Depeche Mode

No es que sea un gran seguidor de Depeche Mode, ya que casí nunca he indigado más allá de sus singles (por cierto, la mayoría, excelentes). El único disco que tengo suyo es el Violator, el que seguramente sea su disco clave, y en el que se encuentran dos de sus mayores éxitos, Personal Jesus y Enjoy the Silence.

DEPECHE MODE

Cuentan que a partir de ese momento Martin Gore se tornó mucho más oscuro, que sus composiciones dejaron atrás cualquier resabio de frivolidad ochentera para dar paso a melodías más sobrias y estremecedoras. No por ello dejaría de ser todo un éxito el disco. Prácticamente todos sus títulos se convertirían en singles, siendo así uno de los discos más exitosos de la música electrónica o, si lo prefieren, uno de los más inteligentes del pop ingles.

Quizás nos estemos refiriendo a la opera magna en la carrera de Depeche Mode. Una producción impecable, la combinación Flood-Gore no pudo ser más correcta. David Gahan afina su voz de lujo para lograr tonalidades memorables, tonalidades que demarcan un estilo irrepetible. Este disco sin duda es la más dulce de las perfecciones. Un disco accesible que cualquier amante del buen pop agradecerá por siempre. En él se encuentra el punto justo de una electrónica pertinente que no pecará de ningún exceso. Quizás por esto algunos han visto en Gore un genio absoluto, no sólo a nivel musical sino a nivel ideológico, demostrando que las teclas de un sintetizador son algo más que un empeño lúdico.

Las letras, cortesía de Gore también, se adecuan perfectamente a las melodías y uno las puede tener en resonancia aún mucho después de haber escuchado el disco. No sé cómo lo lograron, pero aquel sonido acartonado y engañosos que balbuceaban los muchos teclados de los ochenta aquí se comporta de una manera perfectamente sobria, al punto de creer que estamos escuchando una música atemporal. No dudo que en esto haya tenido mucho que ver la increíble cabeza de Flood (el productor de productores).

A mí que me encanta especular se me ocurre que si Chopin hubiese tenido en su haber las posibilidades que hoy tiene Gore, notas muy parecidas a las de “Violator” estuviésemos ahora escuchando del andrógino polaco. Se trata –y si no que me lo refuten- de un disco pleno de bellos nocturnos y de melodías simples aunque de una entereza inigualable. A quien no de crédito a mis palabras pues simplemente lo remitiré a piezas como Waiting for the Night –música del eterno nocturno- o Enjoy the Silence –la única banda sonora que pudiésemos imaginar para un Conticinio (horas de la noche en que reina el silencio).

En fin, un disco que recomiendo para “esperar la noche” y abandonarse a sus estancias, para soñar sin dormir o para despertar en un sueño. Por ello, siguiendo lo que he dicho antes, añadiría que si “El Sueño” de Sor Juana Inés de la Cruz fuese la letra de un nocturno electrónico de Chopin, “Violator” de Depeche Mode sería sin duda el resultado. Así de implacable es la regla de tres que les propongo.

Depeche Mode – Violator

Tracklist:

1. World in My Eyes
2. Sweetest Perfection
3. Personal Jesus
4. Halo
5. Waiting For The Night
6. Enjoy The Silence
7. Policy Of Truth
8. Blue Dress
9. Clean

Año: 1990
Duración: 47:02
Procedencia: Inglaterra
Productor: Depeche Mode / Flood


Descarga: Violator


No pongo videos de Enjoy the Silence o Personal Jesus, ya que son más que conocidas. Dejo por eso el video que hicieron para Policy of Truth, que también es un gran tema:

Nirvana

Hoy, el último disco de estudio de Nirvana, que en mi opinión fue un gran paso adelante en su carrera; sobre todo después del bombazo que supuso Nevermind. Siempre me he preguntado como habría sonado el siguiente disco de la banda...

NIRVANA

Si Nirvana querían dejar claro que no iban a dejarse manipular por la industria a la hora de componer la secuela de Nevermind, se puede decir que lo consiguieron. Desde el principio dejan las cosas en su sitio. El primer single fue Heart-Shaped Box, que no es precisamente lo que se entendía en 1993 (ni ahora) por una canción para radiofórmula. No hay que equivocarse, es buenísima, pero no encontramos un estribillo contagioso, sino una agresividad cercana a Bleach, pero con mayor complejidad y calidad. La línea de bajo que domina la canción fue, según Cobain, una de las mejores aportaciones del carismático Chris Novoselic para Nirvana.

