Reconozco que la primera vez que escuche este grupo no me gustaron demasiado. Pero al final se convirtió en uno de esos discos que te va enganchando más y más con cada nueva escucha...tanto que al final me lo acabe comprando. Recomendado para aquellos que por ejemplo les guste Modest Mouse o Clap Your Hands Say Yeah.
WOLF PARADE
Calculado, ríspido y animal, el disco debut de Wolf Parade, Apologies to the Queen Mary es verdaderamente un carnaval de bestias feroces suelto por las calles.
Originarios de Montreal y amigos de The Arcade Fire y de Modest Mouse (dos referencias que ya los hacen interesantes), Wolf Parade van un paso adelante incluso del espectacular Funeral de The Arcade Fire, disco que llevara a la escena canadiense a nuevas famas.
Como los Pixies en los momentos más alucinados de Black Francis, atascados pero refinados en la producción musical como un Radiohead psicótico, intrigantes como Nick Cave, Wolf Parade atacan de frente, cambian antes de que puedas apreciar el coro que comienza a subir, y se lanzan como Sonic Youth a destrozar oídos. Como lobos, son difíciles de cazar pero el juego será exhilarante.
Apologies to the Queen Mary es un disco importante este año, que ya lleva una muy buena racha de maravillas musicales.
Wolf Parade - Apologies to the Queen Mary
Tracklist:
1. You Are a Runner and I Am My Father's Son 2. Modern World 3. Grounds For Divorce 4. We Built Another World 5. Fancy Claps 6. Same Ghost Every Night 7. Shine a Light 8. Dear Sons and Daughters of Hungry Ghosts 9. I'll Believe in Anything 10. It's a Cure 11. Dinner Bells 12. This Heart's on Fire
Año: 2005 Duración: 47:48 Procedencia: Canada Productor: Isaac Brook
White Pony es y será por mucho tiempo uno de mis discos favoritos. Pocos discos de su genero pueden presumir de ser tan completos a la vez que variado. Y además cuenta con una genial colaboración con Maynard J. Keenan (cantante de Tool) en una de las mejores canciones.
DEFTONES
El grupo se formó en Sacramento en 1988 cuando los estudiantes de secundaria Stephen Carpenter, Abe Cunningham y Camillo "Chino" Moreno empezaron a tocar juntos. Pronto pudieron invertir mucho dinero en el grupo ya que Stephen fue atropellado por un conductor borracho lo que les proporcionó una buena cantidad de dinero. Entonces Deftones empezaron a ensayar en pequeños locales y buscaron un bajista. Después de probar con unos cuantos, encontraron a Chi Cheng. Aunque el grupo al principio se basaba mucho en el heavy metal, a principios de los 90 llevaron su sonido un poco más lejos, inspirados en bandas como Duran Duran, Depeche Mode, Bad Brains etc.
Una demo de 4 canciones es lo único que tenían antes de firmar con la discográfica de Madonna, Maverick Records. Con el productor Terry Date, el cual ya había trabajado con bandas de la talla de Pantera o Soundgarden, grabaron el debut del cuarteto, Adrenaline, que salió a la venta en octubre de 1995. El disco no fue un éxito inmediato así que la banda se hizo una base de fans tocando en pequeños locales o como teloneros de grupos como Ozzy Osbourne, L7 o Korn.
Cuando las ventas de Adrenaline estaban llegando a las 200.000 copias los fans ya esperaban su segundo disco, Around The Fur, que salió a la venta en octubre de 1997, y que (esta vez sí) les catapultó a la fama con los singles "My Own Summer (Shove It)" y "Be Quiet And Drive (Far Away)", además la lista de miembros del grupo aumentó a 5 con la incorporación del DJ Frank Delgado.
En junio de 2000 sale su tercer álbum de estudio, White Pony, que volvió a ser un éxito y demostró que el quinteto no dudaba a la hora de experimentar con su sonido. Experimentación con la que siguieron en el siguiente álbum homónimo, editado a mediados de 2003.
En octubre de 2005 aparece en las tiendas el quinto disco titulado B-Sides & Rarities, un disco recopilatorio que incluye canciones raras y covers de grupos como Sade, Cocteau Twins, The Cure etc., y un DVD con todos los videos del grupo. Su más reciente álbum Saturday Night Wrist salió a la venta el 31 de octubre del 2006, que cuenta con la participación de Serj Tankian, vocalista de System Of A Down, en la canción titulada "Mein".
Deftones – White Pony
[tengo una de las ediciones limitadas, con la carcasa completamente en rojo, y de las que solo se publicaron 50.000 en todo el mundo. Yo tengo la 20035 :)]
¿Realmente se esperaba este resultado? La verdad, es difícil saber si con la variedad se gana más o menos que siguiendo con composiciones lineales, depende en gran parte de cómo el grupo quiera dirigirse, lo cierto es que esa es la palabra clave en este álbum: variedad. Los característicos temas metálicos, energéticos y agresivos están acompañados por medios tiempos y melódicos cortes que muestran la diversidad de una banda algo más que simplemente de nueva generación.
Desmarcándose y dejando atrás cualquier comparación. Con una formación casi intacta, se incluye ya oficialmente a Frank Delgado como miembro del grupo, ganando en texturas y en detalles las nuevas canciones, a cada cual mejor, con la presencia una vez más de Terry Date como co-productor junto al propio grupo. Se suceden los momentos culminantes donde la voz gana importancia frente a unos instrumentos que han ganado en dinamismo, atmósferas muy diferentes a las otros discos.
Sin duda Chino Moreno acertó en describirlo como un "disco porro", de los que se escuchan antes de dormir y que se convierten en los favoritos, donde no suelen haber temas de relleno sino canciones épicas... Digital Bath, RX Queen, Change (In The House Of Flies) y Passenger, que haciendo referencia a su nombre, ha sido co-escrita por un pasajero bastante "especial", Maynard James Keenan, frontman de Tool y A Perfect Circle. Lo que convierte el tema en una ocasión para unir dos voces únicas dentro de lo que es un tema arrollador.
Tracklist:
1. Feiticeira 2. Digital Bath 3. Elite 4. RX Queen 5. Street Carp 6. Teenager 7. Knife Party 8. Korea 9. Passenger 10. Change (In The House Of Flies) 11. Pink Maggit
Año: 2000 Duración: 53:00 Procedencia: USA Productor: Terry Date / Deftones
Vaya festival más currado!! Además de las sorpresas de Rage Against the Machine y The Jesus & Mary Chain, lo que más me llama la atención son la gran cantidad de grupazos que aparecen en letra pequeña. Una pena que esté tan lejos....
Ayer Pearl Jam confirmó su gira europea para mediados de este año!!!! Las fechas que se han publicado por ahora han sido:
JUN. 8 LISBON, PORTUGAL PASSEIO MARITIMO ALGES JUN. 9 MADRID, SPAIN FESTIMAD JUN. 12* MUNICH, GERMANY OLYMPICHALLE June 13 KATOWICE, POLAND CHORZOW STADION SLASKI June 15 ITALY TBA June 16 VIENNA, AUSTRIA NOVA ROCK FESTIVAL June 18* LONDON, ENGLAND WEMBLEY ARENA June 21 DUSSELDORF, GERMANY LTU ARENA June 23 TUTTLINGEN, GERMANY SOUTHSIDE FESITVAL June 24 SCHEEBEL, GERMANY HURRICANE FESTIVAL June 26 COPENHAGEN, DENMARK FORUM June 28 NIJMEGEN, HOLLAND GOEFFERT PARK June 29 WERCHTER, BELGIUM WERCHTER FESTIVAL
Veremos si finalmente la fecha de Madrid es o no en el Festimad. Yo seguro que no me los pierdo, y voy a mirar si me puedo apuntar a otra fecha...
