4. En Vol. 4 (1972) intentaron ensanchar su sonoridad, inclinándose hacia unas tendencias cercanas al rock-progresivo, incluyendo temas importantes de la banda como Changes, Supernaut, Wheels of confution o Snow Blind.
Con Sabbath Bloddy Sabbath (1973) el grupo, ahora representado por Patrick Meeham y en pleitos legales con Simpson, consiguió otro éxito gracias a la canción que da título al disco . Los litigios con su primer manager provocaron una ausencia temporal de los estudios de grabación de dos años, regresando con la representación de Don Arden y el disco Sabotage (1975), álbum que mostró a Black Sabbath procurando propagar su oferta heavy con retazos progresivos, construyendo uno de sus trabajos más recordados, a pesar de la controversia que provocó entre sus seguidores. La publicación de un recopilatorio y los LPs Technical Ecstasy (1977) y Never say die (1978), discos menos satisfactorios que sus primeras obras, incitaron la marcha de su carismático cantante Ozzy Osbourne, quien emprendería una irregular carrera en solitario que incluía la representación de su esposa Sharon.
La formación de Black Sabbath se vio inmersa a partir de ese momento en un continuo ir y venir de miembros. Los primeros en marcharse fueron los últimos en llegar, Dio y Apice dejarían su sitio a Ian Gillan y a Bill Ward, que retornó para grabar Born Again (1983), un flojo trabajo que provocó de nuevo la salida de varios de sus componentes, permaneciendo únicamente como miembro original el guitarrista Tony Iommi.
Gente como Glenn Hughes, Tony Martin, Bev Bevan, Eric Singer, Dave Spitz, Geoff Nichols, Cozy Powell, Terry Chimes o Bobby Rondinelli ingresaron en la formación a lo largo de la década de los 80 y 90, dejando en el currículum de Black Sabbath irregulares discos en los que se banalizaba su sonido metalero, destacando discos como The eternal idol (1987) o Headless Cross (1989). Reuniones recientes y giras mundiales son puntos de encuentro para la enorme cantidad de seguidores y admiradores de este grupo histórico, esencial y legendario.
Black Sabbath – Paranoid
Ni tan siquiera un año necesitó el singular cuarteto de Birmingham para volver a la carga, esta vez con el disco más popular de su historia particular e indiscutiblemente uno de los más influyentes hasta la fecha. Originalmente bautizado como War Pigs, Black Sabbath recibió el primer golpe importante de la censura norteamericana, le seguirían muchos más, al ser presionada Warner por el ejército estadounidense para mudar un título de peligroso impacto en su sensibilizada opinión pública convulsa por la guerra de Vietnam. Así la discográfica, casa de Bugs Bunny, dictaminó que la portada había de rotularse con otro nombre más inofensivo, escogiéndose Paranoid, y afectar in extremis el trabajo gráfico preparado para la salida comercial distorsionando el ya famoso guerrero galáctico sobrepuesto a la bestia inmunda original.
Tanto apresuramiento contrasta con la enorme solidez del segundo disco de Sabbath, mucho más rudo que su obra iniciática y con un decisivo paso desde el blues rock agresivo a una experiencia demoledora y demoniaca. Aquel blues se hacía más lento, pesado y amplificado en cada himno invocado por los tullidos dedos de Tony Iommi. Pero existía una excepción a esa congelación pétrea más allá del frágil interludio de Planet Caravan. Paranoid, según el mismo Iommi, fue ideada en 5 minutos pero la perdurabilidad de ese riff a todo gas no tiene límites, llegando a ser el tema más conocido de Black Sabbath por el común de los mortales. Junto a él, y sin nada que envidiar, un grueso racimo de maldad espeluznante: War pigs, Iron Man, Electric Funeral o Hand of Doom conforman una de las experiencias más ofensivas que ha dado el rock en su medio siglo de vida.