La sección rítmica formada por Novoselic y Grohl (una bestia a la batería) era menos pixie, tenía menos oportunidad de lucimiento (sobretodo el bajo), y estaban más al servicio de la contundencia de las canciones, como muestra la citada Heart-Shaped Box o la brutal Scentless Apprentice, que es la primera muestra palpable que hay en el disco de que el trio de Seattle iba a espantar a todos los que se apuntaron al carro de Nevermind porque "estaba de moda".

La verdad es que no puede entenderse In Utero sin la existencia de Nevermind y su éxito (eso pasa en casi todas los discos, pero este es un caso especial). Para Cobain, las mezclas que hizo Andy Wallace y la producción de Butch Vig en su anterior LP restaron crudeza al trabajo, haciéndolo demasiado accesible. Visto desde su punto de vista, es lógico que tuvieran sus quejas, ellos eran un grupo que venía de la escena punk, de lo sucio, de lo espontáneo, de aquello que Iggy Pop llamó y bautizó como el Raw Power, pero para el oyente medio eso daba igual, porque las canciones eran tremendas.

En In Utero, el rastro pop decrece, la producción es algo más sucia (cortesía de Steve Albini), pero el sonido es tan potente como era en Nevermind, y las canciones ganan en visceralidad. Se detecta el cabreo del grupo con la exagerada situación que vivían, y se puede percibir claramente en una canción como Rape Me, el tema más comercial (fórmula Nevermind: Riff + Calma + Estribillo Enérgico), que con ese título quedó vetada para ser single.

In Utero es otro de los grandes clásicos de la década de los 90's sin lugar a dudas. A pesar de ser desprestigiados por parte de la prensa, por haber tenido éxito tocando apenas cuatro acordes, nadie puede negar que las composiciones eran brillantes, sobretodo en este LP (Frances Farmer..., All Apologies, etc.), con su añorada y lógicamente imitada mezcla de punk (The Stooges, Sex Pistols), hard-rock (Black Sabbath) y pop (Beatles, Pixies).

Nirvana - In Utero

Tracklist:

1. Serve The Servants
2. Scentless Apprentice
3. Heart-Shaped Box
4. Rape Me
5. Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle
6. Dumb
7. Very Ape
8. Milk It
9. Pennyroyal Tea
10. Radio Friendly Unit Shifter
11. Tourette's
12. All Apologies


Año: 1993
Duración: 41:11
Procedencia: USA
Productor: Steve Albini

Descarga: In Utero


El siguiente video recoge canciones de un mini-concierto que (creo) dieron para la MTV. Las canciones que aparecen son Radio Friendly Unit Shifter, del In Utero, y Drain You del Nevermind:

Recopilatorio 1990-2007

Mientras consigo que mi ordenador vuelva a funcionar correctamente, solo he podido preparar un pequeño recopilatorio este fin de semana. Justamente uno que había hecho para el coche, y que incluye una canción por año, desde el año 1990 hasta el 2007. Eso si, sin repetir grupo, y en líneas generales, muy rockero. Este es el tracklist:

1990: Alice in Chains - We Die Young

1991: Nirvana - Breed

1992: Rage Against the Machine - Know Your Enemy

1993: Pearl Jam - Animal

1994: Nine Inch Nails - March Of the Pigs

1995: Smashing Pumpkins - Tales Of A Scorched Earth

1996: Tool - 46 & 2

1997: Foo Fighters - Monkey Wrench

1998: Queens Of The Stone Age - Mexicola

1999: Skunk Anansie - The Skank Heads

2000: At the Drive-In - One Armed Scissor

2001: System Of A Down - Needles

2002: Fu Manchu - California Crossing

2003: Muse - Hysteria

2004: Incubus - Leech

2005: Cave In - Trepanning

2006: Wolfmother - Joker & the Thief

2007: Wilco - Impossible Germany

Descarga: Recopilatorio 1990-2007

Thrice

Curioso lo que se avecina del grupo californiano Thrice – su siguiente trabajo será un disco cuádruple, en el que cada uno de los EPs representará un elemento de la naturaleza (aire, fuego, agua y tierra). La verdad es que uno puede esperar grandes cosas, sobre todo con el buen último disco que se marcaron hace ya dos años, y que hoy recomiendo (mientras esperamos al nuevo :) )

THRICE

Algunas bandas a pesar de cosechar un excelente éxito con la fórmula que han venido usando desde siempre deciden en algún momento de su carrera enfocar las cosas de otra manera y visitar nuevos senderos que en ocasiones resultan adecuados y en otras no. Afortunadamente estamos ante un cambio positivo desde mi punto de vista. Vheissu es el último y cuarto disco del cuarteto californiano, precedido del aplastante éxito que tuvo el anterior LP de la banda y acompañado de una gran expectación. Dustin y los suyos vuelven a firmar un disco redondo, como ya nos tení­an acostumbrados, aunque quizás los que buscaban una continuación del The Artist in the Ambulance se hayan quedado con un mal sabor de boca y necesiten varias escuchas para digerir mejor esta nueva entrega.