Gracias a la separación de At The Drive-In hace ya más de 6 años, obtuvimos a los geniales e inclasificables The Mars Volta. Pero también 'nacieron' Sparta, el grupo formado por los tres miembros restantes de ATDI, y que también llevan ya 3 discos publicados. El primero que editaron es, en mi opinion, el más completo, y el que más recomiendo.
SPARTA
Surgidos de las cenizas de At the Drive-In, Sparta nos trae un impecable disco debut lleno de sonidos crudos, sutiles, llenos de emoción y excelentes letras. "Wiretap Scars" fue producido y mezclado por Jerry Finn, el mismo hombre a cargo de las perillas en placas de Blink 182 y Sum 41. Pero en el caso de Sparta el sonido resultante difiere de las anteriormente mencionadas.
Abre el disco Cut your ribbon, quizás el corte del disco más emparentado sonoramente con lo hecho en At the Drive-In. Jim Ward (ahora convertido en cantante) nos sorprende con una furia y sutileza vocal contrastantes que complementan la fuerza musical de un tema que va directo a la confrontación y el poder cortar ciertas dependencias como sugieren las letras.
Air podría ser ejemplo de excusa para algunos críticos de querer encasillar a Sparta dentro de estas nuevas bandas de "emo-rock" o "emo-core", lo cual no se justifica en absoluto. Puede ser el corte donde por momentos unos compases tienen cierta referencia a lo hecho por Blink 182, pero en global no se les une en nada. Ward se da tiempo para lucirse vocalmente con su canto. Muchos riffs de guitarras en diferentes niveles, distorsionados o con aires 80s; algo que ha influido en las secciones calmadas de las canciones de "Wiretap Scars". Mye es un clamor de redención, de hacer las cosas bien con una nueva oportunidad. Acá hacen su aparición sus primeros atisbos de loops electrónicos, pero que no opacan el resultado final.
Collapse y Echodyne Harmonic son piezas más reposadas, de mucha melodía, coros densos con voces sensibles y letras abstractas. Y en Echodyne Harmonic puedes encontrar un arreglo de piano que te engancha fuertemente a la canción. Tanto Light Burns Clear, Glasshouse Tarot y Rx Coup son temas que pueden compartir entre ellas una estructura similar de canción: comienzos relajados, coros que revientan a todo volumen con riffs encendidos y Ward gritando hasta quemar garganta. Pero varían drásticamente en los arreglos y ambientes que crean los 4 músicos para cada una de ellas.
Una canción que sonoramente tiene aires góticos es Cataract. Un aire de melancolía y existencialismo que rodea la canción, con momentos musicales dignos de algún tema de Sonic Youth. Tanto Sans Cosm como Red Alibi, son canciones donde esta reminiscencia de Sonic Youth regresa en las guitarras de Paul Hinojos y Ward que marcan los versos y coros... pero les queda bien la intención. Assemble the empire es un cierre del disco que linda entre lo experimental y denso en comparación de los demás cortes de "Wiretap Scars". Juegos de guitarras y quiebres de compases matizados con las vocales de Ward.
"Wiretap Scars" es un album que testifica el inicio de una propuesta musical que pueda refrescar la oferta actual del rock existente. Como del rock más crudo puede bajar sus decibeles a un sonido más suave sin perder su identidad. También permite descubrir un vocalista como Jim Ward, que puede jugar con su rango vocal de tal manera que le da un alma diferente a cada canción del disco. Mucho "wall of sound" de guitarras distorsionadas con sonidos melódicos y una base musical consistente de Tony Hajjar (batería), Matt Miller (bajo) y Paul Hinojos, sirven de apoyo al desenvolvimiento de Ward. Un nuevo disco de la banda podría reconfirmarnos el surgimiento de un grupo a tomar en cuenta a futuro. Es la gran revancha de lo que pudo llegar a ser ATDI. Y eso no es poca cosa.
Sparta – Wiretap Scars
Tracklist:
1. Cut Your Ribbon 2. Air 3. Mye 4. Collapse 5. Sans Cosm 6. Light Burns Clear 7. Cataract 8. Red Alibi 9. RX Coup 10. Glasshouse Tarot 11. Echodyne Harmonic 12. Assemble The Empire
Año: 2002 Duración: 47:45 Procedencia: USA Productor: Jerry Finn
Hoy un disco un poco más clásico, con respecto a las recomendaciones habituales. Concretamente el segundo disco del que fuera durante muchos años la banda que acompañaba a Bob Dylan en directo. Espero que a alguien les guste...
THE BAND
Los miembros de The Band se llamaron primero The Hawks, como la banda de apoyo del cantante Ronnie Hawkins, entre 1959 y 1963. Posteriormente, Bob Dylan los reclutó para su histórico tour de 1965-1966, y luego para para la grabación de lo que se convertiría en el aclamado Basement Tapes.
Bautizado "The Band" (la banda) por su compañía discográfica (refiriéndose a cómo eran identificados durante el tiempo con Dylan), el grupo abandonó la comodidad de su hogar en Woodstock para comenzar a registrar discos propios. The Band registró dos de los álbumes más importantes de finales de los años '60: su debut de 1968, Music from Big Pink (que contiene la conocida canción "The Weight"), y su segundo disco, de 1969, llamado simplemente The Band. Estos elogiados discos ayudaron a construir lo que sería el country rock estadounidense. Durante su carrera, el grupo repopularizó canciones tradicionales norteamericanas durante la era psicodélica. El grupo se disolvió en 1976, pero se reunió en 1983, aunque sin su fundador, guitarrista y principal compositor, Robbie Robertson.
Aunque siempre más popular entre críticos especializados y colegas músicos que con el público en general, The Band continúa siendo un grupo admirado e influyente. Han ingresado Salón de la Fama de la música canadiense y al Salón de la Fama del Rock and Roll.
The Band – The Band
En 1969, con Estado Unidos divididos en lo político y en lo cultural, además de enfangados en Vietnam, los otrora gloriosos 60 se precipitaban hacia su fin. Dylan había cerrado la puerta y bajado las persianas a una generación que le miraba en busca de respuestas. Las drogas eran cada vez más duras y la psicodélica más fláccida. Fue con este telón de fondo cuando la banda más influyente del momento publicó su segundo álbum, su obra maestra.
Construido alrededor y sobre el extraodinario ciclo de canciones de Robbie Robertson, inspiradas en el sur norteamericano (la más conmovedora, y sin duda la más conocida, es The Night They Drove Old Dixie Down), The Band es un álbum de gran resonancia contemporanea, enraizada en el dolor y el orgullo del pasado de la nación. Lo más intrigante, teniendo en cuenta que procede de cuatro canadienses y un chico de Arkansas, es que se trata de una herencia asimilada y definida de forma memorable.
Grabado casi todo en una casa alquilada a Sammy Davis Jr. en las colinas de Hollywood, estas grabaciones suponen la culminación de sus años de rockabilly en la carretera, del tiempo pasado con Dylan y de su estancia en Woodstock. Desde el piano que remite al jazz de Nueva Orleáns hasta el soul de ragtime, existe una textura granulada en el sonido y un flujo ondulante en el ritmo. Los solos vocales de Levo Helm, Richard Manuel y Rick Danko se entrelazan como si se tratara de una sola voz, hasta alcanzar un efecto etéreo.
The Band tuvo muchos momentos álgidos, pero este álbum es el más fascinante y poético, el que posee la magia más potente y el más hermoso. En la funda aparecen como una pandilla andrajosa de colonos o una banda de forajidos, cosa que más o menos eran (en ambos casos).