Tracklist:
1. War Pigs 2. Paranoid 3. Planet Caravan 4. Iron Man 5. Electric Funeral 6. Hand Of Doom 7. Rad Salad 8. Fairies Wear Boots
Hacía tiempo que no me ponía a escuchar este disco, y la verdad, se me había olvidado lo bueno que era. Una pena que desde que lo publicaran poco más se ha vuelto a saber de ellos (aunque creo que tienen listo su segundo disco, a falta de encontrar una discográfica que lo publique).
SERAFIN
El mundo que nos propone este cuarteto británico está auspiciado por una densa oscuridad rodeada de extrañas formas corpóreas donde la luz parece un bien demasiado deseado para ser real. Las guitarras y la fuerza de las composiciones son el principal motor de la formación, mezclan pop/rock y hard rock para expresar sus emociones consiguiendo un sonido propio aunque cercano al de bandas como Nirvana, Muse (incluso comparten con éstos sello discográfico) o Feeder antes del fallecimiento de Jon Lee y posterior relajación musical. La estructura es clara y sencilla, canciones de poco minutaje, agresivas pero adornadas con gran sensibilidad, y entre corte y corte algunas muestras más templadas. El resultado, un brillante debut.
No Push Collide está formado por doce temas de gran calidad, es un álbum del que es difícil destacar grandes canciones porque en su mayoría todas lo son y no se limitan a un par de hits estratégicamente colocados como muchos pueden imaginar en un grupo que lanza su primer trabajo. Quizá no sea del todo original ni siente las bases de un género demasiado concurrido pero sus cuarenta y tres minutos de duracción son suficientes para no perderles la pista. Por si fuera poco es uno de esos compactos muy accesibles y directos con claridad de ideas.
La primera toma la tenemos con Stephen In The Sky, empieza con unas guitarras que a partir del primer minuto se convertirán en la principal baza del disco. El tema es casi como una introducción de apenas tres minutos pero consigue despertar el interés al oyente, eso si, el inicio es curiosamente parecido al de Dead Star de los ya mencionados Muse. Day By Day tiene interesantes cambios de ritmo y probablemente sea la mejor creación de Serafin a lo largo del disco por garra, consistencia y emotividad. Things Fall Apart y No Happy comparten un tremendo medio tiempo que explota en el estribillo, especialmente en ésta última, otra de las destacadas, tan sucia y poco elegante que enamora en la primera escucha. Pasamos a la gamberra Lethargy y la intensa Ordinarly Me (grandioso estribillo) para llegar a una corta balada que nos habla de los melocotones de España, Peaches From Spain. Entre medias más demostraciones afortunadas como Green Disaster Twice para llegar a la maravillosa Who Could I Be? con la que se cierra No Push Collide.
El conjunto formado por la impresionante y desgarradora voz de Ben Fox Smith y las atronadoras guitarras y batería del resto de componentes de Serafin (a saber, Darryn Harkness, Ben Ellis y Christian Smith) afirma la enorme complejidad del proyecto a través de un debut demoledor y carismático. Nos comentan que están trabajando en su segundo larga duración y que el nombre podría ser To The Teeth aunque de momento no tiene fecha de lanzamiento definitiva. Para aliviar la espera nada mejor que perderse por el oscuro horizonte de su primer trabajo. No os defraudará.
Serafin – No Push Collide
Tracklist:
1. Stephen's In The Sky 2. Day By Day 3. Things Fall Apart 4. No Happy 5. Numerical 6. Lethargy 7. Ordinary Me 8. Build High, Tear Low 9. Sage Waits 10. Green Disaster Twice 11. Peaches From Spain 12. Who Could I Be?
Año: 2003 Duración: 42:41 Procedencia: Inglaterra Productor: D Sardy
Viendo las listas de los mejores discos ‘indies’ del año pasado muchas veces me he encontrado con un disco titulado The Trials of Van Occupanther, de una joven banda de Texas. Lo curioso es que, no sé porque, lo tenía bajado desde el año pasado, pero hasta hace relativamente poco tiempo no me había puesto a escucharlo. Mi veredicto: excelente disco. Pruébenlo!