Thrice es una banda que a estas alturas ya tiene todo el respeto y admiración ganados dentro de la escena de su paí­s y que salvo tropezón inesperado hubiese llegado a decepcionar. Vheissu es toda una novedad que nos aleja de su antiguas composiciones y se centra más en la búsqueda de emociones más profundas y letras más tratadas, es un disco muy rico instrumentalmente y que utiliza elementos a los que el grupo no nos tení­a acostumbrados, todo ello acompañado de una atomósfera que personalmente aún no habí­a encontrado en trabajos anteriores. El grupo se aleja de un estilo en los que ellos mismos han creado escuela y actualmente saturado por copias de copias y juega con composiciones propias de formaciones como Muse. Desde mi punto de vista es un cambio similar al que dieron Deftones con su White poney, para que os hagáis una idea.

La encargada de abrir es Image Of The Invisible, un auténtico himno que deja patente la nueva dirección que ha tomado el grupo y que seguro se convertirá en una de las imprescindibles en los futuros directos, muy pegadiza. A medida que nos vamos sumergiendo en el disco nos encontraremos con cortes muy emotivos como por ejemplo Between The End And Where We Lie, otros riquí­simos y mas delicados como Atlantic o For Miles, este último con mas que palpables influencias de Muse. No han renunciado a la rabia que contení­an sus primeros trabajos y nos lo demuestran en Hold Fast Hope, tema que me recuerda a la onda que tení­a el grupo en su The illusion of safety. El buen hacer y la experimentación siguen apareciendo en geniales canciones como Music Box o Red Sky, a esta altura del disco ya nos damos cuenta del positivo cambio de actitud y de ideas, no quiero decir que no sea simpatizante de los antiguos Thrice, es una banda que siempre me ha encantado, pero el ver que se consiguen superar haciendo cosas nuevas le añade un reconocimiento extra a este disco.

Es un LP redondo y absolutamente todos los temas merecen atención. Aunque en una primera toma de contacto parezca un poco denso y cargado lo cierto es que tras escucharlo detenidamente durante un tiempo te irás dando cuenta de que se trata de un discazo en toda regla en el que a cada escucha descubrirás cosas nuevas. La polémica esta servida y ya son muchas las discusiones sobre la nueva orientación de la banda, lo que no se puede negar es que un disco trabajadí­simo, que aunque se aleje de todo lo que habí­a hecho Thrice en el pasado contiene excelentes canciones y mucha madurez.

Thrice – Vheissu

Tracklist:

1. Image Of The Invisible
2. Between The End And Where We Live
3. The Earth Will Shake
4. Atlantic
5. For Miles
6. Hold Fast Hope
7. Music Box
8. Like Moths To Flame
9. Of Dust and Nations
10. Stand And Feel Your Worth
11. Red Sky

Año: 2005
Duración: 49:14
Procedencia: USA
Productor: Steve Osborne


Descarga: Vheissu


Red Sky en directo en las AOL Sessions:

Death Cab For Cutie

Buen grupo estos Death Cab For Cutie, aunque últimamente los tengo un poco olvidados. Será porque su último disco (Plans, publicado hace 2 años) me dejo algo frio. Eso si, el Transatlanticism, que hoy recomiendo, sigue siendo una autentica joya. De hecho, fue con este disco con el que les llegue a conocer. Esperemos que pronto publiquen material nuevo, aunque me parece que Ben Gibbard vuelve a estar trabajando en The Postal Service...

DEATH CAB FOR CUTIE

No debe dejar de ser triste, al menos para el artista creo yo, que toda la expectación creada alrededor de la publicación de un disco se deba en gran medida no a la posible calidad de esta nueva obra, sino a cómo ha podido verse influida por la colaboración de uno de sus miembros en un proyecto paralelo. Esto es más o menos lo que ha pasado con el cuarto disco (quinto si contamos un recopilatorio) publicado por Death Cab For Cutie, este Transatlanticism, tras la colaboración de su líder Ben Gibbard con Jimy Tamborello en el proyecto The Postal Service.

Había mucha curiosidad o expectación por ver como había podido influir esta colaboración a la hora de componer las nuevas canciones de DCFC, pensando la gente que este nuevo álbum presentaría un giro electrónico en las nuevas canciones. Pero Ben Gibbard ha demostrado que tanto un proyecto como otro no tienen nada que ver, y con la excepción de Title and Registration, con una pequeña base que podría recordad a The Postal Service , nos ofrece, sin lugar a dudas, uno de los mejores discos de indie pop del año.