Tracklist:
1. Across The Great Divide 2. Rag Mama Rag 3. The Night They Drove Old Dixie Down 4. When You Awake 5. Up On Cripple Creek 6. Whispering Pines 7. Jemima Surrender 8. Rockin' Chair 9. Look Out Cleveland 10. Jawbone 11. The Unfaithful Servant 12. King Harvest (Has Surely Come)
Año: 1969 Duración: 43:50 Procedencia: Canada Productor: John Simon
The Last Walz es el famoso concierto de The Band llevado a la gran pantalla por Martin Scorsese. En este concierto tuvieron como invitados a musicos como Bob Dylan, Van Morrisson, Neil Young o Eric Clapton. El siguiente video esta sacado de este concierto: The Night They Drove Old Dixie Down…
Fu Manchu es una de las bandas más conocidas englobadas dentro de ese genero al que llaman ‘stoner rock’. Dentro de nada lanzaran un nuevo disco, pero mientras tanto os los recomiendo con uno de sus discos más accesibles.
FU MANCHU
El sexto disco de su carrera, "California Crossing", viene con la vibra esencial de Fu Manchu. Una banda stoner que arrastra sus sonidos, pero que le agrega ritmos movedizos y atractivos que van creando ambientes y atmósferas. Hay mucho groove hipnótico y envolvente, excelentes guitarras en "viaje", que recrean un rock de carretera sin complicaciones. Lo de Fu Manchu en esta etapa mezcla la sensibilidad pop de los '70 con esas guitarras heredadas de Black Sabbath, lo que a esta altura ya sienta bien en la rotación radial de las radios del mundo.
Sin embargo, en este sexto disco no brilla tanto la magia de antaño, la de discos como "The Action Is Go" o "King Of The Road", porque la repetición del esquema va gastando las ganas por repetirse el plato. De todas maneras Scott Hill (guitarra y voz) sigue con la misma vibra de siempre y la partida del baterista Brant Bjork después de la grabación del disco -que, en todo caso, se pierde en la mezcla final- fue bien sustituida por Scott Reeder.
Buenas canciones son Ampn, Downtown In Dogtown y Wiz Kid, entre otras, que demuestran que la línea de la banda va por el rock directo, mágico y drogado, pero con un tinte tan recordable que podría parecer comercial. Por ahí algunos decían que no era el mejor momento para lanzar un nuevo disco, pero a Fu Manchu solo le basta satisfacer su estima y la de sus más acérrimos fans.
Fu Manchu - California Crossing
Tracklist:
1. Separate Kingdom 2. Hang On 3. Mongoose 4. Thinkin' Out Loud 5. California Crossing 6. Wiz Kid 7. Squash That Fly 8. Ampn' 9. Bultaco 10. Downtowin In Dogtown 11. The Wasteoid
Año: 2002 Duración: 39:29 Procedencia: USA Productor: Matt Hyde
Es verdad que llevo pocos discos nacionales recomendados hasta ahora, por eso aquí tenéis uno que he venido escuchando mucho últimamente. Su anterior maqueta fue considerada la mejor del año 2005 según la revista Mondosonoro....En fin, ideal para salir de marcha :)
MENDETZ
El bombazo nacional de 2006. Mendetz llevan tres años macerando un caldo de cultivo post-punk que te va a dejar sin aliento. Con un pasado anclado en facciones hardcore, comienzan a operar como grupo en 2003, y en 2005 ya se proclaman finalistas del Proyecto Demo y del Villa de Bilbao. Su nombre se expande gracias al boca-oreja y pronto se convierten en ese grupo de quien todo el mundo ha oído hablar y a quien nadie quiere perderse en directo. Herederos del punk rock y de la protoelectrónica, en sus canciones nos hablan de sexo futuro entre arritmias, mantras y esquizofrénicos teclados. Las referencias a toda la nueva camada punk-funk (The Faint, The Rapture, Franz Ferdinand), a la vieja (Devo, Sigue Sigue Sputnik), a Carl Sagan y a la película ‘Tron’, no son más que coyunturales: su potente directo y los infinitos vértices de las canciones de su debut, aseguran la eléctrica carga de una banda inconformista, radiante de vitalidad y juventud.
Mendetz - Mendetz
Sus canciones beben de todo el rock bailable actual, con The Faint en un extremo, Franz Ferdinand en el otro y Delorean cerca de casa, aunque cargando las tintas en la fórmula, algo oscura y no por ello menos dance, que descubrieron los estadounidenses (demasiado evidente, por desgracia, en Dryness). Al conjunto han sabido añadirle también algo de electrónica retrofuturista (se describen a si mismos como una banda de Casio punk), un puñado de trucos aprendidos de Daft Punk, Cassius o Stardust y canciones que aguantan la prueba del algodón sin problemas (Future Sex fue hit ya en su versión demo) y que sin duda se harán con un lugar –ganado a pulso- en nuestra actualidad aunque sea a patadas.
Tracklist:
1. The Boola Shines In A Pink Neon Room 2. Sofa 3. The Ground 4. F.O.M.E.N.A. 5. Futuresex 6. Dryness 7. Maximo Truffalo 8. Inside! 9. The Sheep Omal 10. TreblaNara (Passion) 11. Bonus track
Muchos son los discos que han editado The Cure a lo largo de su larga historia, pero muchos coincidirán que Disintegration es uno de los mejores. Lullaby o Love Song son uno de los clásicos que encontraréis en esta recomendación.
Disintegration desplegó un sonido más cohesivo que en discos anteriores. El resultado, según la revista Q, era como ‘sentirse envuelto por un abrigo empapado y extremadamente holgado’. De hecho Prayers for Rain y The Same Deep Water as You son tan trágicos como sugieren sus tíyulos. Pero no todo era fatalismo y oscuridad.
Es broma. Claro que hay muchísimo fatalismo y oscuridad. A veces de un romanticismo desolado (Plainsong), a veces violento (Lullaby),...pero siempre, como señalaron con entusiasmo en NME, ‘vibrantes infelices’. También tuvieron grandes éxitos, el mayor de todos ‘Lovesong’, un regalo de boda de Smith a su prometida Mary.
En medio de toda esa desesperación, el bajista Simon Gallup y el antiguo batería de Thompson Twins, Boris Williams, le dan un ritmo impresionante al disco y, en particular, a Fascination Street. El guitarrista Porl Thompson también se deja notar, y todavía más en la versió estilo Plant & Page del Lullaby durante las giras. El teclista Roger O’Donnel es una constante; quedando Lol Tolhurst arrinconado (en los créditos se ve reducido a ‘otros instrumentos’).
“Estaba realmente preocupado por la idea de hacerme mayor”, recuerda el letrista Robert Smith, entonces rondando los treinta. Similares preocupaciones alimentarían Bloodflowers, un disco que remitía a Disintegration una década después.
“Las personas cuyos álbumes preferidos de The Cure son Pornography y Disintegration”, declaró Smith, “están por lo general, más alerta y piensan las cosas”. Conviene dejar de lado esa clase de elitismo, pero no así la música.
Tracklist:
1. Plainsong 2. Pictures Of You 3. Closedown 4. Love Song 5. Last Dance 6. Lullaby 7. Fascination Street 8. Prayers For Rain 9. The Same Deep Water As You 10. Disintegration 11. Homesick 12. Untitled
Año: 1989 Duración: 60:29 Procedencia: Inglaterra Productor: David A. Mallen / Robert Smith
A estas alturas, ¿quién no conoce a los Arctic Monkeys? Sin duda el mayor ‘hype’ salido de las islas británicas en los últimos años. Aclamados por unos, odiados por otros, pero hay que reconocer que el disco no esta nada mal. Aún así veremos de lo que son capaces en un segundo disco... (Para Ibai)
ARCTIC MONKEYS
Arctic Monkeys son una banda de indie rock de High Green, un barrio de Sheffield, Inglaterra. Antes de editar ningún sencillo, ya eran famosos en internet porque los seguidores de sus conciertos colgaron sus canciones en una página. Sus primeros dos sencillos, I Bet You Look Good On the Dancefloor y When The Sun Goes Down, fueron directos al número 1 de la lista de singles del Reino Unido, y el álbum de debut de la banda, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, tiene el record como el álbum de debut más vendido en sus primeras semanas en el Reino Unido, superando al Definitely Maybe, disco de debut de los legendarios Oasis. La banda ganó el premio "Best New Act" en los "Brit Awards" de 2006, y crearon historia en los premios de NME de 2006 al convertirse en la primera banda en ganar el premio a la "Mejor Nueva Banda" y "Mejor Banda Británica" en el mismo año.