MIDLAKE
Desde Denton (Texas) llegan Tim Smith (voz), Eric Nichelson (guitarra), Eric Pulido (guitarra), Paul Alexander (bajo), y McKenzie Smith (batería), o, lo que es lo mismo, Midlake. Jóvenes, románticos y unos apasionados de la música, Midlake combinan a la perfección la electrónica más excéntrica con los sonidos más orgánicos, terrenales y tradicionales. Sus influencias van desde Doves hasta Clinic y ya se les compara con grandes como Grandaddy o The Flaming Lips (junto a los que han tocado en la pasada edición del macro festival de la industria South by Southwest y en el Noise Pop en San Francisco y que acompañarán en su gira por Europa). Pero los chicos de Midlake han sabido crear su propio universo. Un mundo entre naïf y alucinado que los une con toda la tradición más imaginativa (¿psicodélica?) de la música pop.
En 2004 debutaban con Bamnan And Silvercork en el sello Bella Union. Un disco con el que consiguieron una amplia base de fans entre los que se encuentra el actor Jason Lee, quien se ha convertido en uno de sus mejores abanderados llegando incluso a dirigir el vídeo del tema Balloon Maker. En junio de este 2006 salió a la venta su segundo álbum, The Trials Of Van Occupanther, un trabajo con el que, según sus propias palabras, está más influenciado por el folk rock de los setenta con una menor presencia de los recursos electrónicos.
Midlake - The Trials of Van Occupanther
Bajo el nombre de The Trials Of Van Occupanther el grupo se inspira en la estación de oro del pop , hablamos de la década de los 70's y las mezclas de influencias que contienen aromas Fleetwood Mac y Bread y Jony Mitchell que junto a la voz de Tim Smith , en cada escucha, el disco se vuelve exquisito. A diferencia de su debut, este nuevo LP se maneja con menos experimentación en que pianos y guitarras acústicas hacen de padrones.
Compuesto por 11 temas y una duración de 45 minutos, The Trials Of Van Occupanther se mueve en una calma sorprendente en que se destacan canciones como Young Bride, Bandits, la melódica We Gathered In Spring y la canción que abre el álbum Roscoe. en síntesis es un viaje al pasado, lleno de arreglos y de detalles que vas descubriendo poco a poco; no es por nada que hoy llevo 6 escuchas del disco y cada vez descubro algo que me llama más la atención y me lleva a elogiar este trabajo positivamente.
Tracklist:
1. Roscoe 2. Bandits 3. Head Home 4. Van Occupanther 5. Young Bride 6. Branches 7. In This Camp 8. We Gathered In Spring 9. It Covers the Hillside 10. Chasing After Deer 11. You Never Arrived
Año: 2006 Duración: 44:51 Procedencia: USA Productor: Tim Smith / Midlake
Hace poco leí la noticia de la separación de los ingleses Yourcodenameis:Milo, grupo que creo que nunca consiguió el reconocimiento que se merecían. Y eso que este año todavía les dio por sacar un gran disco, muy a la altura del primero que editaron (sin contar el EP), y que hoy os recomiendo.
YOURCODENAMEIS:MILO
La promoción manda y por ello nos vemos completamente inundados de nuevas bandas, que nos vienen mayoritariamente desde las islas, y que se nos venden como la nueva revolución, la nueva gran banda. Sin menospreciar a ninguna de esas bandas, aunque algunas sean de risa, las mejores se quedan siempre por el camino. Un claro ejemplo de ello son Yourcodenameis:Milo o lo que es lo mismo, cinco músicos de Newcastle dispuestos a demostrar que en esto del rock no hay límites. Melodías, distorsión y calidad a partes iguales.
Después de un enérgico EP titulado All Roads To Fault (grabado con Albini en Chicago), vuelven a la carga con su primer disco grande, Ignoto un magnífico trabajo de rock en mayúsculas, a veces desgarrado, a veces tremendamente delicado y en ocasiones desbocado como solo los grandes grupos saben hacerlo. Aunque dejen ver influencias de las mejores bandas de los últimos años, poner matices de Radiohead, Muse o At the drive-in en su receta para facturar un resultado final absolutamente original, no es algo que esté al alcance cualquiera.