En este disco se nos presenta una banda en plena madurez creativa. Una obra de marcado espíritu introspectivo y melancólico donde las canciones van tejiendo un manto de los sentimientos y las miserias del ser humano, convirtiendo a Ben en uno de los mejores cronistas de su generación. Unos temas donde se nota una energía contenida apunto de explotar, una intensidad latente que deja al oyente sin capacidad de reacción y que demuestra una capacidad de encauzar todo el torrente de creatividad que fluye en el grupo.

Desde el inicio con ese fantástico tema que es The New Year, hasta los siete minutos de la delicada “Transatlanticism” con un crescendo progresivo que desemboca en final épico, el disco se mueve entre guitarras suaves o contundentes, melodías delicadas y tristes (Death of a Interior Decorator) o animadas y exultantes (The Sound of Settling), largos desarrollos de piano (Passanger Seat); pero siempre guiadas por la segura mano y la bonita voz de Ben Gibbard.

Un disco donde el grupo por fin saca a relucir todo su potencial, tanto compositivo como interpretativo, que contentara a todos sus seguidores y que tendría que hacer callar a muchos de sus detractores. Un punto y aparte en su carrera y que los coloca en una inmejorable posición para saltar a la primera división del pop americano.

Death Cab For Cutie – Transatlanticism

Tracklist:

1. The New Year
2. Lightness
3. Title And Registration
4. Expo '86
5. The Sound Of Settling
6. Tiny Vessels
7. Transatlanticism
8. Passenger Seat
9. Death Of An Interior Decorator
10. We Looked Like Giants
11. A Lack Of Color


Año: 2003
Duración: 44:09
Procedencia: USA
Productor: Chris Walla


Descarga: Transatlanticism


Una de mis favoritas del disco, Title And Registration, en directo en el show de Mcnroe:

Incomunicado

Desde la semana pasada estoy sin ordenador en casa, con lo cual me es imposible en estos momentos actualizar el blog. Espero tenerlo arreglado cuanto antes, y seguir recomandando algunos discos más...

(mientras tanto voy a escuchar los nuevos discos del Boss y de los Foo)

Refused

Uno de los discos de culto de los años 90, y que se recordará durante mucho tiempo, sin duda es el Shape Of Punk To Come de los suecos Refused. Al principio puede resultar un disco chocante, pero esa mezcla frenética entre hardcore y punk, hacen de él un disco imprescindible. El mismo grupo sabía que no serían capaces de superarlo, y poco después se separaron.

REFUSED

Hace ya diez años de la salida de este disco y cada día la gente habla más de él. Y es lógico, porque seguramente toda la escena screamo y emo de hoy en día probablemente no existiría de no haberse publicado. Fue este el disco que asentó las bases de uno de algunos de los estilos de más exito en los últimos años, y sobre todo fue la gran revolución del hardcore, la reinvención de un sonido que se estaba ahogando en sí mismo desde hacía años (con la excepción de Snapcase, otros revolucionarios, los grupos de hardcore de esta época pasaba por sus horas más bajas).

Refused. Dennis Lyxzén, Kristofer Steen, David Sandstrom y Jon Brännstrom, naturales de Umea, Suecia, hicieron historia en 1997. No sólo fue el año de la publicación de su obra maestra, sino también el de su separación. Separación que llegaría por la convicción de todos sus componentes de que no podrían superar aquello tan apoteósico que habían creado. El grupo había derivado en un colectivo de movilización social y su cantante, Dennis Lyxzén, en un nuevo filósofo neomarxista (de hecho el libreto de este disco dontiene un ensayo firmado por el grupo), así que la banda tuvo que cargar con la etiqueta de banda política durante sus últimos años. El final del grupo, pues, no podía ser más acertado: acabó con la suspensión por parte de la policía de su último concierto en la segunda canción.

Pero hablemos de música. Refused, junto a Snapcase, lideraban una reinvención del hardcore a mediados de los años 90: se pretendía incorporar nuevos elementos para desmarcarse un poco del sonido old school tran trillado desde los años 80. Las obras de estos dos grupos rayaban a gran nivel, pero con este disco se consumó el cambio. A partir de entonces, miles de grupos en todo el mundo se dieron cuenta de las posibilidades de un estilo que se creía muerto, y dio lugar a otro nuevo: el post-hardcore.

El disco es prácticamente perfecto, no sólo es compacto sino también variado, algo que es difícil equilibrar. Tenemos pildorazos punk como Protest Song ‘68, Refused Party Program, The deadly rhythm o Refused are Fucking Dead, medios tiempos como The Apollo Program Was a Hoax o Liberation Frequency, hits en potencia como Summerholidays vs. Punkroutine y The Shape Of Punk To Come, auténticas bizarradas sónicas como Tannhäuser/Derivè y, sobre todo, una canción que pasará a la historia como himno generacional por bueno y por revolucionario (tanto en lo musical como en lo no musical): esa genial New Noise. Si después de escuchar todo te quedas indiferente no eres una persona, eres un cactus.