Las raíces de la banda en el norte de Inglaterra a menudo se destaca como elemento clave del estilo del grupo, y han sido etiquetados como los Libertines del norte, mientras su sonido único y sus letras irónicas - a menudo con crítica social - se han comparado a las de The Jam, Blur, Pulp y The Streets. La banda está formada por Alex Turner (voz y guitarra), Jamie Cook (guitarra rítmica), Matt Helders (batería y coros) y Nick O'Malley (bajista); este último incorporado a la banda en junio de 2006 tras el abandono de Andy Nicholson.
Arctic Monkeys - Whatever People Say I Am, That's What I'm Not
Estamos ante un álbum despojado de ornamentaciones y sobreproducciones. "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not" suena a puro directo. Como en las primeras tomas de contacto con los debuts de The Strokes o The Libertines, Arctic Monkeys despiertan ese gusanillo de los discos que contienen canciones irrepetibles.
Resquicios de talento que uno no puede dejar de disfrutar a sabiendas que con cada escucha uno va apagando esa mecha bulliciosa de las primeras veces. Primero abrieron la puerta del éxito a portazos con su primer single I Bet You Look Good On The Dancefloor. Una melodía que es puro rock & roll. Inicio demoledor: batería a todo trapo con amagos de guitarras a punto de romper en estallidos. Continuación de manual: un riff chispeante y todos a balancear la cabeza. Segundos después, pura evasión: la voz desaliñada y rabiosa de Alex Turner se lo lleva todo por delante de la mano de guitarrazos acelerados y una batería en plena ebullición. Un tema que podría ser un arma de doble filo: sí, la canción lo tiene todo para ser un rompepistas, pero un grupo con un estilo tan definido podría sugerir una propuesta de lo más redundante.
Basta con escuchar A Certain Romance para dar carpetazo a las dudas. No sólo saben hacer píldoras energéticas, también saben lidiar con el desencanto, sin perder un ápice de su fuerza. Estamos ante una canción que invita a escucharla una y otra vez, y que destila una frescura deliciosa. Pero no es la única: When The Sun Goes Down es uno de esos milagros que no se suceden con frecuencia. De repente, de la nada, alguien compone algo maravilloso y lo regala al resto de los mortales. Sólo con las primeras notas de guitarra, uno sabe que esa canción sonará en su reproductor en los próximos meses.
La manera como este tema enzarza la furia con la melancolía es prodigiosa. Lo mejor, sin duda, los momentos casi silenciosos de Turner (que abren y sellan la canción), donde el rasgueo de la guitarra se funde con su voz en una huida romántica de lo más contagiosa.
Tracklist:
1. The View From The Afternoon 2. I Bet You Look Good On The Dancefloor 3. Fake Tales Of San Francisco 4. Dancing Shoes 5. You Probably Couldn't See For The Lights But You Were Looking Straight At Me 6. Still Take You Home 7. Riot Van 8. Red Light Indicates Doors Are Secured 9. Mardy Bum 10. Perhaps Vampires Is A Bit Strong But... 11. When The Sun Goes Down 12. From Ritz To The Rubble 13. A Certain Romance
Año: 2006 Duración: 41:03 Procedencia: Inglaterra Productor: Jim Abbiss
Una de las cosas que más me llamó la atención cuando descubrí a Sufjan Stevens, fue su idea de dedicarle un disco a cada estado americano. No sé si lo llegará a conseguir, pero me gusta la idea. Ya lleva dos (Michigan e Illinoise), dentro de una ya amplia discografía, a pesar de su joven edad. Os recomiendo precisamente Illinoise, su disco más ambicioso por el momento. Que no os eche para atrás el hecho de que sean 22 canciones, algunas con nombres imposibles de recordar...
SUFJAN STEVENS
Sufjan Stevens es un cantautor y multi instrumentista atípico, aunque eso tal vez sea redundante. Un artista inclasificable... aún peor, suena a tópico manido. Entonces, ¿como definir a un joven norteamericano de 29 años que ha formado parte de una banda de folk-rock afincada en Holanda, Marzuki, colaborado en multitud de ocasiones con la maravillosa y marciana The Danielson Familie y editado cuatro discos en solitario, a cual mejor, entre los que se incluye el primero de una serie que quiere dedicar a cada uno de los Estados de EE UU? Precoz y prolífico también serían buenos adjetivos... si no estuviesen tan usados que casi han perdido ya su sentido. Tal vez el problema esté en intentar definirlo. Mejor dejemos que los hechos hablen por sí mismos.
Según la biografía que aparece en su impagable página web, Sufjan nació en Detroit (Michigan) en 1975 y fue encontrado por la familia Stevens a la puerta de su casa dentro de una caja de leche, envuelto en celofán y con una nota que ponía ‘I love you’. Bueno, tal vez eso no sea ceñirse exactamente a los hechos aunque no deja de ser un cuento bonito. Y es que el sentido del humor, la capacidad de auto parodia y el gusto por los cuentos —los de verdad, tan fantásticos como crueles, nunca ñoños ni aburridos, siempre bonitos- forman parte inherente del universo Stevens. Tras formar parte de los ya mencionados Marzuki, en 1999 Sufjan inicia su carrera en solitario, se traslada a Nueva York y a primeros de 2000 publica su primer álbum, A Sun Came. Un disco grabado en un cuatro pistas que sin embargo trascendía los límites del Low-fi convirtiéndose en una obra ambiciosa en la que Sufjan jugaba ya con esa amalgama de estilos que es su sello personal y en el que tienen cabida el pop, el rock, el folk (incorporando sonidos de músicas tradicionales de cualquier lugar del planeta) o la electrónica.
Un primer trabajo al que seguirían los fantásticos Enjoy Your Rabbit - basado en los símbolos del horóscopo chino- y Greetings from Michigan: The Great Lakes State, con el que iniciaba una serie que piensa dedicar a cada uno de los estados de EE. UU. Un disco autoproducido en el que Sufjan toca más de 20 instrumentos y con el que cosechó excelentes críticas en la que fue su primera incursión en el mercado europeo.
Tan sólo un año después publicaba Seven Swans. Un disco que es un auténtico regalo y sin duda una de las grandes sorpresas del año. Delicado, cálido, con letras fantásticas que nos trasladan a un mundo mágico (no en vano Sufjan es, además, un excelente escritor de ficción) y en el que una mínima instrumentación y unos increíbles juegos vocales bastan para causar emoción. Un disco para el que ha contado con la impagable colaboración de varios de los miembros de The Danielson Familie.
Su discografía ha ido aumentando en los últimos dos años con varios discos más. Primero el disco dedicado al estado de Illinoise, aclamado por la crítica, y considerado uno de los mejores albumes del año 2005. Precisamente un año más tarde publicaba The Avalanche, un disco recopilación con los descartes de las sesiones de Illinoise. Lo último ha sido una caja de 5 discos con canciones navideñas grabadas a lo largo de los últimos años llamado Songs for Christmas.
Sufjan Stevens - Illinoise
Un tipo inclasificable el cantautor norteamericano Sufjan Stevens; y no lo digo solo por la titánica tarea que se ha impuesto, consistente en realizar un disco por cada uno de los cincuenta estados de Norteamérica –del que ahora nos presenta su segunda entrega "Illinoise"-, sino también por la cantidad de estilos que maneja, no solo en este disco, sino en cada una de sus entregas.