Es cierto que el sonido del disco resulta, en ocasiones, excesivamente saturado (la producción corre a cargo del mítico Flood y de la propia banda) pero eso también lo hace especial y diferente, lo que falta en términos de perfección sonora sobra en tensión y emoción. “Ignoto” arranca con la energía de I Am Connecting Flight y 17, uno de los mejores temas del disco que desborda potencia desde la primera nota. Titan Grip, Rapt. dept y Schteeve, en la misma línea son, aún si cabe, más intensas y desgarradoras. La calma momentánea llega en temas como Team Radar, Five Tour o Empty Feat que alternan potencia y delicadeza a la perfección. 2-Stone, The General y la oscura Audition rematan el trabajo dejándonos con ganas de más.
En lugar de esperar al próximo trabajo de cualquiera de esos grupitos que salen al escenario uniformados y repeinados a demostrar que dominan el arte de la pose a la perfección, arriesga un poco y busca cualquiera de los dos trabajos de Yourcodenameis:Milo. Valdrá la pena.
Yourcodenameis:Milo – Ignoto
Tracklist:
1. I Am Connecting Flight 2. 17 3. Titan Grip 4. Rapt. Dept. 5. Schteeve 6. Team Radar 7. Fivefour 8. Yesterday's Head 9. Empty Feat 10. 2-Stone 11. The General 12. Audition / Unfinished Drawings of Cats & Dogs
Dentro de un mes tendremos de gira por España a uno de los grandes de la escena del hardcore melódico; los míticos y divertidos Nofx. Yo no podre ir, porque estaré de viaje, y además ya los he visto tres veces en anteriores ocasiones, pero para quien tenga interés, os dejo una pequeña biografía y uno de mis discos favoritos de ellos.
NOFX
Todo empezó cuando Fat Mike quiso fundar un grupo punk que tuviese buenas letras y buenas canciones, que grabase discos y saliese a tocar, para esto buscó a su amigo Erik. Grabaron Liberal Animation en 1988 con Brett de Bad Religion, y fue relanzado en 1991 en la firma de Brett, Epitaph Records. NOFX firmó con Epitaph en 1989, sacando a la luz el LP S&M Airlines. En el mismo año nació, de la mano de Fat Mike, el sello Fat Wreck Chords, que pronunciado correctamente suena como "Fat Records". Sobre 1991 hubo muchos cambios en la banda aunque los tres miembros originales se reunieron con El Hefe. El último álbum publicado con Steve Kidwiller como guitarrista fue Ribbed. En 1992, antes de la grabación de The Longest Line El Hefe se unió como guitarrista y trompetista en el lugar de Izzy; después de esto lanzaron White Trash, Two Heebs And A Bean.
En 1994 sacaron Punk in Drublic, su disco más exitoso hasta el momento. El álbum fue disco de oro en los Estados Unidos y fue cuando el punk se repopularizó, gracias a Dookie de Green Day y a Smash de The Offspring, entre otros. NOFX nunca encajó con la popularidad de otras bandas de punk, y aunque se hicieron famosos en los 90 y mantienen sus primeros fans, consideran a las otras bandas "unos vendidos". Desde 1994 no han aceptado entrevistas y han grabado muy pocos videos. Fat Mike sólo contestó a una entrevista para Guitar World en 2003 dando su opinión sobre las nuevas bandas de pop punk populares en ese tiempo.
En 1996 salió Heavy Petting Zoo. Acerca de este álbum, Eric Melvin respondió, en el portal Q&A (Questions & Answers) de nofxofficialwebsite.com (o NOFX.org) "Pensaba que este disco era el disco mas cool de todos, pero después me di cuenta de que no era tan cierto." "Creo que se vendió bien en Bélgica" Esto al parecer porque el sonido del Disco Heavy Petting Zoo era bastante "raro y psicodélico" lo cual se aleja del sonido original de NOFX. Al año siguiente se lanzo So Long And Thanks for All The Shoes, un disco que tiene un contenido mas hardcore que los anteriores.
En el año 2003, después de varios años de ausencia, NOFX sacó un CD titulado The War on Errorism (La Guerra al Errorismo), un álbum de canciones comprometidas políticamente con un sonido mas hardcore, que fue el comienzo de su particular campaña anti-Bush, para concienciar a la juventud americana. Desde el lanzamiento de ese CD, Fat Mike creó la web Punkvoter.com, sacó dos recopilatorios llamados Rock Against Bush en Fat Wreck, y una gira llamada Rock Against Bush por todo Estados Unidos, junto con bandas como Green Day, MxPx, Good Charlotte y Yellowcard, entre otras. Su aparición en la escena política ha dejado huella, aunque no tuvo los éxitos esperados tras la mayoría absoluta de los republicanos en las elecciones presidenciales de 2004.
Tras el lanzamiento de un EP llamado Never Trust a Hippy, NOFX sacó en abril de 2006 el LP llamado Wolves in Wolves' Clothing. Aunque es muy difícil llegar a algún sitio en el mundillo de la música sin la ayuda de una compañía importante, NOFX sabiamente elige alejarse de la MTV, radios comerciales y discográficas importantes. El hecho de estar totalmente en contra de los ideales de la cadena televisiva MTV ha hecho aumentar considerablemente la popularidad de NOFX. Para muchos grupos, tener un vídeo difundido a través de la MTV significa éxito. En el caso de NOFX, el éxito no juega ningún papel. Ellos piensan que la MTV vende grupos y no su música, y ellos no quieren ser comprados y vendidos. La única forma de publicidad que ha tenido NOFX a lo largo de 15 años es la planificación de conciertos, grabación de CD's, artículos de ropa, pegatinas, posters, etc... NOFX ha demostrado que te puedes hacer grande pensando en pequeño.
NOFX - So long… And Thanks For All The Shoes
Probablemente, este disco de NOFX, cuya portada reproduce una especie de bandera con tres franjas (marrón, amarilla y rosa), presente al grupo más centrado, como señala la hoja promocional de su compañía, pero el espíritu sigue siendo el mismo: punk-rock acelerado y melódico, ramalazos de hardcore, guiños ska y, por encima de todo, letras de humor corrosivo que suponen una patada en la espinilla al imperio de lo "políticamente correcto".
Un claro ejemplo es el tema Murder the Government y su primera frase: "Quiero ver la Constitución arder…". Todos estos ingredientes son los que provocaron hace aproximadamente tres años que su disco "Punk in drublic" pegara el bombazo a nivel mundial, saliendo de los circuitos estrictamente punk y convirtiendo al grupo en un fenómeno casi mayoritario, equiparable al de sus compañeros en Epitaph Offspring. En España, la prueba de ello ha sido la proliferación de camisetas de la banda durante estos años.
No obstante, el grupo comandado por Fat Mike, ajeno a esta repercusión, no ha cambiado para nada su actitud. Su política continúa siendo "nada de radio, nada de vídeos y, sobre todo, nada de entrevistas". Tras su disco Heavy Petting Zoo, que tuvo una acogida más tibia en nuestro país, ahora reaparecen con este So long… And Thanks For All The Shoes, en el que su estilo más característico de punk-rock melódico se aprecia en trallazos como It's My Job To Keep Punk Rock Elite (que abre el disco), Monosyllabic Girl, (una auténtica declaración de amor en la que cantan "Todo el mundo sabe que estoy enamorado de la chica monosilábica"), o Dad's Bad News.
En cuanto a las letras, las "reivindicaciones" políticas ya comentadas en Murder the Government se mezcla con declaraciones de principios como Kill Rock Stars. Eso sí, con un sentido irónico siempre muy presente, como es el caso de la canción que cierra el disco, Falling In Love, un tema que, a pesar de sus apariencias, no habla de un enamoramiento convencional, sino de una pareja de enamorados que viaja en un avión a punto de estrellarse: "La muerte no parece tan mala cuando estoy contigo, mi único amor; así que cierra los ojos y bésame por última vez. Nosotros vamos a morir, pero nuestro amor no". Mala leche explícita que, al parecer, a la santa esposa de Fat Mike no le ha hecho excesiva gracia y prefiere no escuchar tan romántica canción. Además, el título de uno de los temas parece un guiño a "Flogging a dead horse", el disco de los Sex Pistols que NOFX han transformado en Flossing A Dead Horse.
Tracklist:
1. It's My Job To Keep Punk Rock Elite 2. Kids Of The K-Hole 3. Murder The Government 4. Monosyllabic Girl 5. 180 Degrees 6. All His Suits Are Torn 7. All Outta Angst 8. I'm Telling Tim 9. Champs Elysees 10. Dad's Bad News 11. Kill Rock Stars 12. Eat The Meek 13. The Desperation's Gone 14. Flossing A Dead Horse 15. Quart In Session 16. Falling In Love
Año: 1997 Duración: 33:16 Procedencia: USA Productor: Fat Mike / Ryan Greene
El grupo de hoy fue una de las sorpresas que me llevé del pasado festival del Summercase. Este dúo, (trio en directo) no me llamaron tanto la atención en disco como lo hicieron en directo. Aunque tampoco hagan un estilo que me tire mucho, siempre me han parecido curiosos...Volverán a estar por España para el Wintercase.
RATATAT
Ratatat es el proyecto de un atípico dúo conformado por Mike Stroud y Evan Mast. El primero, un esmerado guitarrista (miembro además de la banda del singular Ben Kweller) y el segundo un maniático de las máquinas y la electrónica. El disco, grabado y planeado en un apartamento del musicalmente convulsionado Brooklyn, apuesta por un sonido cuasi guitarrero, melancólico, que no oculta su simpatía por pericias y ejercicios estilizados y hasta virtuosos, a la par de una plataforma electrónica sencilla pero eficaz y en ciertos momentos con algunos atisbos de complejidad, que nunca llega a mayores, nunca pretende más que su propia sencillez. Hay guiños al hip hop en las bases y en algunos samplers. Sin embargo el mundo de Ratatat no está situado en las calles sino más bien en mundos oníricos y épicos.
Ratatat - Classics
Segundo álbum del dúo neoyorquino Ratatat, con el cual marcan su regreso tras dos años de haber editado su homónimo debut.
En este nuevo trabajo titulado “Classics” el dúo continúa con la construcción sónica instrumental comandada por las guitarras de Mike "Snake" Stroud y la variada instrumentación de Evan "E*Vax" Mast, quien se encarga de los bajos, los sintetizadores y la electrónica hecha a base de laptop. Toda esa experiencia sonora regresa en este nuevo aporte de Ratatat, pero con la diferencia de que “Classics” se muestra más variado en cuanto a texturas e instrumentación en comparación a su disco predecesor.
El dúo ha bajado un poco la intensidad de sus riffs, pero ahora a su exquisito experimento musical le han añadido nuevos instrumentos como chelos, cascabeles y guitarras acústicas, lo cual realza las tonalidades de su peculiar sonido. También hay un mayor uso de efectos electrónicos ambientales y una producción más pulida en cuanto a melodías y composición.
Son unos Ratatat más estilizados, pero manteniendo el concepto de su música en donde convive lo orgánico con lo artificial, apoyado por un sonido que se encuentra a medio camino del dance rock neoyorquino y la electrónica de Daft Punk o Air. En definitiva, toda una travesía introspectiva llena de melancolía y satisfacción, y con una peculiar ambientación que evoca las bandas sonoras del cine francés y la sutileza sonora de un videojuego de NES.
Aquí encontrareis recomendaciones de discos que llevan consigo una descarga directa, con el único propósito de compartir la música, y dar a conocer los grupos que más me gustan. Si te ha gustado algún grupo, intenta apoyarles comprando el disco o asistiendo a sus conciertos. Para cualquier cosa, podéis dejar un comentario.