Refused – The Shape Of Punk To Come

Tracklist:

1. Worms Of The Senses/Faculties Of The Skull
2. Liberation Frequency
3. The Deadly Rythm (Of The Production Line)
4. Summer Holidays Vs. Punk Routine
5. Bruitist Pome #5
6. New Noise
7. Refused Party-Programme
8. Protest Song '68
9. Refused Are Fuckin Dead
10. The Shape Of Punk To Come
11. Tannhauser/Derive
12. The Apollo Programme Was A Hoax


Año: 1998
Duración: 55:11
Procedencia: Suecia
Productor: Eskil Lövström / Andreas Nilsson / Pelle Henricsson / Refused


Descarga: The Shape Of Punk To Come


New Noise – la CANCIÓN!!

Bruce Springsteen

The Boss is back!!! Pues si, en menos de un mes se pondrá a la venta el nuevo disco de Bruce con su E-Street Band, titulado Magic. Personalmente los discos que más me gustan de él son precisamente aquellos en los que está acompañado de toda su banda. Pero hay un disco suyo en solitario a principios de los 80’, posiblemente menos reconocido, pero una autentica joya – Nebraska. Un disco en el que el Jefe relata 10 historias aplastantemente emotivas.

BRUCE SPRINGSTEEN

Sí el rock es escapismo, tripas e intensidad, entonces, Nebraska, es tan rock como Born To Run, Darkness On The Edge Of Town o The River, pero la austeridad auto impuesta le da a esta placa un carácter fúnebre y primitivo. Springsteen abandona sus historias para contarnos las de otros: la de Joe Roberts, Johnny 99 y la de todos los habitantes anónimos de un disco emblemático en su carrera, donde vuelve al tradicionalismo de Hank Williams para entregar relatos desde el otro lado de la tierra prometida.

En Nebraska no hay esperanza y las imágenes son tan nítidas que estremecen. Springsteen retrata con agudeza el lado oscuro de su país y logra con esto sorprender a propios y a extraños. Tanto sus seguidores como la crítica cayeron rendidos ante a una grabación que se refugiaba en guitarra acústica y eléctrica, harmónica y voces para cantar himnos desesperados sobre gente desesperada. Tremendamente familiar, este disco, incomoda y angustia, demanda porque tiene los fundamentos y desarma en su honestidad y simpleza. Su creador no podía tomar partido y, bajo el alero de todas las canciones tradicionales que lo amparaban, se remitió a ser testigo de escenarios opresivos y salvajes para narrar, desde diferentes ángulos, historias donde la única salida posible era escapar.

Desolación, aislamiento, deudas, huidas, encuentros y desencuentros. Cada canción es, para cada uno de sus personajes, un intento de redención imposible. Aquí habitan hombres que se convierten en asesinos por deudas que no pueden pagar (Johnny 99, Nebraska), otros que intentan huir a pesar de saber que su causa está, de antemano, perdida (State Trooper) y los últimos, la mayoría, son simples habitantes de la desigualdad en busca de algo que los anime a seguir; un nuevo auto usado (Used Cars), una noche en la ciudad (Atlantic City, Open All Night) o el encuentro y la perdida de un ser querido (Highway Patrolman, My Father’s House).

A 25 años de su publicación, Nebraska es pilar de un sonido y una actitud. Un modelo de austeridad y destreza lírica, una obra maestra y un desafío para quien se sumerja en cualquiera de estas diez canciones.

Bruce Springsteen – Nebraska

Tracklist:

1. Nebraska
2. Atlantic City
3. Mansion On The Hill
4. Johnny 99
5. Highway Patrolman
6. State Trooper
7. Used Cars
8. Open All Night
9. My Father's House
10. Reason To Believe


Año: 1982
Duración: 40:50
Procedencia: USA
Productor: Bruce Springsteen

Descarga: Nebraska


Precioso video de Atlantic City:

Spoon

Una de mis últimas joyas descubiertas. Solo había escuchado de pasada su anterior disco (Gimme Fiction), pero es que este nuevo reune temazo tras temazo. La verdad, muy fresco, fácil de escuchar, del que podría decir que ha sido mi disco del verano. Espero que por mucho tiempo!

SPOON

La banda de Austin, Texas regresa con nuevo disco de estudio, un álbum que ya ha arañado algunas posiciones en las listas de éxitos internacionales y que sigue sembrando el floreciente camino de Spoon, que en este trabajo continúa experimentando como ya lo hiciera en sus dos discos anteriores, creando así un universo paralelo, el suyo propio a medio camino entre el pop y rock actual, el sonido retro, las guitarras acústicas y algunos aparatos electrónicos actuales como el pedal o el teclado.