Tras su paso por "Michigan" este infatigable trotamundos virtual llega a "Illinoise". Pero no creáis que el paseo que nos propone es un capricho superficial, bien al contrario el mismo cuanta que se ha documentado leyendo a autores literarios originarios del estado, consultando enciclopedias e incluso estudiando la biografía de Lincoln. Con todos estos elementos Sufjan crea una obra ambiciosa y que podríamos considerar casi como una opereta pop. Veintidós cortes, de títulos imposibles en la mayoría de los casos, que combinan arreglos majestuosos y originales (llenos de violines y trompetas, de un barroquismo que acongoja y emociona), con pequeños interludios instrumentales de apenas unos segundos y canciones de marcado acento de folk acústico.
Creatividad desbordante no solo en lo musical, también en las surrealistas historias que se desarrollan en los mejores setenta y cinco minutos que he escuchado en mucho tiempo. Historias de Supermanes y mafiosos, historias de zombies, la biografía de un asesino en serie en John Wayne Gacy, jr., las historias de en un pueblo llamado Jacksonville, etc... conforman un disco que coloca al cantautor entre los artistas mas interesantes y originales de su generación.
Un disco maravilloso y que consigue que esperemos con impaciencia una nueva visita a los Estados Unidos de la mano de un guía tan especial. Ánimo Sufjan, solo quedan cuarenta y ocho.
Tracklist:
1. Concerning The UFO Sighting Near Highland, Illinois 2. The Black Hawk War, Or, How To Demolish An Entire Civilization And Still Feel Good About Yourself In The Morning, Or, We Apologize For The Inconvenience But You're Gonna Have To Leave Now, Or, 'I Have Fought The Big Knives And Will Continue To Fight... 3. Come On! Feel The Illinoise! 4. John Wayne Gacy, Jr. 5. Jacksonville 6. A Short Reprise For Mary Todd, Who Went Insane, But For Very Good Reasons 7. Decatur, Or, Round Of Applause For Your Stepmother! 8. One Last 'Whoo-Hoo!' For The Pullman 9. Chicago 10. Casimir Pulaski Day 11. To The Workers Of The Rock River Valley Region, I Have An Idea Concerning Your Predicament 12. The Man Of Metropolis Steals Our Hearts 13. Prairie Fire That Wanders About 14. A Conjunction Of Drones Simulating The Way In Which Sufjan Stevens Has An Existential Crisis In The Great Godfrey Maze 15. The Predatory Wasp Of The Palisades Is Out To Get Us! 16. They Are Night Zombies!! They Are Neighbors!! They Have Come Back From The Dead!! Ahhhh! 17. Let's Hear That String Part Again, Because I Don't Think They Heard It All The Way Out In Bushnell 18. In This Temple As In The Hearts Of Man For Whom He Saved The Earth 19. The Seer's Tower 20. The Tallest Man, The Broadest 21. Riffs And Variations On A Single Note For Jelly Roll, Earl Hines, Louis Armstrong, Baby Dodds, And The King Of Swing, To Name A Few 22. Out Of Egypt, Into The Great Laugh Of Mankind, And I Shake The Dirt From My Sandals As I Run
Año: 2005 Duración: 74:03 Procedencia: USA Productor: Sufjan Stevens
Sin haber hecho mucho ruido, el trio inglés Feeder, ya lleva en esto de la música casi 15 años. Y eso que no siempre lo han tenido fácil: después de publicar su disco más exitoso (Echo Park), tuvieron que sobreponerse al suicidio de su batería. Aún así, decidieron seguir con el batería de Skunk Anansie. Personalmente, me gustaban más en sus inicios, sobre todo este disco que hoy recomiendo.
FEEDER
Cuando escuchas a Feeder, inevitablemente te vienen a la cabeza grupos como Foo Fighters o My Vitriol, e incluso Muse. Feeder no han inventado con Echo Park, su tercer álbum, nada nuevo; sin embargo, lo que hacen, lo hacen muy bien, y revisten cada uno de sus temas con un estilo claramente personal.
Hacen un pop-rock de guitarras poderosas, pero con una voz muy pop, muy cándida. Las letras son sencillas, desde la experiencia de pasar siete días bajo el sol de Mallorca a la imposibilidad de dar marcha atrás en el tiempo, pasando por el deseo de encontrar un hueco en la mente de la persona amada, nos transmiten hechos cotidianos, con unas melodías directas y unos estribillos que se repiten una y otra vez en tu cabeza.
En Echo Park encontramos dos o tres temas candidatos a convertirse en hits: Turn, Seven Days in the Sun e incluso Buck Rogers. Por un lado, hay baladas como Piece by Piece, We Can’t Rewind o Satellite News, que siguen la línea de grandes temas de su repertorio pasado, como son High o Yesterday Went Too Soon. En la otra cara de la moneda, las canciones que abren y cierran el disco, Standing on the Edge y Bug, las cuales nos muestran el lado más agresivo del grupo.
En resumen, un disco notable compuesto por 12 temas, que no nos deja indiferentes, aunque tampoco se convertirá en uno de los discos de nuestras vidas.
Feeder - Echo Park
Tracklist:
1. Standing on the Edge 2. Buck Rogers 3. Piece by Piece 4. Seven Days in the Sun 5. We Can't Rewind 6. Turn 7. Choke 8. Oxygen 9. Tell All Your Friends 10. Under the Weather 11. Satellite News 12. Bug
No sé como no descubrí este disco antes. Había escuchado otros discos de Wilco, y nunca me habían entusiasmado mucho, pero este disco me ha atrapado desde el primer momento. En mi opinión, el disco idóneo para empezar con este grupo. Imprescindible!!
WILCO
Jeff Tweedy, el principal compositor y cantante de la banda, fue miembro del grupo seminal de los años 1980 y 1990 Uncle Tupelo. Tweedy compartía la tarea de componer y cantar con su compañero de grupo Jay Farrar, que dejó Uncle Tupelo y formó Son Volt. Tweedy formó Wilco con los restantes miembros de Tupelo (el bajista John Stirratt, el batería Ken Coomer y violinista Max Johnston.
Wilco ha ido ganando popularidad desde su primer lanzamiento, el álbum A.M. de 1995, que es el único de los discos de la banda que todavía se parece al sonido de Uncle Tupelo. En 1996 lanzaron el doble álbum Being There, que obtuvo buenas críticas y un devoto grupo de fans, pero unas ventas mediocres, llegando al número 73 en la lista de álbumes de Billboard. La canción «Outtasite (Out Of Mind)» entró en el top 40 de música rock.
En la primavera de 1995, Nora, hija de Woody Guthrie, había entrado en contacto con el cantante y compositor Billy Bragg para escribir música para una selección de letras de Guthrie. Su padre había dejado unos miles de letras escritas entre 1939 y 1967; ninguna de ellas tenía música, aparte de unas vagas notaciones sobre el estilo. Bragg entraría en contacto más tarde con Wilco, pidiéndoles que también participasen en el proyecto. Wilco aceptó y, además de grabar con Bragg en Inglaterra, tuvieron una buena cantidad de canciones para finalizar. Más que recrear las melodías con el estilo de Guthrie, Bragg y Wilco crearon música nueva, contemporánea para las letras. Lo que parecía una empresa arriesgada sorprendió a todo el mundo; el resultado, publicado en 1998 con el nombre de Mermaid Avenue, recibió elogios unánimes.
En 1999, la banda publicó Summerteeth, mostrando una evolución desde el country al rock eléctrico. Canciones como «Can't Stand It» y «I'm Always In Love» demostraron el gran cambio en su sonido. Reprise, su compañía de discos, tenía grandes expectativas, pero el álbum sólo alcanzó un decepcionante número 78 en la lista de álbums de Billboard. A pesar de todo, obtuvo el favor de la crítica y alcanzó el número 8 en la Pazz & Jop Critics Poll de 1999. Sumerteeth también significó un nuevo enfoque en la creación de sonidos de estudio que fueran añadidos como efectos a la grabación en vivo.