Ga ga ga ga ga, sexto disco de la carrera de Spoon, retoma la parte esencial de sus inicios, cuando las melodías aún no estaban influenciadas por esa dosis de experimentalidad, junto a unos temas efectivos que evidencian que se trata de una de las bandas más representativas de nuestro tiempo, aunque no dejan de lado esa parte más atmosférica que les ha caracterizado y que les sitúa al lado de nombres como los también americanos Wilco. Con Britt Daniel al frente, la banda logra momentos realmente brillantes en este disco, con piezas como Underdog de frondosidad casi barroca, que mezcla las guitarras con instrumentos de viento como la trompeta, Don’t You Evah, quizás uno de los mejores temas del álbum por no decir el mejor, en el que se únen un bajo a la rítmica voz de Daniel dando como resultado una pieza única de aire sensual (curiosamente esta se trata de una canción inédita de sus compañeros de tour, Natural History), o The Ghost en el que el piano y las voces cobran protagonismo.

Por supuesto también hay momentos para retomar Gimme Fiction (2005, Merge), como con el tema de apertura Don’t Make Me A Target, pero ojo!, no estamos ante una prolongación de este álbum, sino que Ga ga ga ga ga es algo más, algo distinto, una nueva aportación a su sonido que si bien se ha ido reposando y volviendo más pop con el paso del tiempo, también es cierto que sabe guardar la originalidad y la esencia de antaño, compuesta por letras inteligentes, estribillos excelentes y melodías bien trabajadas.

Spoon – Ga Ga Ga Ga Ga

Tracklist:

1. Don't Make Me A Target
2. The Ghost Of You Lingers
3. You Got Yr. Cherry Bomb
4. Don't You Evah
5. Rhythm And Soul
6. Eddie's Ragga
7. The Underdog
8. My Little Japanese Cigarette Case
9. Finer Feelings
10. Black Like Me


Año: 2007
Duración: 36:26
Procedencia: USA
Productor: Britt Daniel /Jim Eno / Jon Brion

Descarga: Ga Ga Ga Ga Ga


The Underdog en el show de Letterman:

R.E.M.

Que decir de R.E.M., ¿quién no los conoce? Con tantos años de historia y cantidad de discos editados (uno nuevo a punto de ver la luz), por fin se les concedió el honor este año, de introducirlos en el ‘Hall of Fame of Rock’n Roll’. Y ya iba siendo hora de recomendar algo de ellos. Concretamente el recopilatorio de sus mejores canciones, según ellos, entre los años 88 y 2003.

R.E.M.

Influyente y mítica banda americana surgida en 1980 en el estado de Georgia (EE.UU.), pionera del denominado rock alternativo e inspiración de bandas de desarrollo posterior. En la década de los 70, plena era punk, un estudiante de arte llamado Michael Stipe conoce a un coleccionista de LP´s de los años 60 llamado Peter Buck. Ambos se unen a dos músicos experimentados, Mike Mills y Bill Berry, y comienzan a tocar en pubs locales en la ciudad de Athens. Pronto se expanden por todo el estado y en 1981 firman su primer disco de estudio Chronic Town con la discográfica IRS. Combinando rock-folk y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país.

La primera década de la banda pasa por ser la mejor de su carrera. Su compromiso con el mediio ambiente (en especial con Greenpeace y la catástrofe del Exxon Valdez) se ve reflejada en temas como "Turn You Inside-Out" o el hit "It´s The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)" editado en 1987. Esta canción se convierte especialmente en la melodía icono del grupo y de la juventud americana del momento. Canciones como "The One I Love" o "Begin The Begin" también son dignas de mencionar.

En la década de los noventa la banda explosiona y con el disco Out Of Time y en especial el single "Losing My Religion" (cuyo vídeo fue muy criticado por la iglesia católica). R.E.M. alcanza el estatus de banda de culto en todo el mundo, por delante de grupos como U2 o Nirvana en las listas de ventas. Un año después, en 1992, R.E.M. lanza su disco más experimental, Automatic For The People, considerado como el mejor disco del grupo hasta el momento. En 1994 R.E.M. lanza Monster, un disco mucho más punk y estridente que los anteriores. Su éxito coincide con la muerte de un gran amigo de Michael Stipe, el líder de Nirvana Kurt Cobain. Con Monster el grupo trata con su característica polémica temas como las drogas o el sexo. En 1995, el batería Bill Berry sufre un derrame cerebral que a punto está de acabar con su vida. Berry abandona el grupo y con él se pierde parte del espíritu de la banda. La marcha de Bill Berry afecta a la música de R.E.M., que comienza a entrar en una etapa delicada.

En 1998 lanzan UP, mucho más melódico y sensible. 2001 es el año elegido para lanzar Reveal, y en 2003 deciden lanzar el recopilatorio In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003, que recoge los mejores éxitos del grupo en su etapa con la discográfica Warner. Su último disco salió en 2004 bajo el título Around The Sun, muy influenciado políticamente y cargado de críticas a la política del gobierno americano actual.

R.E.M. – In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003

Dejemos las cosas claras. Hacer una crítica de un disco recopilatorio de REM resulta trivial. Estamos hablando de una de las mejores bandas de la historia del rock y de un disco que recoge las canciones que consideran más importantes de su etapa 1988-2003. Así pues, este In Time resulta muy recomendable para quienes conozcan bien la carrera de los de Athens, e imprescindible para aquellos que no estén iniciados.

Dicho esto y como tenemos que ganarnos el pan de alguna manera, vamos a escarbar un poco a ver que nos encontramos. El motivo de que precisamente haya sido ahora cuando el disco ha salido al mercado parece evidente. Los últimos discos de REM no han tenido, ni de lejos, la acogida que tuvieron aquellos míticos Out Of Time o Automatic For The People a principios de los noventa, y no porque hayan sido malos. Así que la Warner, que en definitiva es una multinacional discográfica que quiere ganar dinero, decide curarse en salud y sacar un recopilatorio con los momentos fundamentales para entender la evolución de esta banda desde finales de la década de los ochenta, abarcando desde su disco Green (1988) hasta Reveal (2001), y añadiendo dos canciones inéditas y otra proveniente de una banda sonora (la edición especial del disco incluye un CD adicional con canciones en directo y rarezas).

Como no es cuestión tampoco de ponernos a alabar a estas alturas joyas como Man On The Moon, Losing My Religion, Everybody Hurts o Imitation Of Life, vamos a centrarnos en los dos cortes inéditos. Bad Day, que ha sido el single de presentación, es una perfecta muestra del sonido más ochentero de la banda, pues el tema – que empezó a componerse en 1986 y se terminó en 2003 – es una especie de primo hermano remozado del It’s The End Of The World. Y la otra inédita, Animal es, según el propio Peter Buck, uno de sus temas más espontáneos y el mejor ejemplo a seguir en el futuro.
Si lo hacen, podemos estar esperanzados; los REM seguirán siendo una de nuestras bandas predilectas.

Tracklist:

1. Man On The Moon
2. The Great Beyond
3. Bad Day
4. What's The Frequency, Kenneth?
5. All The Way To Reno
6. Losing My Religion
7. E-Bow The Letter
8. Orange Crush
9. Imitation Of Life
10. Daysleeper
11. Animal
12. The Sidewinder Sleeps Tonite
13. Stand
14. Electrolite
15. All The Right Friends
16. Everybody Hurts
17. At My Most Beautiful
18. Nightswimming



Año: 2003
Duración: 76:15
Procedencia: USA
Productor: Scott Litt / Pat McCarthy / R.E.M.


Descarga: In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003


Grandioso este video de Imitation Of Life (de los mejores singles en los últimos años) desde su local de ensayo:






Y aquí el video de la bonito discurso que hizo Eddie Vedder en honor a R.E.M., cuando estos fueron introducidos al Hall Of Fame of Rock’n Roll este año:





Y aquí la segunda parte de este discurso, para quien quiera verla entera…

Soundgarden

Superunknown no cabe duda que supuso todo un bombazo para la carrera de Soundgarden, pero no hay que olvidar que ya consiguieron crear otra obra maestra anteriormente. Personalmente pienso que es el disco en el que Cornell está mejor que nunca, tanto por la voz como también a nivel compositivo, con la gran ayuda de sus compañeros.

SOUNDGARDEN

Posiblemente Soundgarden consiguieron plasmar en este disco toda la esencia de su música, aquello que habían estado buscando materializar en sus LPs anteriores y que no acababa de ser realidad. Badmotorfinger debe ser una referencia para todo aquel que quiera saber hacia donde había evolucionado el metal en los 90.

Afilados riffs de Thayil y Cornell (cuya guitarra era cada vez más protagonista). Una base rítmica poderosísima, con Matt Cameron destrozando su batería. Y la decisiva presencia de Ben Shepherd como nuevo bajista del cuarteto (sustituyendo a Yamamoto). Todo ello al servicio de, cómo no, la voz más versátil y poderosa de Seattle: Chris Cornell canta a un nivel insuperable, alcanzando ampliamente cualquier registro.