Mucha gente de la industria de la música considera el siguiente álbum de la banda, Yankee Hotel Foxtrot, uno de los mejores discos de 2002, además de una obra destacada en términos de innovación. Lo que empezó siendo un disco que continuaba el camino musical emprendido con Summerteeth se transformó en un monstruo que atraería muchos elogios y muchos problemas.
La producción parecía marchar bien, aunque había conflictos importantes entre Bennet y sus compañeros de grupo. La situación estalló cuando se le pidió a Jim O'Rourke, de Sonic Youth, que remezclara el álbum a pesar de las objeciones de Bennet. En contra de la creencia popular, O'Rourke no añadió ruidos vanguardistas en la mezcla sino que eliminó algunos de los que habían grabado Wilco.
Bennet no estaba satisfecho con la participación de O'Rourke y fue despedido de la banda al poco tiempo de acabar el álbum. Bennet más tarde comenzó un proyecto con su colaborador durante largo tiempo Edward Burch y lanzó The Palace at 4 A.M. el mismo día que Yankee Hotel Foxtrot fue publicado finalmente.
La situación empeoró cuando Reprise Records, la compañía de la banda y una subsidiaria de Time Warner, rechazó el disco. Así se inició una larga búsqueda para encontrar una nueva casa para el grupo. Mientras tanto, Wilco permitió la descarga del disco de su sitio web tras comprar las cintas de grabación por 50.000 dólares americanos. Irónicamente, la banda acabó fichando por Nonesuch Records, otra subsidiaria de Time Warner, y el disco se lanzó en la primavera de 2002.
El disco más reciente de Wilco, A Ghost Is Born se lanzó el 22 de junio de 2004, una fecha que fue retrasada para que Tweedy entrase en una clínica de rehabilitación para su adición a los calmantes para sus migrañas. Este evento también tuvo como consecuencia que no fuesen cabeza del cartel ese mismo año del Coachella Valley Music and Arts Festival en Indio, California. Elogiado por los críticos, A Ghost Is Born fue el primer disco de Wilco en entrar entre los diez primeros puestos de las listas de álbumes de Estados Unidos, comenzado en el octavo puesto.
Wilco – Yankee Hotel Foxtrot
Comenzar diciendo que “Yankee Hotel Foxtrot” está a la altura de “Automatic for the People” de R.E.M., lo que significa palabras mayores para los tiempos musicales que corren. El grupo de Jeff Tweedy ha superado el excelente“Summer Teeth” entregándonos una obra que perdurará mucho tiempo en nuestra memoria.
Con una producción impecable a cargo del propio grupo y con la ayuda de Jim O’Rourke ,sin artificios pero salpicada de miles de detalles y arreglos milimétricamente situados, se presenta una secuencia de temas perfecta, donde no sobra ni falta nada como si se tratara de un rompecabezas. Contiene dos potenciales hits como Kamera y Heavy Metal Drummer,los cuales serían canciones del verano si las radios y las televisiones se decidieran a abrir sus oidos .
Es imposible resistirse a canciones como I’m trying to break your Heart, Radio Cure y Ashes of American Flags donde demuestran como unir las raices y tradición de su paìs con un sonido rabiosamente actual como ya han hecho con el legado de clásicos en “Mermaid Avenue” junto a Billy Bragg. Jesús,etc es la cima del disco, candidata desde ya a destacar entre las mejores de este 2002. Jeff Tweedy canta con tristeza y esperanza sobre una letra ambigua:¿religión o desamor?....
Wilco han ido variando su estilo durante estos años,desde el deje “stoniano” de “Being There” hasta una influencia más Lennon-McCartney actual como demuestran en I’m the man who loves you y Poor Places, puros caramelos “beatle”. Reservations pone el broche de oro, un paisaje sonoro minimal y decadente de declaraciones de amor.
Año: 2002 Duración: 51:51 Procedencia: USA Productor: Jim O’Rourke / Wilco
Cuando empece a escuchar música, uno de los primeros grupos que no paraban de sonar en mi minicadena eran Pennywise. Tengo sus primeros 7 discos, y aunque ahora no los escuche tanto, no podía faltar una recomendación suya.
PENNYWISE
En 1988, Fletcher Dragge, cansado tras años de tocar en varias bandas punk, decide tomarse las cosas más en serio y trabajar duro para llevar un grupo adelante. Se une a Jason Thirsk que también tocaba en un grupo hardcore local llamado PMA. Más tarde, se unirían al resto del grupo (Jim Lindberg y Byron McMackin) que igualmente formaban parte de grupos locales. A finales de ese año optan por crear un grupo para intentar ir algo más lejos en el mundo de la música. Jim Lindberg se alza como vocalista de unas letras con alto contenido político/social, Fletcher Dragge opta por la guitarra y el resto del kit básico para la banda se completa con el bajo y la batería de Jason Thirsk y Byron McMackin respectivamente.
Influenciados por grupos como Minor Threat o Black Flag, consiguen grabar un EP para el sello local Theologian Records. Se llamó A Word From The Wise y era uno de tantos en la zona Sur de California, pero que les sirvió como carta de presentación. Las continuas actuaciones allí donde buenamente se acoplan los van a respaldar para que en 1990 un Dj local, tras escuchar al grupo en la radio de la universidad, le de una copia de sus grabaciones a Brett Gurewitz (guitarra de Bad Religion y dueño de Epitaph), al cual le convenció el trabajo del grupo y los firmo para el sello.
El primer disco completo de la banda de nombre homónimo, comienza a venderse y a pegar fuerte entre el público de forma algo inesperada."Come out Fighting", preparada para corear en los conciertos, "Wouldnt It Be Nice", "Living For Today"... todas las canciones estaban cargadas de una energía y velocidad, capaz de ofrecer suficiente adrenalina al público como para que no pararan desde el primero, al último de los temas. El disco culmina con el simple pero clásico "Bro Hymn" que les da el éxito demasiado rápido para cuatro jóvenes que no acaban de asumirlo.
En esta época Jim Lindberg abandonó momentáneamente el grupo por problemas personales (se iba a casar y el ambiente violento del punk en aquellos días no era el más idóneo para formar una familia). Jason Thirsk y el que era su maestro en el bajo Randy Bradbury, se encargan de cubrir el puesto vacante. Jason retoma el puesto de Jim como cantante y Randy se ocupa del bajo.
En 1992, de nuevo se vuelcan en la grabación de un nuevo disco. Tras su corta ausencia, Jim Lindberg vuelve para grabar su voz en el nuevo album y Randy Bradbury debe abandonar el grupo. A pesar de esto, Randy contribuye en el nuevo disco con la grabación del bajo en la mayoría de las canciones. El resultado será Unknown Road, trabajo mayor consistencia y con mejor trabajo de producción.
Sin embargo, el auténtico momento de esplendor, tanto para lo bueno como para lo malo, lo traerá su nuevo disco About Time. Maduran el sonido con canciones tremendamente energéticas y cargadas de contenido y letras positivas. Aumentan significativamente las ventas en el mercado independiente. En esta época y gracias al éxito de Offspring y Green Day las multinacionales se interesan por ellos, pero deciden seguir en Epitaph, la compañía que les ayudó en un principio.
Los problemas de Jason derivados de su adicción al alcohol, le obligan a retirarse del grupo en un intento por reordenar su vida y curarse de su adicción. De nuevo, Randy Bradbury vuelve al grupo reemplazando a Jason en el bajo. Pero el 29 de julio de 1996 y mientras el resto del grupo se encontraba de gira, Jason se suicida de un disparo en el pecho. Los componetes del grupo defienden la idea de que fue un trágico accidente, ya que Jason iba muy borracho cuando se disparó como para ser consciente de lo que hacia, y por que Jason, no era la clase de persona que haría algo así. La muerte de Jason constituye un jarro de agua fría a la carrera musical de la banda, ya que sus componentes quedan muy tocados por su perdida. Parece que el grupo ha llegado a su fin y piensan en abandonar. Pero a pesar de las dificultades, vuelcan todo su esfuerzo en un nuevo disco con Randy Bradbury definitivamente a cargo del bajo. Full Circle es un disco que no varía el estilo que los caracteriza, aunque es el más duro y rápido de toda su carrera y sus letras son más oscuras y personales. La acogida por parte de sus fans es muy buena y para muchos éste es su mejor trabajo, ya que en todo el disco se puede sentir la rabia por la muerte de Jason.
En 1999 un nuevo disco llamado Straight Ahead. Con un disco muy trabajado y con el mismo estilo de siempre, el single "Alien" comienza a dar fuerte en las emisoras de Los Ángeles y con otros temas como "Might be dream", "American dream", "One voice" el disco es un éxito.
Y desde entonces otros tres discos más han visto la luz: Land of the free? en el 2001, From the Ashes dos años más tarde y el último, y octavo disco de su carrera, The Fuse (2005).
Pennywise - About Time
Tracklist:
1. Peaceful Day 2. Waste Of Time 3. Perfect People 4. Every Single Day 5. Searching 6. Not Far Away 7. Freebase 8. It's What You Do With It 9. Try 10. Same Old Story 11. I Won't Have It 12. Killing Time
Año: 1995 Duración: 32:07 Procedencia: USA Productor: Jerry Finn / Brett Gurewitz
Hasta finales del año pasado no había escuchado nada de este grupo, a pesar de que ya llevan juntos desde hace casi 15 años. Escuche esté su último disco, y me gusto desde el primer momento, ya que en ciertas canciones me recordaban a Dinosaur Jr.. Como visteis, finalmente lo incluí en mi lista de discos favoritos del año pasado.
BUILT TO SPILL
Doug Martsch formó Built to Spill en 1992 con Brett Netson y Ralf Youtz que completaron la formación inicial del grupo. En una entrevista con la revista Spin, Martsch dijo que su intención era cambiar de formación en cada disco, manteniéndose él mismo como único miembro permanente. Tras su primer disco, Ultimate Alternative Wavers (1993), la idea de cambiar de formación se mantuvo y tanto Netson como Youtz fueron reemplazados por Brett Nelson (no confundir con Netson) y Andy Capps para su segundo disco There's Nothing Wrong With Love en 1994. Sacaron después el recopilatorio The Normal Years, con grabaciones sacadas de los dos tríos en 1996. Tras sacar dichos discos el grupo ganó gran notoriedad al participar en el festival Lollapalooza de 1995.
Martsch firmó con Built to Spill para el sello de la Warner en 1995. No como les sucede a otros artistas que firman con multinacionales, la Warner le permitió mantener casi todo el control creativo sobre los discos futuros. Built to Spill sacó su primer disco para una multinacional el 1997, Perfect From Now On. A esas alturas el grupo lo formaban Martsch, Nelson, Netson, y Scott Plouf. Perfect From Now On tuvo un gran éxito dentro de la crítica especializada y convirtió a Built to Spill en uno de los grupos más importantes y destacados dentro del panorama indie rock americano. En 1999, el grupo sacó Keep It Like a Secret que mantuvo un gran éxito de crítica y por primera vez éxito comercial. Tras la petición de los fans en 2000 sacaron su primer disco en diecto, Live. El quinto disco de estudio del grupo, Ancient Melodies of the Future, salió al mercado en 2001. Martsch además grabó Now You Know, un disco en solitario con elementos de blues y de folk, en 2002.
Muchos fans temieron que el grupo no sacara más discos tras el Ancient Melodies, ya que no habían vuelto a tocar desde 2003 o dieran señales de actividad, sin embargo en Marzo de 2005, Built to Spill se embarcaron en una gira de primavera/verano y confirmaron los rumores de que sacarían un nuevo disco llamado You In Reverse, que vería la luz en abril de 2006. La formación del grupo en este caso sería Martsch, Nelson, Plouf, y Jim Roth con la aportación de Sam Coomes en los teclados del disco.
Built To Spill – You In Reverse
El grupo de Idaho, claros herederos directos tanto de Crazy Horse como de Neil Young, no andan precisamente cortos de grandes canciones en su repertorio, pero aún así este You In Reverse puede colarse sin problemas entre lo mejor de su carrera. Cortes tan perfectos como Liar, dignos de los primeros R.E.M., tienen parte de culpa, así como el sonido que han conseguido arrancar de unas guitarras que ya desde el primer acorde de Goin' Against Your Mind nos permiten intuir que algo grande se avecina durante los siguientes 54 minutos que dura el álbum.
Perfecto exponente de disco que crece con las escuchas hasta crear adicción, presenta en su conjunto largos desarrollos en los que perderse gustosamente, instrumentación desbordante sin caer en el paroxismo, melancolía profundamente arrebatadora e intensidad, mucha intensidad. Que hace falta suspender todo en el aire, ahí está Saturday; que lo que pide el cuerpo es rabia y contundencia, pues Mess With Time nos lo da. Canciones de las que ya escasean, como Traces, y riffs de guitarra por los que muchos compositores matarían, como la muy J. Mascis Conventional Wisdom, hacen de este ‘You In Reverse’ uno de los largos más recomendables del año, con poco margen para la duda.
Tracklist:
1. Goin' Against Your Mind 2. Traces 3. Liar 4. Saturday 5. Wherever You Go 6. Conventional Wisdom 7. Gone 8. Mess With Time 9. Just a Habit 10. The Wait
Año: 2006 Duración: 54:18 Procedencia: USA Productor: Doug Martsch / Steve Lobdell
Sin duda Johnny Cash pertenece a aquellos músicos míticos que han pasado a la historia. Fallecido hace más de 3 años, se fue por la puerta grande, con un último disco, lleno de grandes canciones, entre ellas versiones de The Beatles, Nine Inch Nails o Depeche Mode. (Cusco, gracias por el disco!)
JOHNNY CASH
En los 90 Cash entra dentro de American Recordings, donde volvió a alcanzar altos niveles de popularidad. El respeto y admiración de artistas que han mamado de su música (Rolling Stones, U2, etc.) se suma la producción de la saga discográfica Américan Recordings. En su último disco The Man Comes Around, Cash alcanzó nuevas cotas musicales. El disco fue grabado con Rick Rubin (conocido por su trabajo con Beastie Boys, Red Hot Chili Peppers o Tom Petty) entre Los Ángeles y los estudios de Johnny en Tennesse. Excepto el gran tema Danny Boy el cual fue grabado dentro de la catedral episcopal de la ciudad californiana. Toda una obra de arte.
Los problemas de salud y de diagnóstico de su enfermedad (síndrome de Shy-Dregger, una variante del Parkinson) hicieron que para Cash la grabación del disco estuviese basada en el sacrificio personal. Como el propio Johnny comentó: “Dicen que ahora tengo neuropatía autonómica,” comenta. “No tengo ni idea qué significa, salvo que me estoy haciendo viejo. Me he sobrepuesto con voluntad. He encontrado las fuerzas para hacer este disco sólo para alejar el mal de mí. A veces iba al estudio sin voz, cuando podía haberme quedado en casa, pero no quería que fuera así. Llegaba, abría la boca e intentaba que saliera algo. Grababa cuando era la última cosa en el mundo que podía hacer. Y éstas son las canciones que tenían el fuego, el sentimiento, el fervor y la pasión. Hay mucha fuerza que sale de esa debilidad.”
Aun a pesar del sufrimiento, Cash y Rubin dieron con la clave de un buen trabajo. Con canciones como las versiones de Depeche Mode (Personal Jesús), NIN (Hurt), etc. y colaboraciones excepcionales (Frusciante o Nick Cave). Todos le deben algo al maestro.
Y esta fue su última creación, su último recuerdo,...una música basada en la sencillez, con su toque personal tanto de voz como de guitarra. Un genio que mostró la música desde las entrañas, desde lo más hondo del alma.
Johnny Cash – American IV: The Man Comes Around
Tracklist:
1. The Man Comes Around 2. Hurt 3. Give My Love To Rose 4. Bridge Over Troubled Water 5. I Hung My Head 6. First Time Ever I Saw Your Face 7. Personal Jesus 8. In My Life 9. Sam Hall 10. Danny Boy 11. Desperado 12. I'm So Lonesome I Could Cry 13. Tear Stained Letter 14. Streets of Laredo 15. We'll Meet Again
Año: 2002 Duración: 51:55 Procedencia: USA Productor: Rick Rubin
Primera recomendación del 2007, y una muy personal. Se trata de uno de mis discos favoritos desde hace mucho tiempo: el segundo disco de Radiohead titulado The Bends. Fue el disco con el que descubrí este grupo, y solo puedo recomendarlo enérgicamente, sobre todo a aquellos que no pueden con los Radiohead más electrónicos...
RADIOHEAD
Radiohead son originarios de Oxford, los cinco miembros de la banda, procedentes de familias de clase media, se conocieron a mediados de los ochenta en Abingdon School, una pequeña ciudad cercana a Oxford. Los componentes de este quinteto son Thomas Edward Yorke(1968), voz, compositor, guitarra, piano y realiza las portadas de sus discos. Fue a la Universidad de Exeter donde estudió Bellas Artes y Literatura inglesa. Jonathan Richard Guy Greenwood (1971), que toca casi todos los instrumentos. Edward Jhon O'brien (1968), estudió Ciencias Políticas en Manchester y es segunda guitarra y voz. Colin Charles Greenwood (1969), hermano de John, toca el bajo y es licenciado en Literatura inglesa por la universidad de Cambridge. Por último, Philip James Selway (1967),bateria, estudió Ingles e Historia en el Liverpool Polytechnic.
El nombre de Radiohead está sacado de una canción de Talking Heads, del album True Storis. El primer nombre de la banda fue "On a Friday", y su primera grabación fue The Drill EP en mayo de 1992. Los fichó el sello Parlophone, entrando en los circuitos de directos, como cualquier banda inglesa. Pablo Honey fue su primer LP que incluía Creep, la canción con la que dieron la vuelta al mundo, varias veces y que fue grabada casi por error.
Una crítica controvertida, prohibiciones de sus canciones en ciertas emisoras, todo esto hizo que entraran a formar parte de ese pequeño gremio de músicos de alto standing, llamados de culto, comenzando a su vez a vender discos. Afinan sus directos y desde entonces son uno de los grupos que más conciertos hacen por año.
Un segundo EP My Iron Lung, y un segundo LP The Bends, considerado por la crítica el mejor álbum del año, y una creciente bandada de seguidores fieles (que se incrementó con la salida de su tercer álbum, “OK Computer” en mayo del 97), hace que las críticas para “The Bends” fueron buenas, (¿por qué rara vez se critica mal un disco que vende?), consiguiendo entrar entre los mejores discos del momento en todas las revistas especializadas del mundo y entrando en las listas de ventas. Cosechan el número uno en UK, Irlanda, Alemania o Noruega y el puesto 21 en EE.UU., disco de oro en Canada, Nueva Zelanda e Irlanda y platino en UK.
La compañía de discos, por fin apuesta por ellos, a pesar de que tanto el contenido del disco como los videos promocionales han sido calificados de "comercialmente suicidas". Agridulces poemas de desamor y duras críticas contra una sociedad con la que no se sienten identificados, se mezclan con una música igualmente agridulce, donde destaca la impresionante voz de Thom.
El éxito absoluto lo consiguen con OK Computer, considerado por muchos como el mejor disco de los 90’. Es un adelanto de cómo sonará el rock dentro de dos siglos, por lo menos. Melodías sobrecogedoras con cambios de ritmo alentadores y una calidad de sonido impecable. The Bends siempre fue el aperitivo de lujo que precedía al plato fuerte. En OK Computer,desde luego que hay momentos que pueden producirle a uno una cierta descompresión pero también existen instantes inexplorados y tan virginales, que es inevitable creer el resto de las bandas del planeta están todavía a años luz de Radiohead.
En el 2000 se edita Kid A, donde el grupo ya se ha identificado consigo mismo, renunciando por completo al presente que le envuelve. Radiohead han llegado al punto en que su música personaliza la emoción. Esta concordancia consigo mismos se nota en el acabado del álbum y lo que es capaz de retransmitir a los oyentes. La sinceridad de su música lleva a Kid A a encumbrarse en lo más alto de las listas de ambos lados del Atlántico.
Sin apenas haber saboreado Kid A a mediados de 2001 editan Amnesiac. El disco incluye algunas canciones grabadas durante las sesiones de estudio de Kid A, pero al grupo no le gusta expresarlo así; prefiere considerarlas como temas nuevos, se trata de composiciones tan interesantes como cualquier otra de Ed O'Brien anticipó mientras grababan Amnesiac que era un álbum más parecido a lo que hacían en la época de The Bends, y que intenta escapar de los aires conceptuales de trabajos como Ok Computer o Kid A.
Mientras realizaban la gira de Amnesiac la banda compuso nuevo material entre julio y agosto de 2002. Usando esa oportunidad para terminar sus canciones ante sus fans, la banda completó el álbum en tan solo dos semanas, en un estudio de Los Angeles con Nigel Godrich; realizando solo unas grabaciones adicionales posteriormente en Oxford. De acuerdo a unas entrevistas, la banda estaba buscando bajar sus tendencias perfeccionistas y lograr un sonido más “en vivo”.
La banda lanzó su sexto y por ahora último álbum, Hail to the Thief, en junio de 2003. El disco es considerado como un intento de destilar sus sonidos más electrónicos y experimentales y combinarlos con el rock guitarrero de sus primero álbumes. Con 14 canciones y casi una hora de duración, es el disco más largo de Radiohead.
Radiohead – The Bends
The Bends es su obra de arte rock. Lejos aún de explorar su fascinación por la música electrónica, consumaron un puñado de canciones de una desafiante aunque frágil identidad, y lo que es más importante, podían hacer bailar con ellas a todo un estadio.
Todos los temas llaman la atención, todos ellos son lo suficientemente sólidos para ser versionados por musicos callejeros, para ser cantados en voz baja y con guitarra acústica o para ser tocados a todo volumen por una banda al completo. Bones, Just y My Iron Lung (un single grabado en directo, expcepto la sección vocal) siguen poniendo en pie a la gente cuando los tocan. Después está el lado más tranquilo: el delicioso sarcasmo suave de (Nice Dream), el soñoliento Bullet Prof, o el tema que cierra el álbum, de un aire falsamente hippie. “Inmerse your soul in love”, dice Yorke en una de las mejores interpretaciones que ha grabado hasta la fecha.
Visualmente hablando, The Bends es un revoltijo, la cubierta muestra a un muñeco de hospital para prácticas de resucitación. Era posiblemente un signo de las cosas que estaban por venir, pues sus últimos álbumes serían incluso más abstractos. Sin embargo en 1995, como mínimo, el sonido Radiohead era bastante más sencillo y devastadormente efectivo. Se podría considerar el sonido de una edad de oro musical.
Tracklist:
1. Planet Telex 2. The Bends 3. High & Dry 4. Fake Plastic Trees 5. Bones 6. (Nice Dream) 7. Just (You Do It To Yourself) 8. My Iron Lung 9. Bullet Proof...I Wish I Was 10. Black Star 11. Sulk 12. Street Spirit (Fade Out)
Aquí encontrareis recomendaciones de discos que llevan consigo una descarga directa, con el único propósito de compartir la música, y dar a conocer los grupos que más me gustan. Si te ha gustado algún grupo, intenta apoyarles comprando el disco o asistiendo a sus conciertos. Para cualquier cosa, podéis dejar un comentario.