Y sin embargo Badmotorfinger no puede calificarse como un disco fácil. Más anticomercial que Louder Than Love y menos crudo que, Ultramega OK este 3er LP arrasa con todo en sus primeros cuatro cortes, llegando a un primer cénit con uno de los himnos inmortales de la banda, Jesus Christ Pose. La segunda parte del disco mezcla canciones de ritmo más lento y pesado (Room A Thousand Years Wide) con otras adrenalíticas (Drawing Flies) donde la voz de Cornell se convierte en el quinto instrumento y dirige al resto de la banda a su antojo. Sin duda, el disco más enérgico y visceral de Soundgarden. Obra maestra.

Soundgarden – Badmotorfinger

Tracklist:

1. Rusty Cage
2. Outshined
3. Slaves and Bulldozers
4. Jesus Christ Pose
5. Face Pollution
6. Somewhere
7. Searching With My Good Eye Closed
8. Room A Thousand Years Wide
9. Mind Riot
10. Drawing Flies
11. Holy Water
12. New Damage

Año: 1991
Duración: 58:47
Procedencia: USA
Productor: Ferry Date / Soundgarden

Descarga: Badmotorfinger


Madre mia, que video, y que temazo – Jesus Christ Pose! Grande Matt Cameron...

Battles

Hoy voy a recomendar un disco del que todavía no estoy convencido al 100%, y que sigo intentando digerir de la mejor manera. Se trata del álbum debut de Battles. Mi hermano está mas que encantado con su disco, y por lo que podéis leer en la crítica parece ser que será uno de los discos de los que más de hablará en lo que queda de década. A mí de momento, se me hace muy difícil escucharlo entero del tirón. A ver que os parece a vosotros...

BATTLES

Muy de vez en cuando, un grupo de músicos superdotados es capaz de reunirse y crear algo absolutamente nuevo, un sonido que nunca antes se había escuchado. Casi sin saberlo y con una facilidad pasmosa, Battles ha pasado a formar parte de esa élite con una música tan fuera de tiempo y lugar que se sitúa automáticamente en el extremo derecho de la campana de Gauss. Scott Herren (Prefuse 73) lo vio claro y, tras llevar a los de Nueva York de teloneros, exigió a los capos de Warp su inmediato fichaje.

Tras mover algunas fichas sobre el tablero de la industria musical en forma de EP’s, al fin ha llegado el momento del jaque mate con el esperado primer largo de Battles, el fascinante y poliédrico Mirrored. Un disco tan estratosférico y fundacional que parece destinado a convertirse en la primera guía oficial sobre cómo debe entenderse la música en el siglo XXI.

Hablar de math rock, hip hop, krautrock, electrónica o prog-rock deviene una mera formalidad simplista que no hace justicia a unos temas monumentales en los que la electrónica y las nuevas tecnologías aplicadas a la música se funden con la organicidad y el nervio del rock sin que se noten las costuras. La de Battles es una música eminentemente instrumental y aunque, por primera vez, se utilice la voz, ésta funciona como un instrumento más al emitir sonidos manipulados digitalmente y no articular palabras. La inicial Race:In es el mejor ejemplo para adentrarse en el laberinto; un frenético ritmo de batería de precisión quirúrgica, unos veloces punteos de guitarra y sobre todo ello algo así como el canto de los enanitos de blancanieves de camino al trabajo. Así es el sonido de Battles, una música con marcado carácter de vanguardia que sabe ser divertida y eludir la condescendencia y la pretenciosidad con buenas dosis de humor.

En el single Atlas una voz de dibujos animados se asienta sobre un repetitivo e hipnótico ritmo deudor de las dinámicas metronímicas de Can o Neu! mientras que el groove del hip hop infecta Leyendecker y el bagaje metal del increíble batería John Stanier (Helmet) se filtra en la arrolladora Tonto o en esa Race:Out que tan pronto suena a Metallica como a Tortoise. Porque en los 52 minutos que dura el disco, tantos son los estímulos, las esquinas y los meandros que hay que hacer un auténtico esfuerzo para asimilar todo lo que suena. Como estímulos hay en Rainbow, la canción más larga y compleja del disco en la que se dan la mano King Crimson, Steve Reich, Animal Collective, Lightning Bolt y los cartoons de Hanna-Barbera.

Mucho tienen que cambiar las cosas para que éste no acabe siendo el disco del año y uno de los más importantes de la década.

Battles – Mirrored

Tracklist:

1. Race: In
2. Atlas
3. Ddiamondd
4. Tonto
5. Leyendecker
6. Rainbow
7. Bad Trails
8. Prismism
9. Snare Hanger
10. TIJ
11. RACE: OUT


Año: 2007
Duración: 51:52
Procedencia: USA
Productor:


Descarga: Mirrored


El videoclip del primer single Atlas: