No Surprises!

Bye, Bye No Surprises!

2007-11-30T00:02:00.000+01:00

Después de 16 meses, 178 discos recomendados de más de 100 grupos diferentes, 13 recopilatorios y algunas críticas de conciertos, he decidido poner punto y final a lo que realmente se ha convertido en uno de mis hobbies en el último año y medio. Al mismo tiempo que estoy escribiendo esta última entrada sé que voy a echar de menos todo lo que suponía recomendar un nuevo disco; el pensar cada semana que discos podría recomendar, buscar el video más adecuado, la foto más chula del grupo, y en general intentar vender de la mejor manera un disco.

Me acuerdo todavía como en Agosto del año pasado, y viendo la cantidad de blogs con descargas que me iba encontrando por la red, yo también quería tener uno propio. Está claro que hay blogs con muchas más descargas y mucho más actualizado que el mío, pero habréis notado que siempre he querido ofrecer un descripción más detallada de cada disco, para quién desconociera un grupo/disco, se pudiera hacer una idea más exacta de lo que se podía estar bajando.

Simplemente espero que a lo largo de este tiempo hayáis descubierto al menos un disco del que después dijerais ‘ha valido la pena bajármelo!’. No sé si los discos han sido muy variados, pero estos son los grupos/discos que más me gustan. Creo que no me he dejado a ninguno de mis grupos favoritos sin recomendar. Además me gustaría recalcar que aproximadamente el 85% de todos los discos recomendados los tengo originales en casa; para que luego no sé diga que no apoyamos el mundo de la música :). Siempre comprare aquellos discos que se lo merecen! Esperemos que haya muchos en el futuro…

Y poco más. Muchas gracias a todos los amigos que siempre me han animado a poner más y más discos en el blog, y en general a todo el mundo. Siempre han sido gratificantes los comentarios positivos. Os dejo con unos tres últimos discos fantásticos, cada uno una obra maestra dentro de su estilo, y que resumen muy bien lo que me gusta de la música.

Un placer,
Björn

Radiohead

2007-11-30T00:01:00.000+01:00

Cuando empecé con este blog, siempre supe que el último disco que recomendaría sería este. Contiene por una parte la canción que le da nombre al blog, y sobre todo por lo que ha representado para la música en los últimos 10 años. Solo hay que ver cualquier lista de mejores discos de los últimos años o de la historia (da igual), y siempre está allí. Antes de escucharlo por primera vez pensé: “No será para tanto!”… Pero a lo largo de los años, yo he caído rendido ante todas sus canciones. Para mi, el mejor final del blog posible :)

RADIOHEAD

Sintetizar a los Smiths con Queen suena demencial. Por suerte, las influencias idiosincráticas de Radiohead estaban a la altura de su talento, y su tercer álbum llegó todavía más lejos que su espectacular predecesor, The Bends.

El éxito que les acompañaba desde su temprano hit ‘Creep’ no convirtió al líder Thom Yorke en un hombre feliz. La canción más alegre del disco (Airbag) habla de la “emoción maravillosa y positiva que experimentas cuando te acabas de librar por los pelos de un accidente”.

En otros cortes ruge contra “los negocios y las chorradas” (Electioneering), “estar atrapado” (Let Down) y el “monstruo del armario” (Climbing Up The Walls).
La más gráfica es Paranoid Android, cuyo engañoso título es del libro Guía del autoestopista galáctico. La letra, inspirada en la jet set enloquecida por las drogas, es una evocación espeluznante del caos “caos más jodido” (si bien Yorke afirmó que describía la caída del Imperio Romano).

La belleza de la música mitiga el horro de las letras. Subterranean Homesick Alien es apropiadamente especial. No Surprises es una delicadeza bordada con el órgano de campanas, y Let Down es lo que cabría esperar de una canción grabada en la sala de baile de Jane Seymour (el mismo estudio, en la hermosa Bath, había dado la luz el Wild Mood Swings de The Cure), mientras Lucky (escrita en un principio para un álbum dirigido a los damnificados de la guerra) y en The Tourist exhiben un toque cercano a Pink Floyd.

Abundan las sorpresas sonoras: el loop de batería inspirada en DJ Shadow de Airbag; la époica Paranoid Android, al estilo de Happiness Is A Warm Gun, y Fitter Happier, que recuerda a Stephen Hawking (un Apple Mac programado por Yorke).
OK Computer fue Nº1 en ambas orillas del Átlantico, aunque la banda lo consideraba sobrevalorado. Sigue sonando tan ambicioso y fascinante como en 1997.

Radiohead – OK Computer

Tracklist:

1. Airbag
2. Paranoid Android
3. Subterranean Homesick Alien
4. Exit Music (For A Film)
5. Let Down
6. Karma Police
7. Fitter Happier
8. Electioneering
9. Climbing Up The Walls
10. No Surprises
11. Lucky
12. The Tourist

Año: 1997
Duración: 53:21
Procedencia: Inglaterra
Productor: Nigel Godrich / Radiohead

Descarga: OK Computer

No podía ser de otra manera - No Surprises:

Tool

2007-11-26T22:42:00.000+01:00

Quienes conozcan bien a Tool estarán de acuerdo conmigo de que se trata de una banda fuera de lo común. Sinceramente, no conozco otro grupo con la actitud bajo la que siempre se esconde Tool. Y en cuanto a su música, que decir, que en sus muchos años juntos (ya van casi 15 años), no es que hayan sacado muchos discos, pero los que han sacado son casi todos unas obras de arte. Como decía, pocos grupos se toman los intervalos de tiempo en lanzar un nuevo disco. A veces, los rumores y anécdotas que rodean sus discos son de lo más raras. Os recomiendo que os leáis más abajo las curiosidades de su penúltimo disco Lateralus, el disco que más me gusta de ellos, además de escucharlo si no lo conocéis. Pero ojo, lleva tiempo y hay que saber pillarle el truco al disco/grupo!

TOOL

Para Tool no hay limitaciones de ningún tipo en la creación artística. Con cuatro músicos se bastan para dotar a sus composiciones de una riqueza de sonoridades exclusiva y sorprendente, muy marcada por su estilo pero nada agotadora para el oído (poquísimos artistas son capaces de hacer discos de casi ochenta minutos sin repetirse). Rompen las barreras que suponen los esquemas habituales de las formas musicales modernas, eliminando así todo anclaje posible con lo establecido, lo conocido, lo aceptado: la duración de los temas es generalmente alta, aunque siempre abarcan lo que creen necesario, sean dos minutos o más de diez; la estructura no sólo está alejada de estribillos, sino que es asombrosamente compleja, con singulares ritmos de bajo y batería que cambian cada dos por tres sin perder el rumbo que lleva el tema.

Los largos cortes resultan absorbentes, las introducciones que incluyen de vez en cuando sugerentes. El estilo de Tool no es nada estridente, sino muy melódico, lleno líneas musicales muy trabajadas que se entrecruzan o danzan a la par en las que pocas veces recurren a rock y/o metal de los ruidosos.

La ejecución va más allá de la perfección, resultando sobresaliente en todo aspecto: sincronización absoluta, sonido límpido esculpido por manos que no cometen ni un fallo en sus dificilísimas composiciones, ni tan siquiera en directo, donde son famosos por clavar sus temas. Muy de vez en cuando surgen bandas donde cada componente es un auténtico genio en sus instrumentos, y Tool es una de ellas: la batería de Danny Carey, que utiliza un abrumador set de unos veinte elementos, genera unos ritmos imposibles que evolucionan a la par que el corte, mientras el bajo de Justin Chancellor y la guitarra de Adam Jones se alternan en primer o segundo plano (atención a cuando el bajo se encarga de abrir los temas) con toda su gama de sonidos (utilizan innumerables pedales) de acabado perfecto, mientras la voz de Maynard Keenan hila con sus adecuados cambios de registro las generosas y trascendentes letras.

Lateralus se inicia con un corte inmenso, The Grudge, cuyos primeros compases exponen en un instante todo lo que dan de sí los juegos de bajo, batería y guitarra. Es un tema de constantes golpes de guitarra y bajo, e incluso la voz de Maynard explota en un griterío en el tramo final. Un caos orquestado por una instrumentación controlada hasta la última nota. Atención al final, capaz de quitar el aliento.
La introducción Eon Blue Apocalypse da paso a The Patient, de un estilo muchísimo más relajado que la pista anterior. Insistente acompañamiento de guitarra y un bajo en un registro más sutil (como los platillos de la batería) siguen a Maynard, quien destaca por encima de todo incluso en los momentos más estruendosos. A los dos minutos se produce una explosión de sonoridades que poco a poco van acelerando; los ritmos evolucionan hasta que la tormenta de guitarra crece aún más, alcanzando un clímax de gran intensidad.

Mantra, otra introducción extraña y oscura, con un sonido que evoca a criaturas marinas terroríficas, da paso a Schism. Extraordinarios juegos de bajo y batería van construyendo las melodías a las que se unen la voz y guitarra en otro de los grandes instantes del álbum. Ritmos muy marcados, con interrupciones y variaciones impactantes, sonoridades contenidas y otro final antológico.

Parabol, la introducción de Parabola, desarrolla la misma idea musical que Parabola pero de forma sugerente, con sonoridades livianas, casi de estilo minimalista. Enlaza de forma eficaz con el tema que introduce, el cual se presenta como el más fácil del disco para oyentes novatos: una construcción menos compleja que casi nos ofrece una canción al uso, pero sin alejarse del exquisito acabado propio de la banda.

Ticks & Leeches es otra pieza de gran longitud y con constantes evoluciones en sus ritmos: ora fuertes golpes de guitarras y baterías, ora susurrantes samplers y bajos. Maynard exprime al máximo su garganta mientras Carey realiza una interpretación de complejidad superlativa. A simple vista puede parecer un corte de improvisaciones, pero todo está estudiado y medido hasta el último segundo, sino resultaría ruido molesto.

El tema que da nombre al disco, Lateralus, es otra endiablada maravilla: nueve cortísimos minutos de apabullante genialidad, donde cada miembro desarrolla magistralmente su partes de acompañamientos, solos, melodías cruzadas y cambios de ritmos muy bien calculados y expuestos sin fisura alguna.

Disposition vuelve al registro de juguetones samplers, melodías sencillas y compases tranquilos. En Reflection vuelven a deleitarnos con lo mejor de Chancellor en una apertura inconmensurable de bajo, secundado por los samplers y la batería. El corte más largo de este álbum ofrece una atmósfera de sonoridades perturbadoras que se ven acrecentadas con la aparición del vocalista. Atención al solo de guitarra que hay sobre los siete minutos.

Una tormenta de guitarra abre Triad, uno de los momentos más violentos del disco; y finalmente Faaip De Oaid cierar el álbum al borde de los ochenta minutos con una sucesión de sonidos delirantes.

Curiosidades:

- Tres meses antes del lanzamiento oficial del disco, se había anunciado que su título iba a ser Systema Encéphale

- Este disco tiene varias particularidades que lo hacen especial. Por ejemplo, el ritmo de batería de Danny Carey (batería de Tool) forma una sucesión de Fibonacci durante la canción Lateralus del número 13 (como pistas tiene el disco): 1,1,2,3,5,8,13,1,1,2,3,5,8,13,1,1,...

- La voz que se oye en el último tema "Faaip De Oaid" corresponde a la llamada de un oyente del programa de radio americano Art Bell's en donde aseguraba ser un trabajador del Area 51

- Existe la opinión de que el orden de las canciones del disco es distinto a como fue concebido por el grupo. Los dos más sugeridos por los seguidores de Tool son 6,7,5,8,4,9,3,10,2,11,1,12,13 ("The Lateralus Prophecy") y 6,7,5,8,4,9,13,1,12,2,11,3,10 ("The Holy Gift"). Ambos producen historias diferentes para el álbum

- En la canción Lateralus se encuentra una pauta en las sílabas de las estrofas:

black [1]
then [1]
white are [2]
all I see [3]
in my infancy [5]
red and yellow then came to be [8]
reaching out to me [5]
lets me see [3]
there is [2]
so [1]
much [1]
more and [2]
beckons me [3]
to look through to these [5]
infinite possibilities [8]
as below so above and beyond I imagine [13]
drawn outside the lines of reason [8]
push the envelope [5]
watch it bend [3]

Tool - Lateralus

Tracklist:

1. The Grudge
2. Eon Blue Apocalypse
3. The Patient
4. Mantra
5. Schism
6. Parabol
7. Parabola
8. Ticks & Leeches
9. Lateralis
10. Disposition
11. Reflection
12. Triad
13. Faaip De Oiad

Año: 2001
Duración: 78:58
Procedencia: USA
Productor: David Bottrill / Tool

Descarga: Lateralus

Los videos de Tool también se merecen un mención especial. ¿Por qué? Pues por cosas como estas (video de Schism):

Pearl Jam

2007-11-24T09:48:00.000+01:00

Poca presentación necesita el siguiente disco; el extraodinario primer álbum de Pearl Jam, y que junto al indiscutible Nevermind, son seguramente los discos más reconocidos del movimiento grunge de principios de los noventa. Que alguien me diga que canción quitaría de este disco, para mi casi perfecto. Que nadie deje pasar por alto este disco, si es que no lo ha hecho todavía!

PEARL JAM

Un movimiento de guerilla se define como una ‘unidad paramilitar autóctona que opera en pequeños grupos dentro de un territorio ocupado con el fin de acosar a un enemigo e invadirlo finalmente’. En Estados Unidos, el último movimiento similar digno de mención arraigó en el cicruito underground de Seattle de finales de los años 80 y principios de los 90, cuando varios grupos pequeños entre los que se encontraban Nirvana, Soundgarden, Alice In Chains y Pearl Jam emprendieron el ataque para acabar con los falsos dictadores del hair-metal.

Formados a partir de miembros de grupos fundamentales de hard rock como Green River y Mother Love Bone, Pearl Jam prosperaron manteniéndose en gran medida intactos. En su debut, Ten, la banda invocó la enorme majestuosidad melódica y la feroz integridad de maestros como Neil Young y The Doors, a la vez que entonaba el grito de guerra de una época intensamente novedosa y emocionante en la historia del rock and roll.

Los duros acordes de Ten, intensificados por los solos punzantes con ecos de blues de Mike McCready, fueron inmediatamente asimilados por millones de adolescentes con sed de algo nuevo. El primer singles, Alive, resumía las virtudes del disco: un estribillo cantarín, una letra inquietamente reflexiva, y unas partes de guitarra entrelazadas de forma enigmática. Pero tal vez el elemento más importante era la voz de barítono dolorosamente cautivadora de Eddie Vedder, que vinculaba más a Pearl Jam con la tradición del rock clásico que el grito punky de Kurt Cobain.
Canciones como la rugiente Why Go, el tema lleno de reverberación Oceans, y la contundente Porch rezumaban todas juntas un torrente de grunge, mientras que el single de éxito Jeremy hizo que todo adolescente shoegazer se preguntará como sería volarse la cabeza delante de su clase de geometría.

Pearl Jam - Ten

Tracklist:

1. Once
2. Evenflow
3. Alive
4. Why Go
5. Black
6. Jeremy
7. Oceans
8. Porch
9. Garden
10. Deep
11. Release

Año: 1991
Duración: 50:46
Procedencia: USA
Productor: Rick Parashar / Pearl Jam

Descarga: Ten

Daba igual que canción coger para el video. He elegido Even Flow, por ser de las que más me gusten de Pearl Jam. Grandes los solos de guitarra de Mike, y el de batería de Matt!!

Placebo

2007-11-20T09:32:00.000+01:00

Placebo es un grupo que conozco bastante bien. Tengo todos sus discos y los habré visto 5 veces en concierto. Con los años, el que más sigo escuchando es precisamente su primer disco; será porque es el más rockero de los 5, o porque tiene temas tan grandes como Bruise Pristine, Come Home o Nancy Boy. Una pena que se olviden casi por completo de estos temas en directo…:(

PLACEBO

[…]Sería en la primavera de ese mismo año, el '96, cuando decidieron grabar todos sus temas en el que sería su primer larga duración y, tras buscar el equipo de producción y los ingenieros en sonido que se ajustaran a sus preferencias, la banda se traslada a Dublín y se encierra en los Westland Studios a grabar su álbum debut. La producción estaría a cargo de Brad Wood, uno de los miembros fundadores de la banda de post rock americana Tortoise, el cual ya había trabajado con otros artistas como Liz Phair, Veruca Salt o Jesus Lizard. Es por eso que el disco se escucha a posteriori repleto de matices procedentes de sintetizadores analógicos, incluso de instrumentos de juguete (los cuales dan una sensación de cierta ternura e inocencia) y de pequeños elementos que hacen que no sea un disco de pop punk plano al uso sino en algo más intenso y profundo. El álbum homónimo contenía diez temas oficiales y un bonus track instrumental titulado HK Farewell. Entre ellos nuevas versiones de Bruise Pristine y Come Home junto a temas ya recogidos en la primera maqueta, como Hang On to You IQ, en el cual Hewitt había puesto las bases rítmicas.

Los singles que adelantaron al LP generaron suficientes expectativas, al igual que las giras realizadas por todo el país y en el extranjero. Y además recibieron algunas distinciones como el premio al grupo revelación del año (anterior) por diversos medios.

El disco no se publicó hasta julio. En poco tiempo, con la buena acogida del público y de los medios (los más puristas de éstos engatusados con la coartada de la intervención en el disco de brad Wood), y con la ayuda que supuso el telonear a Bowie en su gira europea Outside' Tour, el álbum alcanzó el disco de oro en Inglaterra y la banda se puso de nuevo en la carretera para realizar giras y actuar por todo el Reino Unido. También emprendería posteriormente algunas giras internacionales por América, Alemania y Francia. Fue en ese preciso instante cuando Steve Hewitt se reincorporó, esta vez para quedarse definitivamente, en el seno de la banda sustituyendo a Schultzberg en la batería.

Desde ese momento, la historia del grupo ya es más o menos conocida, faltaría espacio para todo lo que se podría contar acerca de la inmensa cantidad de experiencias por las que han pasado. A partir del primer disco y hasta la fecha, se han convertido en un fenómeno de éxito ascendente, y con justa razón, ya que han traído frescura, espontaneidad y sinceridad con su música. La fuerza y suavidad de cada una de sus canciones han creado un estilo y marca propias, que difícilmente se podrían comparar otros grupos. En realidad son una mezcla única de varios estilos que, junto con la voz inconfundible de Brian Molko, el estilo de bajo de Stefan y la contundencia de la batería de Steve, se han fusionado para dar paso a una droga musical de la que difícilmente se pueda dejar de depender, una droga llamada PLACEBO.

Placebo - Placebo

Tracklist:

1. Come Home
2. Teenage Angst
3. Bionic
4. 36 Degrees
5. Hang On To Your IQ
6. Nancy Boy
7. I Know
8. Bruise Pristine
9. Lady Of The Flowers
10. Swallow

Año: 1996
Duración: 60:30
Procedencia: Inglaterra
Productor: Brad Wood

Descarga: Placebo

Una actuación de Placebo un tanto antigua, del 1997, interpretando uno de sus temas más míticos, Nancy Boy:

Un par de días de descanso...

2007-11-10T00:40:00.000+01:00

(Y por cierto, gracias a Interpol y Wilco, por sus magistrales conciertos, cada uno a su manera!)

Minus The Bear

2007-11-07T20:13:00.000+01:00

Minus The Bear ya habían publicado un álbum magnifico hace 2 años. Pues bien, yo tendría que añadirle otro, porque el disco que han lanzado en este 2007 no se queda atrás. No han perdido ese sonido que en mi opinión les ha hecho inconfundibles en los últimos años. Uno de los grupos que sin duda me gustaría ver cómo se las gastan en directo.

MINUS THE BEAR

Planet of Ice abre con un casi familiar aura de sonido pero rápidamente cambia a guitarras galopantes y bajos melódicos en Burying Luck. Tristemente, el interés musical que este tema atrae choca contra una pared con el aburridamente repetitivo coro de Jake Snider. Su voz podrá sonar mucho mejor y más cálida en este disco, pero es difícil ir más allá de las flojas letras con un contenido prácticamente transparente desde la carátula del disco, especialmente cuando la producción samaquea sus vocales constantemente. Una interesante, pero estándar, línea de synth intenta entrar y rescatar el tema, pero este nunca logra poseer la inmediatez con la que comienza. El primer single Knights tiene algunos de los mejores ganchos del álbum empaquetados en un adictivo mid-tempo. Con la agresión y el bajo con un poco menos de volumen, el nuevo miembro de la banda, Alex Rose, puede por fin mostrar su talento, poniéndole taps electrónicos a lugares clave y aligerando la canción en algo casi bailable sin dejar que un fraseo complicado se meta en su camino. Salta y golpea hacia tus orejas y quizás llegue hasta tus inconcientes pies.

Lotus, el track de cierre de casi nueve minutos, se abre de la manera en la que su título lo haría en la vida real, convirtiéndola en una de las más dulces y gentiles canciones en el álbum, a pesar de no poseer mucho de orgánico. Tiene una alta cantidad de efectos electrónicos, aunque su manera tranquila (en vez de el otro vicio de Minus the Bear: forzados riffs guitarreros) se mantiene fiel al concepto. Otro concepto de Planet of Ice, curiosamente, son las corporaciones, con bips que podrían ser modems y líneas sobre hombres de negocio; Snider canta, “Que hacer sobre mañana? Por favor sólo deja que venga” y pone al disco en perspectiva completa. Un disco que, si bien es cierto no es una obra maestra, se encuentra en un punto medio de la aceptabilidad y su sentido de durabilidad es ciertamente mucho más largo que otros comparables ejemplos.

Como su primer disco desde la salida de Matt Bayles en el 2006, Planet of Ice sigue la vieja receta que hizo a Menos el Oso un hit. Pulcra técnica de guitarra, cambio de ritmo progresivo y sazón electrónica abundan. Casi una superbanda con ex-miembros de Kill Sabie, Botch y Sharks Keep Moving, el Minus the Bear actual intenta eludir la etiqueta y las deficiencias de otras bandas conformadas por consagrados, combinando muchas ideas y canciones de cuatro minutos en algo cohesivo. Planet of Ice se zafa un poco de toques psicodélicos y muestra una banda mucho más relajada y con pocas tensiones. Es el mismo Minus the Bear, sólo que mejor y más concreto. Es Minus the Bear +.

Minus the Bear – Planet Of Ice

Tracklist:

1. Burying Luck
2. Ice Monster
3. Knights
4. White Mystery
5. Dr. L'Ling
6. Part 2
7. Throwin' Shapes
8. When We Escape
9. Double Vision Quest
10. Lotus

Año: 2007
Duración: 48:34
Procedencia: Inglaterra
Productor: Matt Bayles / Chris Common / Minus The Bear

Descarga: Planet Of Ice

Videoclip del single Knights. Mola!

Mogwai

2007-11-04T09:51:00.000+01:00

Pocos grupos tan inclasificables hay en estos momentos como los escoceses Mogwai. El disco que recomiendo de ellos es precisamente el último que publicaron, algo más accesible que los otros dos que conozco (Rock Action y el Happy Songs…).

MOGWAI

Mogwai nos entrega su sexto larga duración (octavo si contamos el cd de remezclas "Kicking a Dead Pig" y "Government Commissions" de directos) y continuan la andadura iniciada en "Rock Action" donde decidieron no seguir por el camino fácil de la repetición de ideas ya mostradas, tras haber alcanzado por méritos propios el estatus de "padres del postrock", tomando buena nota y practicando una interesante relectura de grupos contemporáneos como My Bloody Valentine o Spacemen 3, que ponían todo su empeño en demostrar la belleza del ruidismo. No se les puede atribuir el mérito de inventar nada, pero sus maneras en la música les ha hecho trascender a un elevado número de audiencia.

En este contexto, y sin haber logrado un cambio notable y efectivo en su fórmula (el encumbrador "Rock Action" se quedó a medio camino, pese a ser un paso firme y un gran disco en toda regla, y "Happy songs for happy people", lejos de ser un tropiezo, sabía a poco) nos entregan este "Mr Beast", donde se notan de nuevo ecos de sus primeros discos pero dotando de mayor coherencia al conjunto de canciones que conforman el cd.

El disco se abre con una pausada pieza titulada Auto Rock donde las guitarras acaban ganando el protagonismo a un piano preciosista, dando paso a Glasgow Mega-Snake, un trallazo de esos que siempre les han hecho destacar, sobre todo en los directos. Su tercer corte, que lleva por nombre Acid Food me descoloca totalmente, inicialmente recuerda a los calmados Yo la Tengo del álbum "And then nothing..." y acaba con una steel-guitar un tanto country que te hace pensar en qué demonios sucedería si los franceses Air se dedicasen a versionar a Bertín Osborne y su grupo de rancheras.

Por suerte, a mi parecer ese es el único desliz del tracklist de este "Mr Beast", en el que nuevo las voces juegan un papel cada vez más importante, como sucede en la redonda (aunque con un poco de deja-vú) Travel is Dangerous. Aunque si algo ha cobrado importancia, tanto como para adquirir aquí el papel principal, ese ha sido el omnipresente piano, como en Team Handed o en Emergency Trap (concepto ruido/belleza) y también en Friend of the Night, donde si se les fuera un poco más de las manos y abandonasen el mesianismo, podrían acabar robándoles el público a Coldplay (para bien y para mal).
Ya para el final, Folk Death 95 vuelve a poner las guitarras en primer plano, siendo esta una canción que bien podría caber en el minutaje de "Rock Action" (por la poca sorpresa que conlleva), y esto les lleva a concluir con una de cal (la silenciosa I Chose Horses) y una de arena (We're No Here ¿poststonerrock?). En todo caso, el mejor fin de disco que se les recuerda desde "Young Team".

Tras repetidas e intensas escuchas, creo acertar al afirmar que este CD no va a decepcionar a quienes no han perdido en ningún momento interés en la banda, y resultará más gratificante que "Happy Songs for happy people" para aquellos que no le supieron ver el encanto, pero tampoco es un disco que sorprenda excesivamente (teniendo en cuenta toda la trayectoria anterior de los escoceses) pero sí que pone las cosas en su sitio, ya que es innegable que estamos ante un discazo, completo y con más registros que nunca, que ya es hora de dejar de catalogar todo lo instrumental guitarrero como "postrock".

Mogwai – Mr. Beast

Tracklist:

1. Auto Rock
2. Glasgow Mega-Snake
3. Acid Food
4. Travel Is Dangerous
5. Team Handed
6. Friend Of The Night
7. Emergency Trap
8. Folk Death 95
9. I Chose Horses
10. We're No Here

Año: 2006
Duración: 43:07
Procedencia: Escocia
Productor: Tony Doogan / Mogwai

Descarga: Mr. Beast

Probablemente la canción más ‘bestía’ del disco; Glasgow Mega-Snake:

Noviembre de Conciertos!

2007-11-03T11:01:00.000+01:00

Vaya gran mes de conciertos me espera en Noviembre, y es que ya tengo mono de conciertos. Practicamente desde los festivales de verano, que no piso una sala de conciertos. Y la verdad, no me puedo quejar del cartel.

Veamos, primero podré gozar por tercera vez de Interpol el próximo jueves día 8, con Blonde Redhead como teloneros. Ya los ví este año en el festival Hurricane, pero me apetece mucho volver a verles en una sala, con ellos de protagonistas.

Solo un día más tarde, y en la misma sala La Riviera, les tocará el turno a Wilco. En este caso también será la segunda vez que les vea, asi que veremos si cambian o no un poco el repertorio, que tienen uno muy extenso. Eso si, que no dejen de tocar Impossible Germany!

A los que si veré por primera vez serán a Spoon y Explosions in the Sky, que tocan juntos en uno de los días del festival Wintercase. Poco tienen que ver los unos con los otros, pero será divertido ver la combinación. Esperemos que dejen un buen sabor de boca los dos.

Y ya para culminar este mes, que mejor forma que con el ‘Jefe’; Bruce Springsteen y su E Street Band. Pocas veces salí tan convencido como la última vez que vinieron a Madrid, en la Peineta, en donde se entregaron durante más de 3 horas. Dudo que esta vez lleguen a tantos minutos de concierto, pero aunque solo sean 2 horas valdrá la pena. Su último disco, Magic, no es nada malo, y tiene 3-4 canciones de muy alto nivel.

Y a todo esto hay que sumarle una semana de vacaciones, que me cogeré para viajar a Nueva York con los amigos. Yeeaahhh!!

¿Qué más se puede pedir?

Pues conciertos el año que viene de los cuales ya tengo 3 fijos:

- Los Babyshambles (bueno, la verdad es más el interés por ver como se las gasta el amigo Pete), el 10 de Enero.

- Los increíbles Queens of The Stone Age, acaban de anunciar su gira por Madrid y Barcelona, los días 15 y 16 de Febrero respectivamente!

- Y para el concierto que ya tengo entrada es para las 3 horas del concierto de The Cure (por fin!), el 10 de Marzo.

Eddie Vedder

2007-11-01T11:24:00.000+01:00

Hace unos días me regalaron por mi cumpleaños, además del último DVD de Pearl Jam, el primer disco en solitario de Eddie Vedder (vaya pack de regalos :) ). En líneas generales se trata de un disco muy calmado, que ha servido para poner música a la próxima película de Sean Penn. Está claro que hay que ver la película para comprobar cómo encajan estas canciones dentro de ella. Aún así, me alegro un montón de que por fin se haya decidido a publicar un álbum en solitario. Gustará a los ‘fans’ de Pearl Jam, y espero que también a más gente.

EDDIE VEDDER

El 18 de septiembre se publica el primer disco grabado por Eddie Vedder en solitario. El emblemático cantante de Pearl Jam es el autor de la banda sonora de la película Into the Wild, dirigida por Sean Penn, para la que ha grabado 11 canciones (Setting Forth, No Ceiling, Far Behind, Rise, Long Nights, Toulumne, Hard Sun, Society, The Wolf, End Of The Road y Guaranteed) bajo la produción de Adam Kasper y el propio Vedder. Todos los temas están compuestos por Eddie Vedder excepto dos oscuras versiones: Hard Sun (compuesta por Gordon Peterson e incluída por la banda Indio en su álbum Big Harvest) y Society (compuesta por el cantautor Jerry Hannan).
El filme Into the Wild (que con casi total seguridad se estrenará en España el próximo 30 de noviembre con el título de Hacia rutas salvajes) trata del joven e idealista Christopher McCandless (interpretado por Emile Hirsch) que lo abandona todo para viajar hacia las regiones más duras de Alaska. Dirigido por Sean Penn (que ha encargado personalmente su banda sonora a Eddie Vedder) y basado en la novela de Jon Krakauer, esta increíble e intensa historia real ha tocado la sensibilidad de millones de personas en todo el mundo, convirtiendo el libro en un best seller. La historia de Into the Wild requería una banda sonora de igual intensidad. Las canciones de Eddie Vedder, incluídas en el disco e inspiradas por la película, recorren toda la banda sonora. Es un álbum que no sólo atraerá a los seguidores del hardcore de Pearl Jam, sino que emocionará a los amantes de los sonidos acústicos y de las canciones de autor. En Into the Wind, Eddie Vedder ha volcado toda su emotividad, desde inquietantes baladas al rock más afilado, capturando a través de la música y la letra la fuerza de esta comprometedora historia real.
Eddie Vedder (1964. Illinois, Estados Unidos) es el cantante de Pearl Jam, banda formada en Seattle en 1990, emblema del grunge y que ha publicado ocho álbumes de estudio desde que lanzó su primer disco en 1991. Además de su voz, Vedder ha aportado a la banda su faceta de multiintrumentista, tocando en algunas canciones guitarra, batería, ukelele, armónica, acordeón y sitar. También ha colaborado con artistas como Bruce Springsteen, U2, Soundgarden, Neil Young, Tom Petty, Beck, R.E.M, Red Hot Chili Peppers y Rolling Stones, entre muchos otros. Ahora publica su primer trabajo grabado totalmente en solitario. El 18 de septiembre se lanza Into the Wild.

Eddie Vedder – Into The Wild

Tracklist:

1. Setting Forth
2. No Ceiling
3. Far Behind
4. Rise
5. Long Nights
6. Tuolumne
7. Hard Sun
8. The Wolf
9. End of the Road
10. Society
11. Guaranteed

Año: 2007
Duración: 33:04
Procedencia: USA
Productor: Adam Kasper / Eddie Vedder

Descarga: Into The Wild

Aquí un pequeño montaje de la canción Long Nights:

Black Sabbath

2007-10-29T09:18:00.000+01:00

Este blog no podía dejar de tener alguna referencia a unos de los grupos más importantes en la historia del metal. Si, el grupo del conocido por todos Ozzy Osbourne (durante los años más importantes de la formación), y el genial guitarrista Tony Iommi, que con su segundo disco Paranoid consiguieron publicar un autentico bombazo. Yo no conozco toda su discografía, pero precisamente este disco es de los que uno tiene que escuchar al menos una vez.

BLACK SABBATH

Cimentados en el blues-rock e influenciados por grupos como Cream, Jimi Hendrix Experience o Blue Cheer, la banda británica Black Sabbath es uno de los nombres fundamentales en la configuración del heavy metal, con su aceración sónica, iteración en sus esencias rítmicas y basamento temático en universos tétricos y místico-satánicos.

Surgidos en 1967 en la ciudad inglesa de Birmingham, John Michael "Ozzy" Osbourne, el guitarrista Tony Iommi, el bajista y letrista Terry "Geezer" Butler y el batería Bill Ward comenzaron su andadura musical bajo el nombre inicial de Polka Tulk, rebautizándose poco tiempo después como Earth, apelativo con el que patearon un buen número de locales en su país y en el continente, interpretando sus primeras muestras ubicadas en patrones clásicos del blues-rock.

En 1969, para evitar problemas legales con otra formación del mismo nombre y por indicación de su representante Jim Simpson, Earth se convirtió en Black Sabbath, un nombre que ejemplificaba a la perfección su acercamiento a materias imbuidas de magia, fantasía y ocultismo. La génesis de este nuevo apelativo tiene diversos orígenes según varias fuentes, derivado de un título dado en Inglaterra a la película de terror de Mario Bava "Las tres caras del miedo" (1963) o emanado de la canción homónima escrita por Geezer Butler.

Firmaron con Fontana y grabaron el sencillo Evil Woman/Wicked World, que pasaría desapercibido para el gran público, todo lo contrario que su LP debut, producido por Rodger Bain. Black Sabbath (1970) mostraba desde su lúgubre portada el soporte temático de su pétrea y atmosférica sonoridad, que nos regalaba piezas maestras como The Wizard, N.I.B. o el título homónimo. El disco tuvo una excelente acogida comercial a pesar de las malas críticas recibidas, llegando al puesto número 8 en listas británicas.

Paranoid (1971), su segundo álbum, alcanzaría directamente el número 1, gracias a soberbios temas como Iron Man, War Pigs o el propio Paranoid. Se trata de uno de sus mejores discos de la banda y un LP clave en el desarrollo del heavy metal, al igual que Master of reality (1971), ambos caracterizados por los fornidos riffs de Iommi, la aviesa vocalidad de Ozzy y la vinculación oscurantista de Butler en sus trabajos líricos con los textos de Dennis Wheatley.

Master of reality, LP de mayor diversidad sonora que contenía canciones como Sweet Leaf, Children of the Grave o Into the void, no logró subir a lo más alto de las listas comerciales como su predecesor, pero proseguiría cosechando excelentes ventas, alcanzando el puesto número 4. En Vol. 4 (1972) intentaron ensanchar su sonoridad, inclinándose hacia unas tendencias cercanas al rock-progresivo, incluyendo temas importantes de la banda como Changes, Supernaut, Wheels of confution o Snow Blind.

Con Sabbath Bloddy Sabbath (1973) el grupo, ahora representado por Patrick Meeham y en pleitos legales con Simpson, consiguió otro éxito gracias a la canción que da título al disco . Los litigios con su primer manager provocaron una ausencia temporal de los estudios de grabación de dos años, regresando con la representación de Don Arden y el disco Sabotage (1975), álbum que mostró a Black Sabbath procurando propagar su oferta heavy con retazos progresivos, construyendo uno de sus trabajos más recordados, a pesar de la controversia que provocó entre sus seguidores. La publicación de un recopilatorio y los LPs Technical Ecstasy (1977) y Never say die (1978), discos menos satisfactorios que sus primeras obras, incitaron la marcha de su carismático cantante Ozzy Osbourne, quien emprendería una irregular carrera en solitario que incluía la representación de su esposa Sharon.

La formación de Black Sabbath se vio inmersa a partir de ese momento en un continuo ir y venir de miembros. Los primeros en marcharse fueron los últimos en llegar, Dio y Apice dejarían su sitio a Ian Gillan y a Bill Ward, que retornó para grabar Born Again (1983), un flojo trabajo que provocó de nuevo la salida de varios de sus componentes, permaneciendo únicamente como miembro original el guitarrista Tony Iommi.

Gente como Glenn Hughes, Tony Martin, Bev Bevan, Eric Singer, Dave Spitz, Geoff Nichols, Cozy Powell, Terry Chimes o Bobby Rondinelli ingresaron en la formación a lo largo de la década de los 80 y 90, dejando en el currículum de Black Sabbath irregulares discos en los que se banalizaba su sonido metalero, destacando discos como The eternal idol (1987) o Headless Cross (1989). Reuniones recientes y giras mundiales son puntos de encuentro para la enorme cantidad de seguidores y admiradores de este grupo histórico, esencial y legendario.

Black Sabbath – Paranoid

Ni tan siquiera un año necesitó el singular cuarteto de Birmingham para volver a la carga, esta vez con el disco más popular de su historia particular e indiscutiblemente uno de los más influyentes hasta la fecha. Originalmente bautizado como War Pigs, Black Sabbath recibió el primer golpe importante de la censura norteamericana, le seguirían muchos más, al ser presionada Warner por el ejército estadounidense para mudar un título de peligroso impacto en su sensibilizada opinión pública convulsa por la guerra de Vietnam. Así la discográfica, casa de Bugs Bunny, dictaminó que la portada había de rotularse con otro nombre más inofensivo, escogiéndose Paranoid, y afectar in extremis el trabajo gráfico preparado para la salida comercial distorsionando el ya famoso guerrero galáctico sobrepuesto a la bestia inmunda original.
Tanto apresuramiento contrasta con la enorme solidez del segundo disco de Sabbath, mucho más rudo que su obra iniciática y con un decisivo paso desde el blues rock agresivo a una experiencia demoledora y demoniaca. Aquel blues se hacía más lento, pesado y amplificado en cada himno invocado por los tullidos dedos de Tony Iommi. Pero existía una excepción a esa congelación pétrea más allá del frágil interludio de Planet Caravan. Paranoid, según el mismo Iommi, fue ideada en 5 minutos pero la perdurabilidad de ese riff a todo gas no tiene límites, llegando a ser el tema más conocido de Black Sabbath por el común de los mortales. Junto a él, y sin nada que envidiar, un grueso racimo de maldad espeluznante: War pigs, Iron Man, Electric Funeral o Hand of Doom conforman una de las experiencias más ofensivas que ha dado el rock en su medio siglo de vida.

Tracklist:

1. War Pigs
2. Paranoid
3. Planet Caravan
4. Iron Man
5. Electric Funeral
6. Hand Of Doom
7. Rad Salad
8. Fairies Wear Boots

Año: 1970
Duración: 42:06
Procedencia: Inglaterra
Productor: Rodger Bain

Descarga: Paranoid

Increible el siguiente video interpretando en directo War Pigs:

Serafin

2007-10-26T09:24:00.000+02:00

Hacía tiempo que no me ponía a escuchar este disco, y la verdad, se me había olvidado lo bueno que era. Una pena que desde que lo publicaran poco más se ha vuelto a saber de ellos (aunque creo que tienen listo su segundo disco, a falta de encontrar una discográfica que lo publique).

SERAFIN

El mundo que nos propone este cuarteto británico está auspiciado por una densa oscuridad rodeada de extrañas formas corpóreas donde la luz parece un bien demasiado deseado para ser real. Las guitarras y la fuerza de las composiciones son el principal motor de la formación, mezclan pop/rock y hard rock para expresar sus emociones consiguiendo un sonido propio aunque cercano al de bandas como Nirvana, Muse (incluso comparten con éstos sello discográfico) o Feeder antes del fallecimiento de Jon Lee y posterior relajación musical. La estructura es clara y sencilla, canciones de poco minutaje, agresivas pero adornadas con gran sensibilidad, y entre corte y corte algunas muestras más templadas. El resultado, un brillante debut.

No Push Collide está formado por doce temas de gran calidad, es un álbum del que es difícil destacar grandes canciones porque en su mayoría todas lo son y no se limitan a un par de hits estratégicamente colocados como muchos pueden imaginar en un grupo que lanza su primer trabajo. Quizá no sea del todo original ni siente las bases de un género demasiado concurrido pero sus cuarenta y tres minutos de duracción son suficientes para no perderles la pista. Por si fuera poco es uno de esos compactos muy accesibles y directos con claridad de ideas.

La primera toma la tenemos con Stephen In The Sky, empieza con unas guitarras que a partir del primer minuto se convertirán en la principal baza del disco. El tema es casi como una introducción de apenas tres minutos pero consigue despertar el interés al oyente, eso si, el inicio es curiosamente parecido al de Dead Star de los ya mencionados Muse. Day By Day tiene interesantes cambios de ritmo y probablemente sea la mejor creación de Serafin a lo largo del disco por garra, consistencia y emotividad. Things Fall Apart y No Happy comparten un tremendo medio tiempo que explota en el estribillo, especialmente en ésta última, otra de las destacadas, tan sucia y poco elegante que enamora en la primera escucha. Pasamos a la gamberra Lethargy y la intensa Ordinarly Me (grandioso estribillo) para llegar a una corta balada que nos habla de los melocotones de España, Peaches From Spain. Entre medias más demostraciones afortunadas como Green Disaster Twice para llegar a la maravillosa Who Could I Be? con la que se cierra No Push Collide.

El conjunto formado por la impresionante y desgarradora voz de Ben Fox Smith y las atronadoras guitarras y batería del resto de componentes de Serafin (a saber, Darryn Harkness, Ben Ellis y Christian Smith) afirma la enorme complejidad del proyecto a través de un debut demoledor y carismático. Nos comentan que están trabajando en su segundo larga duración y que el nombre podría ser To The Teeth aunque de momento no tiene fecha de lanzamiento definitiva. Para aliviar la espera nada mejor que perderse por el oscuro horizonte de su primer trabajo. No os defraudará.

Serafin – No Push Collide

Tracklist:

1. Stephen's In The Sky
2. Day By Day
3. Things Fall Apart
4. No Happy
5. Numerical
6. Lethargy
7. Ordinary Me
8. Build High, Tear Low
9. Sage Waits
10. Green Disaster Twice
11. Peaches From Spain
12. Who Could I Be?

Año: 2003
Duración: 42:41
Procedencia: Inglaterra
Productor: D Sardy

Descarga: No Push Collide

Videoclip de Day By Day:

Midlake

2007-10-23T09:31:00.000+02:00

Viendo las listas de los mejores discos ‘indies’ del año pasado muchas veces me he encontrado con un disco titulado The Trials of Van Occupanther, de una joven banda de Texas. Lo curioso es que, no sé porque, lo tenía bajado desde el año pasado, pero hasta hace relativamente poco tiempo no me había puesto a escucharlo. Mi veredicto: excelente disco. Pruébenlo!

MIDLAKE

Desde Denton (Texas) llegan Tim Smith (voz), Eric Nichelson (guitarra), Eric Pulido (guitarra), Paul Alexander (bajo), y McKenzie Smith (batería), o, lo que es lo mismo, Midlake. Jóvenes, románticos y unos apasionados de la música, Midlake combinan a la perfección la electrónica más excéntrica con los sonidos más orgánicos, terrenales y tradicionales. Sus influencias van desde Doves hasta Clinic y ya se les compara con grandes como Grandaddy o The Flaming Lips (junto a los que han tocado en la pasada edición del macro festival de la industria South by Southwest y en el Noise Pop en San Francisco y que acompañarán en su gira por Europa). Pero los chicos de Midlake han sabido crear su propio universo. Un mundo entre naïf y alucinado que los une con toda la tradición más imaginativa (¿psicodélica?) de la música pop.

En 2004 debutaban con Bamnan And Silvercork en el sello Bella Union. Un disco con el que consiguieron una amplia base de fans entre los que se encuentra el actor Jason Lee, quien se ha convertido en uno de sus mejores abanderados llegando incluso a dirigir el vídeo del tema Balloon Maker. En junio de este 2006 salió a la venta su segundo álbum, The Trials Of Van Occupanther, un trabajo con el que, según sus propias palabras, está más influenciado por el folk rock de los setenta con una menor presencia de los recursos electrónicos.

Midlake - The Trials of Van Occupanther

Bajo el nombre de The Trials Of Van Occupanther el grupo se inspira en la estación de oro del pop , hablamos de la década de los 70's y las mezclas de influencias que contienen aromas Fleetwood Mac y Bread y Jony Mitchell que junto a la voz de Tim Smith , en cada escucha, el disco se vuelve exquisito. A diferencia de su debut, este nuevo LP se maneja con menos experimentación en que pianos y guitarras acústicas hacen de padrones.
Compuesto por 11 temas y una duración de 45 minutos, The Trials Of Van Occupanther se mueve en una calma sorprendente en que se destacan canciones como Young Bride, Bandits, la melódica We Gathered In Spring y la canción que abre el álbum Roscoe. en síntesis es un viaje al pasado, lleno de arreglos y de detalles que vas descubriendo poco a poco; no es por nada que hoy llevo 6 escuchas del disco y cada vez descubro algo que me llama más la atención y me lleva a elogiar este trabajo positivamente.

Tracklist:

1. Roscoe
2. Bandits
3. Head Home
4. Van Occupanther
5. Young Bride
6. Branches
7. In This Camp
8. We Gathered In Spring
9. It Covers the Hillside
10. Chasing After Deer
11. You Never Arrived

Año: 2006
Duración: 44:51
Procedencia: USA
Productor: Tim Smith / Midlake

Descarga: The Trials of Van Occupanther

Video de la canción Head Home:

Yourcodenameis:Milo

2007-10-20T09:01:00.000+02:00

Hace poco leí la noticia de la separación de los ingleses Yourcodenameis:Milo, grupo que creo que nunca consiguió el reconocimiento que se merecían. Y eso que este año todavía les dio por sacar un gran disco, muy a la altura del primero que editaron (sin contar el EP), y que hoy os recomiendo.

YOURCODENAMEIS:MILO

La promoción manda y por ello nos vemos completamente inundados de nuevas bandas, que nos vienen mayoritariamente desde las islas, y que se nos venden como la nueva revolución, la nueva gran banda. Sin menospreciar a ninguna de esas bandas, aunque algunas sean de risa, las mejores se quedan siempre por el camino. Un claro ejemplo de ello son Yourcodenameis:Milo o lo que es lo mismo, cinco músicos de Newcastle dispuestos a demostrar que en esto del rock no hay límites. Melodías, distorsión y calidad a partes iguales.

Después de un enérgico EP titulado All Roads To Fault (grabado con Albini en Chicago), vuelven a la carga con su primer disco grande, Ignoto un magnífico trabajo de rock en mayúsculas, a veces desgarrado, a veces tremendamente delicado y en ocasiones desbocado como solo los grandes grupos saben hacerlo. Aunque dejen ver influencias de las mejores bandas de los últimos años, poner matices de Radiohead, Muse o At the drive-in en su receta para facturar un resultado final absolutamente original, no es algo que esté al alcance cualquiera.

Es cierto que el sonido del disco resulta, en ocasiones, excesivamente saturado (la producción corre a cargo del mítico Flood y de la propia banda) pero eso también lo hace especial y diferente, lo que falta en términos de perfección sonora sobra en tensión y emoción. “Ignoto” arranca con la energía de I Am Connecting Flight y 17, uno de los mejores temas del disco que desborda potencia desde la primera nota. Titan Grip, Rapt. dept y Schteeve, en la misma línea son, aún si cabe, más intensas y desgarradoras. La calma momentánea llega en temas como Team Radar, Five Tour o Empty Feat que alternan potencia y delicadeza a la perfección. 2-Stone, The General y la oscura Audition rematan el trabajo dejándonos con ganas de más.

En lugar de esperar al próximo trabajo de cualquiera de esos grupitos que salen al escenario uniformados y repeinados a demostrar que dominan el arte de la pose a la perfección, arriesga un poco y busca cualquiera de los dos trabajos de Yourcodenameis:Milo. Valdrá la pena.

Yourcodenameis:Milo – Ignoto

Tracklist:

1. I Am Connecting Flight
2. 17
3. Titan Grip
4. Rapt. Dept.
5. Schteeve
6. Team Radar
7. Fivefour
8. Yesterday's Head
9. Empty Feat
10. 2-Stone
11. The General
12. Audition / Unfinished Drawings of Cats & Dogs

Año: 2005
Duración: 53:09
Procedencia: Inglaterra
Productor: Flood / Yourcodenameis:Milo

Descarga: Ignoto

La canción 17 en directo:

NOFX

2007-10-17T09:00:00.000+02:00

Dentro de un mes tendremos de gira por España a uno de los grandes de la escena del hardcore melódico; los míticos y divertidos Nofx. Yo no podre ir, porque estaré de viaje, y además ya los he visto tres veces en anteriores ocasiones, pero para quien tenga interés, os dejo una pequeña biografía y uno de mis discos favoritos de ellos.

NOFX

Todo empezó cuando Fat Mike quiso fundar un grupo punk que tuviese buenas letras y buenas canciones, que grabase discos y saliese a tocar, para esto buscó a su amigo Erik. Grabaron Liberal Animation en 1988 con Brett de Bad Religion, y fue relanzado en 1991 en la firma de Brett, Epitaph Records. NOFX firmó con Epitaph en 1989, sacando a la luz el LP S&M Airlines. En el mismo año nació, de la mano de Fat Mike, el sello Fat Wreck Chords, que pronunciado correctamente suena como "Fat Records". Sobre 1991 hubo muchos cambios en la banda aunque los tres miembros originales se reunieron con El Hefe. El último álbum publicado con Steve Kidwiller como guitarrista fue Ribbed. En 1992, antes de la grabación de The Longest Line El Hefe se unió como guitarrista y trompetista en el lugar de Izzy; después de esto lanzaron White Trash, Two Heebs And A Bean.

En 1994 sacaron Punk in Drublic, su disco más exitoso hasta el momento. El álbum fue disco de oro en los Estados Unidos y fue cuando el punk se repopularizó, gracias a Dookie de Green Day y a Smash de The Offspring, entre otros. NOFX nunca encajó con la popularidad de otras bandas de punk, y aunque se hicieron famosos en los 90 y mantienen sus primeros fans, consideran a las otras bandas "unos vendidos". Desde 1994 no han aceptado entrevistas y han grabado muy pocos videos. Fat Mike sólo contestó a una entrevista para Guitar World en 2003 dando su opinión sobre las nuevas bandas de pop punk populares en ese tiempo.

En 1996 salió Heavy Petting Zoo. Acerca de este álbum, Eric Melvin respondió, en el portal Q&A (Questions & Answers) de nofxofficialwebsite.com (o NOFX.org) "Pensaba que este disco era el disco mas cool de todos, pero después me di cuenta de que no era tan cierto." "Creo que se vendió bien en Bélgica" Esto al parecer porque el sonido del Disco Heavy Petting Zoo era bastante "raro y psicodélico" lo cual se aleja del sonido original de NOFX. Al año siguiente se lanzo So Long And Thanks for All The Shoes, un disco que tiene un contenido mas hardcore que los anteriores.

En el año 2003, después de varios años de ausencia, NOFX sacó un CD titulado The War on Errorism (La Guerra al Errorismo), un álbum de canciones comprometidas políticamente con un sonido mas hardcore, que fue el comienzo de su particular campaña anti-Bush, para concienciar a la juventud americana. Desde el lanzamiento de ese CD, Fat Mike creó la web Punkvoter.com, sacó dos recopilatorios llamados Rock Against Bush en Fat Wreck, y una gira llamada Rock Against Bush por todo Estados Unidos, junto con bandas como Green Day, MxPx, Good Charlotte y Yellowcard, entre otras. Su aparición en la escena política ha dejado huella, aunque no tuvo los éxitos esperados tras la mayoría absoluta de los republicanos en las elecciones presidenciales de 2004.

Tras el lanzamiento de un EP llamado Never Trust a Hippy, NOFX sacó en abril de 2006 el LP llamado Wolves in Wolves' Clothing. Aunque es muy difícil llegar a algún sitio en el mundillo de la música sin la ayuda de una compañía importante, NOFX sabiamente elige alejarse de la MTV, radios comerciales y discográficas importantes. El hecho de estar totalmente en contra de los ideales de la cadena televisiva MTV ha hecho aumentar considerablemente la popularidad de NOFX. Para muchos grupos, tener un vídeo difundido a través de la MTV significa éxito. En el caso de NOFX, el éxito no juega ningún papel. Ellos piensan que la MTV vende grupos y no su música, y ellos no quieren ser comprados y vendidos. La única forma de publicidad que ha tenido NOFX a lo largo de 15 años es la planificación de conciertos, grabación de CD's, artículos de ropa, pegatinas, posters, etc... NOFX ha demostrado que te puedes hacer grande pensando en pequeño.

NOFX - So long… And Thanks For All The Shoes

Probablemente, este disco de NOFX, cuya portada reproduce una especie de bandera con tres franjas (marrón, amarilla y rosa), presente al grupo más centrado, como señala la hoja promocional de su compañía, pero el espíritu sigue siendo el mismo: punk-rock acelerado y melódico, ramalazos de hardcore, guiños ska y, por encima de todo, letras de humor corrosivo que suponen una patada en la espinilla al imperio de lo "políticamente correcto".
Un claro ejemplo es el tema Murder the Government y su primera frase: "Quiero ver la Constitución arder…". Todos estos ingredientes son los que provocaron hace aproximadamente tres años que su disco "Punk in drublic" pegara el bombazo a nivel mundial, saliendo de los circuitos estrictamente punk y convirtiendo al grupo en un fenómeno casi mayoritario, equiparable al de sus compañeros en Epitaph Offspring. En España, la prueba de ello ha sido la proliferación de camisetas de la banda durante estos años.
No obstante, el grupo comandado por Fat Mike, ajeno a esta repercusión, no ha cambiado para nada su actitud. Su política continúa siendo "nada de radio, nada de vídeos y, sobre todo, nada de entrevistas". Tras su disco Heavy Petting Zoo, que tuvo una acogida más tibia en nuestro país, ahora reaparecen con este So long… And Thanks For All The Shoes, en el que su estilo más característico de punk-rock melódico se aprecia en trallazos como It's My Job To Keep Punk Rock Elite (que abre el disco), Monosyllabic Girl, (una auténtica declaración de amor en la que cantan "Todo el mundo sabe que estoy enamorado de la chica monosilábica"), o Dad's Bad News.
En cuanto a las letras, las "reivindicaciones" políticas ya comentadas en Murder the Government se mezcla con declaraciones de principios como Kill Rock Stars. Eso sí, con un sentido irónico siempre muy presente, como es el caso de la canción que cierra el disco, Falling In Love, un tema que, a pesar de sus apariencias, no habla de un enamoramiento convencional, sino de una pareja de enamorados que viaja en un avión a punto de estrellarse: "La muerte no parece tan mala cuando estoy contigo, mi único amor; así que cierra los ojos y bésame por última vez. Nosotros vamos a morir, pero nuestro amor no". Mala leche explícita que, al parecer, a la santa esposa de Fat Mike no le ha hecho excesiva gracia y prefiere no escuchar tan romántica canción. Además, el título de uno de los temas parece un guiño a "Flogging a dead horse", el disco de los Sex Pistols que NOFX han transformado en Flossing A Dead Horse.

Tracklist:

1. It's My Job To Keep Punk Rock Elite
2. Kids Of The K-Hole
3. Murder The Government
4. Monosyllabic Girl
5. 180 Degrees
6. All His Suits Are Torn
7. All Outta Angst
8. I'm Telling Tim
9. Champs Elysees
10. Dad's Bad News
11. Kill Rock Stars
12. Eat The Meek
13. The Desperation's Gone
14. Flossing A Dead Horse
15. Quart In Session
16. Falling In Love

Año: 1997
Duración: 33:16
Procedencia: USA
Productor: Fat Mike / Ryan Greene

Descarga: So long… And Thanks For All The Shoes

Eat the Meek, de las más conocidas de este disco:

Ratatat

2007-10-14T14:39:00.000+02:00

El grupo de hoy fue una de las sorpresas que me llevé del pasado festival del Summercase. Este dúo, (trio en directo) no me llamaron tanto la atención en disco como lo hicieron en directo. Aunque tampoco hagan un estilo que me tire mucho, siempre me han parecido curiosos...Volverán a estar por España para el Wintercase.

RATATAT

Ratatat es el proyecto de un atípico dúo conformado por Mike Stroud y Evan Mast. El primero, un esmerado guitarrista (miembro además de la banda del singular Ben Kweller) y el segundo un maniático de las máquinas y la electrónica. El disco, grabado y planeado en un apartamento del musicalmente convulsionado Brooklyn, apuesta por un sonido cuasi guitarrero, melancólico, que no oculta su simpatía por pericias y ejercicios estilizados y hasta virtuosos, a la par de una plataforma electrónica sencilla pero eficaz y en ciertos momentos con algunos atisbos de complejidad, que nunca llega a mayores, nunca pretende más que su propia sencillez. Hay guiños al hip hop en las bases y en algunos samplers. Sin embargo el mundo de Ratatat no está situado en las calles sino más bien en mundos oníricos y épicos.

Ratatat - Classics

Segundo álbum del dúo neoyorquino Ratatat, con el cual marcan su regreso tras dos años de haber editado su homónimo debut.

En este nuevo trabajo titulado “Classics” el dúo continúa con la construcción sónica instrumental comandada por las guitarras de Mike "Snake" Stroud y la variada instrumentación de Evan "E*Vax" Mast, quien se encarga de los bajos, los sintetizadores y la electrónica hecha a base de laptop. Toda esa experiencia sonora regresa en este nuevo aporte de Ratatat, pero con la diferencia de que “Classics” se muestra más variado en cuanto a texturas e instrumentación en comparación a su disco predecesor.

El dúo ha bajado un poco la intensidad de sus riffs, pero ahora a su exquisito experimento musical le han añadido nuevos instrumentos como chelos, cascabeles y guitarras acústicas, lo cual realza las tonalidades de su peculiar sonido. También hay un mayor uso de efectos electrónicos ambientales y una producción más pulida en cuanto a melodías y composición.

Son unos Ratatat más estilizados, pero manteniendo el concepto de su música en donde convive lo orgánico con lo artificial, apoyado por un sonido que se encuentra a medio camino del dance rock neoyorquino y la electrónica de Daft Punk o Air. En definitiva, toda una travesía introspectiva llena de melancolía y satisfacción, y con una peculiar ambientación que evoca las bandas sonoras del cine francés y la sutileza sonora de un videojuego de NES.

Tracklist:

1. Montanita
2. Lex
3. Gettysburg
4. Wildcat
5. Tropicana
6. Loud Pipes
7. Kennedy
8. Swisha
9. Nostrand
10. Tacobel Canon

Año: 2006
Duración: 42:31
Procedencia: USA
Productor: Evan Mast / Mike Stroud

Descarga: Classics

En directo:

Neil Young

2007-10-11T11:23:00.000+02:00

Con artistas tan grandes como Neil Young, con una discografía tan amplia, uno nunca sabe por donde empezar. Por lo menos eso siempre me pasaba a mí, hasta que hace unos días me encontré por la tienda de discos este recopilatorio, que decía contener las canciones más representativas y aclamadas por crítica y público de Neil Young. No me lo pensé y conociendo solamente su tema de Rockin’ in the Free World, me compre el disco. Y estoy más que contento con la compra. Por lo menos, ahora tengo una pequeña noción por donde tirar si quiero indagar más en sus ‘infinitos’ discos. Recomendado a todos los que siempre han querido conocer un poco más a esté clásico!

NEIL YOUNG

Es uno de los músicos más importantes, prolíficos e imprevisibles de la música de las últimas cuatro décadas, extraordinario tanto en su faceta más sensible y acústica como en su ferocidad eléctrica ilustrada por su hiriente y distorsionada sonoridad guitarrera; practicante ecléctico, por sus notas han transitado aspectos rock, pop, folk, country, soul, blues e incluso electrónicos. Su musicalidad junto a una lastimera y nasal factura vocal ha influenciado a nombres tan dispares como Pearl Jam, Teenage Fanclub, R.E.M., Jayhawks o Dinosaur Jr.

Neil es hijo de dos periodistas. Aprendió a tocar la guitarra desde que era adolescente. La armonía de su hogar se rompería cuando sus padres se divorciaron. Neil Young tenía 14 años al tiempo que se trasladaba con su madre a la población de Winnipeg. Poco después formó un grupo propio; el conjunto se llamaba Neil Young & The Squires e interpretaban temas de los Beatles, los Shadows y de Elvis en las fiestas estudiantiles. Su fama, ayudados por el apoyo de su influyente madre, los condujo a firmar varios contratos que les permitieron actuar en varios locales de la zona. A mediados de década, Neil Young retornó a su ciudad natal, Toronto, para actuar como solista. Se unió al grupo pop The Mynah Birds, entre cuyos miembros estaba el bajista Bruce Palmer.

Con los Mynah Birds, Neil se hizo muy popular entre los canadienses, coincidiendo y conociendo a otros jóvenes músicos que se intentaban abrir camino en el mundo de la música como Joni Mitchell, Stephen Stills y Richie Furay. Problemas legales condujeron a la ruptura de los Mynah Birds y a la marcha de Neil y Bruce a Los Angeles. Allí se encontraron en 1966 con sus amigos Furay y Stills y se embarcaron en un nuevo proyecto al que llamaron Buffalo Springfield. A las guitarras líder de Neil y Stills, la rítmica de Furay y el bajo de Palmer se les unió un cuarto componente, el batería Dewey Martin.

En los sensacionales tres discos de Buffalo Springfield dejaron buena constancia de su influyente eclecticismo: pop, folk, country, rock, convirtiéndose en uno de los primeros grupos en practicar el folk-rock y el country-rock. Las composiciones se repartían primordialmente entre Neil y Stills, componiendo Young verdaderas joyas como "Burned", "Expecting to fly", "Flying on the ground is wrong", "Out of my mid" o "Broken Arrow". Los conflictos internos y las ansias de aventura en solitario provocaron la defunción de este gran grupo en 1968. Poco después, Neil debutó en Reprise con su primer trabajo como solista, Neil Young (1969). Temas impresionantes como "The Loner", "I've been waiting for you", "Here we are in the years", "The old laughing lady" o "What did you do to my life?" tuvieron buena repercusión.

Neil Young luego lanzó Everybody Knows This Is Nowhere (1969), album en el que colaboró por primera vez con una banda denominada Crazy Horse (anteriormente conocida como The Rockets), compuesta por el guitarrista Danny Whitten, el bajista Billy Talbot y el batería Ralph Molina.Como apoyo instrumental, Neil contó desde sus inicios con el productor, arreglista y teclista Jack Nitzsche. "Cinnamon Girl", "Down By the River", "Running Dry" o "Cowgirl in the sand" son algunas canciones de un disco imprescindible que obtuvo unas importantes ventas. A finales de década, Neil conoció por mediación de Stephen Stills a David Crosby (ex Byrds) y a Graham Nash (ex Hollies), que habían formado el supergrupo de éxito Crosby, Stills & Nash.Neil congeniaba con los gustos musicales del trío y se unió a ellos para grabar el magistral Deja Vu (1970), un LP que contenía su famoso tema "Helpless". Ese mismo año presentó su tercer disco, After The Gold Rush (1970). A Young nunca le gustó sentirse atado a un grupo, así que tras el directo "Four Way Street" (1971) determinó abandonar a Crosby, Stills & Nash, no sin antes regalarnos otra de sus canciones más recordadas, la punzante "Ohio" que protestaba por la muerte de cuatro estudiantes asesinados en una manifestación en contra de la guerra del Vietnam. Anteriormente, en After the Gold Rush el combativo Neil había atacado al racismo imperante en el sur de los EEUU con "Southern Man", tema que provocó la respuesta de los Lynyrd Skynyrd en "Sweet Home Alabama".

En 1972 grabó su disco de mayor triunfo comercial titulado Harvest (1972), un estupendo trabajo que combinaba la orquestación pop, el country y el folk y que contó con el refuerzo de los Stray Gators. El disco llegó al número 1 en las listas, al igual que su memorable sencillo "Heart Of Gold". La comercialidad, que no le gustaba a Young (Neil hace música porque le gusta como expresión personal, no para vender millones de copias), se acabó con su siguiente disco, el poco satisfactorio Journey Through The Past (1972), una banda sonora vapuleada por la crítica americana. Tras el directo Times Fades Away (1973), Neil Young volvió a sorprender con tres impresionantes trabajos marcados por una triste y desesperada tonalidad y crudeza musical derivada en parte, por la muerte del guitarrista de los Crazy Horse Danny Whitten (que fue sustituido por Frank Sanpedro) y de su roadie Bruce Berry en 1972. On The Beach (1974), Tonight is the night (1975) y Zuma (1975) son otras referencias básicas en la carrera de este genio.

El fin de década trajo buenos discos como American Stars'n'Bars (1977), recopilatorios imprescindibles como Decade (1977) y obras casi perfectas como el country-rock Comes a time (1978) y el impresionante Rust Never Sleeps (1979) con una cara de corte acústico y la otra eléctrica culminada con la absorbente y llameante "Hey Hey, My My (Into The Black)". Los años 80 son los peores en la carrera musical de Neil Young (que regresó con CS&N en el mediocre "American Dream"), una década en la que fue variando de estilo publicando discos caprichosos y de poco valor. Tras el estimable Hawks & Doves (1981) y el flojo Re-Ac-Tor (1982) experimentó, cuando firmó con Geffen, con la electrónica, sintetizadores y guiños al rockabilly en discos prescindibles como Trans (1983) Everybody's Rockin (1983) o Landing On Water (1986). Los discos más potables en el período Geffen son Life (1987) y Old Ways (1985).

Sus disputas con Geffen lo llevaron a retornar a Reprise en 1988. El retorno fue feliz ya que This Note's For You (1988) es un respetable trabajo lleno de soul y blues. Freedom (1989) mostró a un cada vez más recuperado Neil Young que alcanzaría su resucitación plena con el soberbio Ragged Glory (1990) en donde volvía a sonar con aspereza y rabia al lado de los Crazy Horse.
En los 90, Neil asombró de nuevo con estupendos discos como Harvest Moon (1992), Sleeps with angels (1993) y Mirror Ball (1994), un álbum que contenía como grupo de acompañamiento a Pearl Jam. Grandes directos como Weld (1991) y Unplugged (1993) junto a otros discos menores como Lucky Thirteen (1993), Dead Man (1996), Broken Arrow (1996), Year of the Horse (1997).

En el año 2002 publicó Are you passionate? (2002), un irregular álbum con tendencias soul grabado con los Booker T. & The MG's.En el Lp también aparecían los Crazy Horse, colaborando en el tema rockero "Goin' Home", el mejor corte del disco.El conceptual Greendale (2003), retomaba a un Young en plena forma desarrollando un proyecto ambicioso, que incluía diversas formas artísticas para proyectar las historias y personajes que conforman este satisfactorio trabajo.

A comienzos del año 2005 y tras publicar un Greatest Hits (2004), Young fue aquejado de un aneurisma cerebral, detectado tras sufrir problemas persistentes de visión. Después de ser operado satisfactoriamente Neil se trasladó a Nashville para grabar su siguiente disco, que contará con la colaboración de Spooner Oldham y Ben Keith. El álbum, titulado Prairie Wind fue lanzado en setiembre del 2005 y Living with War en el 2006.

Neil Young - Greatest Hits

Tracklist:

1. Down By The River
2. Cowgirl in the Sand
3. Cinnamon Girl
4. Helpless
5. After the Gold Rush
6. Only Love Can Break Your Heart
7. Southern Man
8. Ohio
9. The Needle And The Damage Done
10. Old Man
11. Heart of Gold
12. Like A Hurricane
13. Comes A Time
14. Hey Hey My My (Into The Black)
16. Rockin' in The Free World
17. Harvest Moon

Año: 2004
Duración: 77:02
Procedencia: USA

Descarga: Greatest Hits

De las que más me han gustado por ahora, Like a Hurricane:

Radiohead

2007-10-10T09:55:00.000+02:00

El post de hoy se merecía que fuera para mis amados Radiohead. Muchos ya habréis oído la noticia de la publicación en el día de hoy del 7º disco de estudio de estos siempre sorprendentes ingleses. No, todavía no lo tengo y no encontraréis aquí un enlace con el nuevo disco. ¿Por qué? Pues muy fácil, porque lo podéis descargar de forma gratuita directamente desde su página Web: In Rainbows

RADIOHEAD

Más información:

Después de varios días enviando mensajes en clave a sus seguidores, Johnny Greenwood ha hecho oficial el lanzamiento del nuevo álbum de Radiohead. La nueva entrega del quintento de Oxford se llamará In Rainbows, y estará disponible mediante descarga a través de su página web www.inrainbows.com. La descarga se puede pre-ordenar ya, y en ella se puede pagar lo que se estime conveniente: desde 0 libras en adelante.

El disco saldrá a la venta en vinilo a partir del 3 de diciembre. Esta edición costará 40 libras esterlinas, e incluirá dos vinilos, otros tantos CDs y los gastos de envío internacional.

Los temas que incluirá In Rainbows son:

CD 1: (digital download and discbox)

15 Step
Bodysnatchers
Nude
Weird Fishes/arpeggi
All I Need
Faust Arp
Reckoner
House of Cards
Jigsaw Falling Into Place (also known as "Open Pick")
Videotape

CD 2: (discbox only)

Mk 1
Down is the new up
Go Slowly
MK 2
Last Flowers
Up On The Ladder
Bangers and Mash
4 Minute Warning

Radiohead - In Rainbows

Como ya he dicho todavía no he escuchado una sola canción, y eso que presentaron el año pasado algunas canciones en directo. A ver si esta noche me lo puedo descargar...

Solamente dejo este video de la canción Videotape:

Porcupine Tree

2007-10-07T09:50:00.000+02:00

Magnifica banda inglesa, que he descubierto relativamente tarde. Por ahora solo llevo escuchados los últimos tres discos que han publicado, a pesar de llevar juntos más de 20 años. De los cuales, me quedo sin duda con el In Absentia, que hoy recomiendo; para quien le pueda gustar el rock progresivo.

PORCUPINE TREE

Cuando una banda es joven, la fama, el reconocimiento público, es una luz blanca y maravillosa hacia la que se avanza. Más de una formación piensan que ganaran, en cuanto conquisten grandes audiencias, millones de dólares y serán felices. Hay músicos, artistas, que no comprenden nunca que la realidad no es así. Las cosas que se supone que te hacen feliz no sirven. No importa otra persona, otro éxito, ni la aprobación de masas sin rostro que pasen por caja. Lo único que merece la pena, lo único duradero, es el proceso de hacer lo que uno quiere. Este bagaje en la vida empieza por lo más difícil: saber qué es lo que se quiere hacer. En el momento que se sabe, es imposible convertirse en un peón a merced de modas o industrias que corrompan el Arte. Porcupine Tree, un cuarteto británico incalificable en el panorama actual del rock mundial, desde hace más de doce años han cimentado cada uno de sus discos sobre esa sólida base. En el camino han estado coqueteando con muchas músicas, porque sus composiciones evocan antiguas y nuevas conexiones, para presentar, sueño o realidad, “In Absentia”, su primer disco en una multinacional tras años firmando en sellos independientes.

El talento de Steve Wilson, cantante y guitarrista, recorre los surcos del lector en un delicioso paseo entre corrientes. El rubor aflora en el frenético arranque de la travesía, Blackest Eyes, aunque nada puede comparase al momento de ir elevándose de manera lenta y observar la tierra desde las alturas (Trains, The creator has a Mastertape). Al principio se impone una sensación de fragilidad; después empiezas a notar calor y olvidas todo para admirar el pasaje desde el aire (Collapse the light into Earth).

In Absentia, es estar ausente de algo, es el sentimiento de echar de menos algo en tu vida o realidad. Mundos que habitan en el mismo cosmos, caminantes divergentes y capacidad de embaucamiento hacen de “In Absentia” un álbum rico en matices, compositivamente intachable, que sirve como vehículo de exploración interior del pensamiento al saborearlo.

Estas canciones suponen por momentos un ejercicio de nostalgia musical, pero en otros se torna en grandiosas florituras no exentas de potencia y energía. “In Absentia” realza la figura del cantante, guitarrista y compositor Steven Wilson, sin menospreciar a sus compañeros de aventura, puesto que su imaginería, le puede llevar a donde quiera y siempre con sobresalientes resultados. Como guitarrista es impecable, emocional, y sin demostrar todo lo que sabe porque siempre tiene un nuevo as en la manga. Como productor Opeth ya conocen su esencia. Aceptando el compromiso con su propio destino el nuevo disco de Porcupine Tree, “In Absentia”, en la edición europea que manejamos, incluye Bonus Cd con dos temas inéditos y el vídeo clip de Strip the Soul, una de las composiciones de esta imprevisible poesía en movimiento.

Porcupine Tree - In Absentia

Tracklist:

1. Blackest Eyes
2. Trains
3. Lips Of Ashes
4. The Sound Of Muzak
5. Gravity Eyelids
6. Wedding Nails
7. Prodigal
8. .3
9. The Creator Has A Mastertape
10. Heartattack In A Layby
11. Strip The Soul
12. Collapse the Light Into Earth

Año: 2002
Duración: 68:14
Procedencia: Inglaterra
Productor: Steven Wilson

Descarga: In Absentia

Difícil no caer enamorado de la canción Trains:

Dinosaur Jr.

2007-10-04T09:18:00.000+02:00

La verdad, no me esperaba un disco tan bueno de Dinosaur Jr., a estas alturas de su carrera. Será en parte porque se han vuelto a juntar los tres miembros originales, cosa que me sorprendió, ya que J Mascis y el bajista Lou Barlow acabaron muy mal cuando el primero echó al segundo en 1989. Parece que el tiempo todo lo cura...

DINOSAUR JR.

J. Mascis, cantante de voz quebrada y déspota de la banda, se deshizo de la alineación mágica que construyó el brutal Bug. El batería Murph pasó desapercibido después de su marcha y Lou Barlow, hasta entonces bajista del grupo, montó otro de los grupos que se recordarán siempre de la década de los 90, Sebadoh.

Mientras, el dinosaurio jovencito fue adquiriendo un aroma más clásico en sus discos, con un J. Mascis convertido en héroe de la guitarra y demostrando su técnica en canciones que bebían más del Neil Young eléctrico que de todo lo bueno que ocurrió en el underground norteamericano de los 80. Su luz, contradiciendo a los Smiths, se fue apagando poco a poco. O eso creíamos porque, ahora, con la formación original de vuelta, Dinosaur Jr. acaban de editar un disco que los (nos) devuelve a su mejor época.

Beyond no es el gesto tonto y avaricioso de unos músicos decrépitos. No, Beyond no es ese horrible The Weirdness con el que los Stooges nunca deberían haberse insultado a sí mismos. Beyond suelta las chispas de una hoguera ruidosa que parecía extinguida y que ahora entrega once canciones conmovedoras y con las que te apetece montar un grupo de rock. Ésa era una de las grandes virtudes de los primeros Dinosaur Jr: su capcidad de transmitir pasión, de hacerte sentir joven y parte de algo inexplicable, pero que se resumía en un par de riffs, un estribillo coreable sin ser pop y un solo final lleno de ruido que te dejaba para el arrastre. Las canciones de Dinosaur Jr. fueron emotivas y violentas a la par y Almost Ready, Pick Me Up, Back To Your Heart o This Is All I came To Do aún conservan la esencia.

Dinosaur Jr. – Beyond

Tracklist:

1. Almost Ready
2. Crumble
3. Pick Me Up
4. Back To Your Heart
5. This Is All I Came To Do
6. Been There All The Time
7. It's Me
8. We're Not Alone
9. I Got Lost
10. Lightning Bulb
11. What If I Knew

Año: 2007
Duración: 49:34
Procedencia: USA
Productor: J Mascis

Descarga: Beyond

En directo, la canción que abre el disco, Almost Ready:

Love

2007-10-01T11:49:00.000+02:00

Desde que me descubrieran el disco hace aproximadamente 10 días, no pasa uno sin que escuche algo del mítico disco de los americanos Love. Sinceramente, es mejor de lo que me esperaba. De hecho, ya me lo he comprado original, y se lo recomiendo a todo el mundo. Grandes!

LOVE

Movimiento hippie y drogas psicodélicas, pacifismo y guerra de Vietnam, amor libre y dudas existenciales, contestación estudiantil y misticismo oriental, todas las contradicciones inherentes al llamado melting pot o crisol de razas y culturas. En otras palabras: California a mediados de los años 60.

En 1967 un grupo de rock llamado Love ya había publicado dos LP titulados Love y Da capo, que no podían considerarse malos, pero que no daban la talla si se los comparaba con los trabajos de grupos estrella como The Byrds y The Doors. La falta de éxito había creado tensiones dentro de la banda de Arthur Lee (insólito ejemplo en aquella época de un negro liderando un grupo de músicos blancos).
En un ambiente enrarecido por problemas personales y conflictos entre ellos, los componentes del grupo se meten en los estudios Sunset Sound para grabar el que sería su tercer álbum Forever changes. Cuentan que los músicos llegaban al estudio, grababan un par de temas y luego desaparecían durante varios días. Fue milagroso que el disco se terminara.

Una vez publicado, el álbum no llegó a pasar del puesto 154 de la lista de ventas. Ante el nuevo fracaso la banda se disolvió seis meses más tarde. Y aquí es donde empieza la leyenda de Forever changes. Poco a poco, los aficionados escuchan el disco y descubren que es una joya. Los críticos se dan cuenta de que, como tantas veces, han ignorado una obra maestra. Un disco cuyas once canciones, desde la primera estría del vinilo hasta la última, rozan la perfección. Hoy día Forever changes está considerado uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos y es un permanente éxito de ventas.

Forever changes es un fresco de la California de los años sesenta, que recoge en 43 minutos las contradicciones de un mundo en perpetuo cambio, refleja la extrañeza de aquellos días y captura su mezcla de belleza y terror. La mirada del narrador (pues este álbum, como toda obra descriptiva o narrativa, cuenta con un narrador) es sobre todo de perplejidad, con la muerte como telón de fondo de un mundo en apariencia frívolo y desinhibido, pero que para quien es capaz de mirar más allá aparece desolado y sumido en la confusión:

Sitting on a hillside
Watching all the people die
I’ll feel much better on the other side
I’ll thumb a ride

Soledad en medio de la multitud…

Yeah, I heard a funny thing
Somebody said to me
‘You know that I could be in love with almost everyone’
I think that people are
The greatest fun
And I will be alone again tonight my dear

…y hastío…

In the morning we arise and
Start the day the same old way
As yesterday the day before and
All in all it’s just a day like
All the rest so do your best with
Chewing gum and it is oh so
Repetitious
Waiting on the sun

…se reflejan en música y letras.

Todo el disco está marcado por la paranoia de Arthur Lee: “Cuando hice este álbum creía que estaba a punto de morirme y que esas eran mis últimas palabras”:

Life goes on here
Day after day
I don’t know if I am living or if I’m
Supposed to be

El sonido del álbum se basa en guitarra acústica, bajo y bateria, con una aparición perfectamente medida de guitarras eléctricas, teclados y arreglos orquestales (viento y cuerdas). Un rock ecléctico con influencias tan dispares como Jimi Hendrix y Burt Bacharach. A destacar la variedad de matices vocales de Lee, propiciados por los monólogos del cantante/narrador.

Según Andrew Sandoval, Forever changes es también la definitiva banda sonora de Los Angeles: las sirenas de las ambulancias y los ruidos de los accidentes, los dulces violines y las disonantes guitarras, las trompetas de los mariachis y los aires flamencos. Arthur Lee y Love lo captaron todo en una postal sonora.

Love – Forever Changes

Tracklist:

1. Alone Again Or
2. A House Is Not A Motel
3. Andmoreagain
4. The Daily Planet
5. Old Man
6. The Red Telephone
7. Maybe The People Would Be The Times Or Between Clark And Hilldale
8. Live And Let Live
9. The Good Humor Man He Sees Everything Like This
10. Bummer In The Summer
11. You Set The Scene

Año: 1967
Duración: 42:51
Procedencia: USA
Productor: Bruce Botnick / Arthur Lee

Descarga: Forever Changes

A House Is Not A Motel, con un riff de guitarra chulisimo, interpretada por Arthur Lee, seguramente en un concierto en años recientes (antes de su muerte en 2006):

Depeche Mode

2007-09-29T13:20:00.000+02:00

No es que sea un gran seguidor de Depeche Mode, ya que casí nunca he indigado más allá de sus singles (por cierto, la mayoría, excelentes). El único disco que tengo suyo es el Violator, el que seguramente sea su disco clave, y en el que se encuentran dos de sus mayores éxitos, Personal Jesus y Enjoy the Silence.

DEPECHE MODE

Cuentan que a partir de ese momento Martin Gore se tornó mucho más oscuro, que sus composiciones dejaron atrás cualquier resabio de frivolidad ochentera para dar paso a melodías más sobrias y estremecedoras. No por ello dejaría de ser todo un éxito el disco. Prácticamente todos sus títulos se convertirían en singles, siendo así uno de los discos más exitosos de la música electrónica o, si lo prefieren, uno de los más inteligentes del pop ingles.

Quizás nos estemos refiriendo a la opera magna en la carrera de Depeche Mode. Una producción impecable, la combinación Flood-Gore no pudo ser más correcta. David Gahan afina su voz de lujo para lograr tonalidades memorables, tonalidades que demarcan un estilo irrepetible. Este disco sin duda es la más dulce de las perfecciones. Un disco accesible que cualquier amante del buen pop agradecerá por siempre. En él se encuentra el punto justo de una electrónica pertinente que no pecará de ningún exceso. Quizás por esto algunos han visto en Gore un genio absoluto, no sólo a nivel musical sino a nivel ideológico, demostrando que las teclas de un sintetizador son algo más que un empeño lúdico.

Las letras, cortesía de Gore también, se adecuan perfectamente a las melodías y uno las puede tener en resonancia aún mucho después de haber escuchado el disco. No sé cómo lo lograron, pero aquel sonido acartonado y engañosos que balbuceaban los muchos teclados de los ochenta aquí se comporta de una manera perfectamente sobria, al punto de creer que estamos escuchando una música atemporal. No dudo que en esto haya tenido mucho que ver la increíble cabeza de Flood (el productor de productores).

A mí que me encanta especular se me ocurre que si Chopin hubiese tenido en su haber las posibilidades que hoy tiene Gore, notas muy parecidas a las de “Violator” estuviésemos ahora escuchando del andrógino polaco. Se trata –y si no que me lo refuten- de un disco pleno de bellos nocturnos y de melodías simples aunque de una entereza inigualable. A quien no de crédito a mis palabras pues simplemente lo remitiré a piezas como Waiting for the Night –música del eterno nocturno- o Enjoy the Silence –la única banda sonora que pudiésemos imaginar para un Conticinio (horas de la noche en que reina el silencio).

En fin, un disco que recomiendo para “esperar la noche” y abandonarse a sus estancias, para soñar sin dormir o para despertar en un sueño. Por ello, siguiendo lo que he dicho antes, añadiría que si “El Sueño” de Sor Juana Inés de la Cruz fuese la letra de un nocturno electrónico de Chopin, “Violator” de Depeche Mode sería sin duda el resultado. Así de implacable es la regla de tres que les propongo.

Depeche Mode – Violator

Tracklist:

1. World in My Eyes
2. Sweetest Perfection
3. Personal Jesus
4. Halo
5. Waiting For The Night
6. Enjoy The Silence
7. Policy Of Truth
8. Blue Dress
9. Clean

Año: 1990
Duración: 47:02
Procedencia: Inglaterra
Productor: Depeche Mode / Flood

Descarga: Violator

No pongo videos de Enjoy the Silence o Personal Jesus, ya que son más que conocidas. Dejo por eso el video que hicieron para Policy of Truth, que también es un gran tema:

Nirvana

2007-09-27T10:28:00.000+02:00

Hoy, el último disco de estudio de Nirvana, que en mi opinión fue un gran paso adelante en su carrera; sobre todo después del bombazo que supuso Nevermind. Siempre me he preguntado como habría sonado el siguiente disco de la banda...

NIRVANA

Si Nirvana querían dejar claro que no iban a dejarse manipular por la industria a la hora de componer la secuela de Nevermind, se puede decir que lo consiguieron. Desde el principio dejan las cosas en su sitio. El primer single fue Heart-Shaped Box, que no es precisamente lo que se entendía en 1993 (ni ahora) por una canción para radiofórmula. No hay que equivocarse, es buenísima, pero no encontramos un estribillo contagioso, sino una agresividad cercana a Bleach, pero con mayor complejidad y calidad. La línea de bajo que domina la canción fue, según Cobain, una de las mejores aportaciones del carismático Chris Novoselic para Nirvana.

La sección rítmica formada por Novoselic y Grohl (una bestia a la batería) era menos pixie, tenía menos oportunidad de lucimiento (sobretodo el bajo), y estaban más al servicio de la contundencia de las canciones, como muestra la citada Heart-Shaped Box o la brutal Scentless Apprentice, que es la primera muestra palpable que hay en el disco de que el trio de Seattle iba a espantar a todos los que se apuntaron al carro de Nevermind porque "estaba de moda".

La verdad es que no puede entenderse In Utero sin la existencia de Nevermind y su éxito (eso pasa en casi todas los discos, pero este es un caso especial). Para Cobain, las mezclas que hizo Andy Wallace y la producción de Butch Vig en su anterior LP restaron crudeza al trabajo, haciéndolo demasiado accesible. Visto desde su punto de vista, es lógico que tuvieran sus quejas, ellos eran un grupo que venía de la escena punk, de lo sucio, de lo espontáneo, de aquello que Iggy Pop llamó y bautizó como el Raw Power, pero para el oyente medio eso daba igual, porque las canciones eran tremendas.

En In Utero, el rastro pop decrece, la producción es algo más sucia (cortesía de Steve Albini), pero el sonido es tan potente como era en Nevermind, y las canciones ganan en visceralidad. Se detecta el cabreo del grupo con la exagerada situación que vivían, y se puede percibir claramente en una canción como Rape Me, el tema más comercial (fórmula Nevermind: Riff + Calma + Estribillo Enérgico), que con ese título quedó vetada para ser single.

In Utero es otro de los grandes clásicos de la década de los 90's sin lugar a dudas. A pesar de ser desprestigiados por parte de la prensa, por haber tenido éxito tocando apenas cuatro acordes, nadie puede negar que las composiciones eran brillantes, sobretodo en este LP (Frances Farmer..., All Apologies, etc.), con su añorada y lógicamente imitada mezcla de punk (The Stooges, Sex Pistols), hard-rock (Black Sabbath) y pop (Beatles, Pixies).

Nirvana - In Utero

Tracklist:

1. Serve The Servants
2. Scentless Apprentice
3. Heart-Shaped Box
4. Rape Me
5. Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle
6. Dumb
7. Very Ape
8. Milk It
9. Pennyroyal Tea
10. Radio Friendly Unit Shifter
11. Tourette's
12. All Apologies

Año: 1993
Duración: 41:11
Procedencia: USA
Productor: Steve Albini

Descarga: In Utero

El siguiente video recoge canciones de un mini-concierto que (creo) dieron para la MTV. Las canciones que aparecen son Radio Friendly Unit Shifter, del In Utero, y Drain You del Nevermind:

Recopilatorio 1990-2007

2007-09-24T09:11:00.000+02:00

Mientras consigo que mi ordenador vuelva a funcionar correctamente, solo he podido preparar un pequeño recopilatorio este fin de semana. Justamente uno que había hecho para el coche, y que incluye una canción por año, desde el año 1990 hasta el 2007. Eso si, sin repetir grupo, y en líneas generales, muy rockero. Este es el tracklist:

1990: Alice in Chains - We Die Young

1991: Nirvana - Breed

1992: Rage Against the Machine - Know Your Enemy

1993: Pearl Jam - Animal

1994: Nine Inch Nails - March Of the Pigs

1995: Smashing Pumpkins - Tales Of A Scorched Earth

1996: Tool - 46 & 2

1997: Foo Fighters - Monkey Wrench

1998: Queens Of The Stone Age - Mexicola

1999: Skunk Anansie - The Skank Heads

2000: At the Drive-In - One Armed Scissor

2001: System Of A Down - Needles

2002: Fu Manchu - California Crossing

2003: Muse - Hysteria

2004: Incubus - Leech

2005: Cave In - Trepanning

2006: Wolfmother - Joker & the Thief

2007: Wilco - Impossible Germany

Descarga: Recopilatorio 1990-2007

Thrice

2007-09-21T09:27:00.000+02:00

Curioso lo que se avecina del grupo californiano Thrice – su siguiente trabajo será un disco cuádruple, en el que cada uno de los EPs representará un elemento de la naturaleza (aire, fuego, agua y tierra). La verdad es que uno puede esperar grandes cosas, sobre todo con el buen último disco que se marcaron hace ya dos años, y que hoy recomiendo (mientras esperamos al nuevo :) )

THRICE

Algunas bandas a pesar de cosechar un excelente éxito con la fórmula que han venido usando desde siempre deciden en algún momento de su carrera enfocar las cosas de otra manera y visitar nuevos senderos que en ocasiones resultan adecuados y en otras no. Afortunadamente estamos ante un cambio positivo desde mi punto de vista. Vheissu es el último y cuarto disco del cuarteto californiano, precedido del aplastante éxito que tuvo el anterior LP de la banda y acompañado de una gran expectación. Dustin y los suyos vuelven a firmar un disco redondo, como ya nos tenían acostumbrados, aunque quizás los que buscaban una continuación del The Artist in the Ambulance se hayan quedado con un mal sabor de boca y necesiten varias escuchas para digerir mejor esta nueva entrega.

Thrice es una banda que a estas alturas ya tiene todo el respeto y admiración ganados dentro de la escena de su país y que salvo tropezón inesperado hubiese llegado a decepcionar. Vheissu es toda una novedad que nos aleja de su antiguas composiciones y se centra más en la búsqueda de emociones más profundas y letras más tratadas, es un disco muy rico instrumentalmente y que utiliza elementos a los que el grupo no nos tenía acostumbrados, todo ello acompañado de una atomósfera que personalmente aún no había encontrado en trabajos anteriores. El grupo se aleja de un estilo en los que ellos mismos han creado escuela y actualmente saturado por copias de copias y juega con composiciones propias de formaciones como Muse. Desde mi punto de vista es un cambio similar al que dieron Deftones con su White poney, para que os hagáis una idea.

La encargada de abrir es Image Of The Invisible, un auténtico himno que deja patente la nueva dirección que ha tomado el grupo y que seguro se convertirá en una de las imprescindibles en los futuros directos, muy pegadiza. A medida que nos vamos sumergiendo en el disco nos encontraremos con cortes muy emotivos como por ejemplo Between The End And Where We Lie, otros riquísimos y mas delicados como Atlantic o For Miles, este último con mas que palpables influencias de Muse. No han renunciado a la rabia que contenían sus primeros trabajos y nos lo demuestran en Hold Fast Hope, tema que me recuerda a la onda que tenía el grupo en su The illusion of safety. El buen hacer y la experimentación siguen apareciendo en geniales canciones como Music Box o Red Sky, a esta altura del disco ya nos damos cuenta del positivo cambio de actitud y de ideas, no quiero decir que no sea simpatizante de los antiguos Thrice, es una banda que siempre me ha encantado, pero el ver que se consiguen superar haciendo cosas nuevas le añade un reconocimiento extra a este disco.

Es un LP redondo y absolutamente todos los temas merecen atención. Aunque en una primera toma de contacto parezca un poco denso y cargado lo cierto es que tras escucharlo detenidamente durante un tiempo te irás dando cuenta de que se trata de un discazo en toda regla en el que a cada escucha descubrirás cosas nuevas. La polémica esta servida y ya son muchas las discusiones sobre la nueva orientación de la banda, lo que no se puede negar es que un disco trabajadísimo, que aunque se aleje de todo lo que había hecho Thrice en el pasado contiene excelentes canciones y mucha madurez.

Thrice – Vheissu

Tracklist:

1. Image Of The Invisible
2. Between The End And Where We Live
3. The Earth Will Shake
4. Atlantic
5. For Miles
6. Hold Fast Hope
7. Music Box
8. Like Moths To Flame
9. Of Dust and Nations
10. Stand And Feel Your Worth
11. Red Sky

Año: 2005
Duración: 49:14
Procedencia: USA
Productor: Steve Osborne

Descarga: Vheissu

Red Sky en directo en las AOL Sessions:

Death Cab For Cutie

2007-09-19T10:06:00.000+02:00

Buen grupo estos Death Cab For Cutie, aunque últimamente los tengo un poco olvidados. Será porque su último disco (Plans, publicado hace 2 años) me dejo algo frio. Eso si, el Transatlanticism, que hoy recomiendo, sigue siendo una autentica joya. De hecho, fue con este disco con el que les llegue a conocer. Esperemos que pronto publiquen material nuevo, aunque me parece que Ben Gibbard vuelve a estar trabajando en The Postal Service...

DEATH CAB FOR CUTIE

No debe dejar de ser triste, al menos para el artista creo yo, que toda la expectación creada alrededor de la publicación de un disco se deba en gran medida no a la posible calidad de esta nueva obra, sino a cómo ha podido verse influida por la colaboración de uno de sus miembros en un proyecto paralelo. Esto es más o menos lo que ha pasado con el cuarto disco (quinto si contamos un recopilatorio) publicado por Death Cab For Cutie, este Transatlanticism, tras la colaboración de su líder Ben Gibbard con Jimy Tamborello en el proyecto The Postal Service.

Había mucha curiosidad o expectación por ver como había podido influir esta colaboración a la hora de componer las nuevas canciones de DCFC, pensando la gente que este nuevo álbum presentaría un giro electrónico en las nuevas canciones. Pero Ben Gibbard ha demostrado que tanto un proyecto como otro no tienen nada que ver, y con la excepción de Title and Registration, con una pequeña base que podría recordad a The Postal Service , nos ofrece, sin lugar a dudas, uno de los mejores discos de indie pop del año.

En este disco se nos presenta una banda en plena madurez creativa. Una obra de marcado espíritu introspectivo y melancólico donde las canciones van tejiendo un manto de los sentimientos y las miserias del ser humano, convirtiendo a Ben en uno de los mejores cronistas de su generación. Unos temas donde se nota una energía contenida apunto de explotar, una intensidad latente que deja al oyente sin capacidad de reacción y que demuestra una capacidad de encauzar todo el torrente de creatividad que fluye en el grupo.

Desde el inicio con ese fantástico tema que es The New Year, hasta los siete minutos de la delicada “Transatlanticism” con un crescendo progresivo que desemboca en final épico, el disco se mueve entre guitarras suaves o contundentes, melodías delicadas y tristes (Death of a Interior Decorator) o animadas y exultantes (The Sound of Settling), largos desarrollos de piano (Passanger Seat); pero siempre guiadas por la segura mano y la bonita voz de Ben Gibbard.

Un disco donde el grupo por fin saca a relucir todo su potencial, tanto compositivo como interpretativo, que contentara a todos sus seguidores y que tendría que hacer callar a muchos de sus detractores. Un punto y aparte en su carrera y que los coloca en una inmejorable posición para saltar a la primera división del pop americano.

Death Cab For Cutie – Transatlanticism

Tracklist:

1. The New Year
2. Lightness
3. Title And Registration
4. Expo '86
5. The Sound Of Settling
6. Tiny Vessels
7. Transatlanticism
8. Passenger Seat
9. Death Of An Interior Decorator
10. We Looked Like Giants
11. A Lack Of Color

Año: 2003
Duración: 44:09
Procedencia: USA
Productor: Chris Walla

Descarga: Transatlanticism

Una de mis favoritas del disco, Title And Registration, en directo en el show de Mcnroe:

Incomunicado

2007-09-17T20:23:00.000+02:00

Desde la semana pasada estoy sin ordenador en casa, con lo cual me es imposible en estos momentos actualizar el blog. Espero tenerlo arreglado cuanto antes, y seguir recomandando algunos discos más...

(mientras tanto voy a escuchar los nuevos discos del Boss y de los Foo)

Refused

2007-09-12T11:20:00.000+02:00

Uno de los discos de culto de los años 90, y que se recordará durante mucho tiempo, sin duda es el Shape Of Punk To Come de los suecos Refused. Al principio puede resultar un disco chocante, pero esa mezcla frenética entre hardcore y punk, hacen de él un disco imprescindible. El mismo grupo sabía que no serían capaces de superarlo, y poco después se separaron.

REFUSED

Hace ya diez años de la salida de este disco y cada día la gente habla más de él. Y es lógico, porque seguramente toda la escena screamo y emo de hoy en día probablemente no existiría de no haberse publicado. Fue este el disco que asentó las bases de uno de algunos de los estilos de más exito en los últimos años, y sobre todo fue la gran revolución del hardcore, la reinvención de un sonido que se estaba ahogando en sí mismo desde hacía años (con la excepción de Snapcase, otros revolucionarios, los grupos de hardcore de esta época pasaba por sus horas más bajas).

Refused. Dennis Lyxzén, Kristofer Steen, David Sandstrom y Jon Brännstrom, naturales de Umea, Suecia, hicieron historia en 1997. No sólo fue el año de la publicación de su obra maestra, sino también el de su separación. Separación que llegaría por la convicción de todos sus componentes de que no podrían superar aquello tan apoteósico que habían creado. El grupo había derivado en un colectivo de movilización social y su cantante, Dennis Lyxzén, en un nuevo filósofo neomarxista (de hecho el libreto de este disco dontiene un ensayo firmado por el grupo), así que la banda tuvo que cargar con la etiqueta de banda política durante sus últimos años. El final del grupo, pues, no podía ser más acertado: acabó con la suspensión por parte de la policía de su último concierto en la segunda canción.

Pero hablemos de música. Refused, junto a Snapcase, lideraban una reinvención del hardcore a mediados de los años 90: se pretendía incorporar nuevos elementos para desmarcarse un poco del sonido old school tran trillado desde los años 80. Las obras de estos dos grupos rayaban a gran nivel, pero con este disco se consumó el cambio. A partir de entonces, miles de grupos en todo el mundo se dieron cuenta de las posibilidades de un estilo que se creía muerto, y dio lugar a otro nuevo: el post-hardcore.

El disco es prácticamente perfecto, no sólo es compacto sino también variado, algo que es difícil equilibrar. Tenemos pildorazos punk como Protest Song ‘68, Refused Party Program, The deadly rhythm o Refused are Fucking Dead, medios tiempos como The Apollo Program Was a Hoax o Liberation Frequency, hits en potencia como Summerholidays vs. Punkroutine y The Shape Of Punk To Come, auténticas bizarradas sónicas como Tannhäuser/Derivè y, sobre todo, una canción que pasará a la historia como himno generacional por bueno y por revolucionario (tanto en lo musical como en lo no musical): esa genial New Noise. Si después de escuchar todo te quedas indiferente no eres una persona, eres un cactus.

Refused – The Shape Of Punk To Come

Tracklist:

1. Worms Of The Senses/Faculties Of The Skull
2. Liberation Frequency
3. The Deadly Rythm (Of The Production Line)
4. Summer Holidays Vs. Punk Routine
5. Bruitist Pome #5
6. New Noise
7. Refused Party-Programme
8. Protest Song '68
9. Refused Are Fuckin Dead
10. The Shape Of Punk To Come
11. Tannhauser/Derive
12. The Apollo Programme Was A Hoax

Año: 1998
Duración: 55:11
Procedencia: Suecia
Productor: Eskil Lövström / Andreas Nilsson / Pelle Henricsson / Refused

Descarga: The Shape Of Punk To Come

New Noise – la CANCIÓN!!

Bruce Springsteen

2007-09-10T09:07:00.000+02:00

The Boss is back!!! Pues si, en menos de un mes se pondrá a la venta el nuevo disco de Bruce con su E-Street Band, titulado Magic. Personalmente los discos que más me gustan de él son precisamente aquellos en los que está acompañado de toda su banda. Pero hay un disco suyo en solitario a principios de los 80’, posiblemente menos reconocido, pero una autentica joya – Nebraska. Un disco en el que el Jefe relata 10 historias aplastantemente emotivas.

BRUCE SPRINGSTEEN

Sí el rock es escapismo, tripas e intensidad, entonces, Nebraska, es tan rock como Born To Run, Darkness On The Edge Of Town o The River, pero la austeridad auto impuesta le da a esta placa un carácter fúnebre y primitivo. Springsteen abandona sus historias para contarnos las de otros: la de Joe Roberts, Johnny 99 y la de todos los habitantes anónimos de un disco emblemático en su carrera, donde vuelve al tradicionalismo de Hank Williams para entregar relatos desde el otro lado de la tierra prometida.

En Nebraska no hay esperanza y las imágenes son tan nítidas que estremecen. Springsteen retrata con agudeza el lado oscuro de su país y logra con esto sorprender a propios y a extraños. Tanto sus seguidores como la crítica cayeron rendidos ante a una grabación que se refugiaba en guitarra acústica y eléctrica, harmónica y voces para cantar himnos desesperados sobre gente desesperada. Tremendamente familiar, este disco, incomoda y angustia, demanda porque tiene los fundamentos y desarma en su honestidad y simpleza. Su creador no podía tomar partido y, bajo el alero de todas las canciones tradicionales que lo amparaban, se remitió a ser testigo de escenarios opresivos y salvajes para narrar, desde diferentes ángulos, historias donde la única salida posible era escapar.

Desolación, aislamiento, deudas, huidas, encuentros y desencuentros. Cada canción es, para cada uno de sus personajes, un intento de redención imposible. Aquí habitan hombres que se convierten en asesinos por deudas que no pueden pagar (Johnny 99, Nebraska), otros que intentan huir a pesar de saber que su causa está, de antemano, perdida (State Trooper) y los últimos, la mayoría, son simples habitantes de la desigualdad en busca de algo que los anime a seguir; un nuevo auto usado (Used Cars), una noche en la ciudad (Atlantic City, Open All Night) o el encuentro y la perdida de un ser querido (Highway Patrolman, My Father’s House).

A 25 años de su publicación, Nebraska es pilar de un sonido y una actitud. Un modelo de austeridad y destreza lírica, una obra maestra y un desafío para quien se sumerja en cualquiera de estas diez canciones.

Bruce Springsteen – Nebraska

Tracklist:

1. Nebraska
2. Atlantic City
3. Mansion On The Hill
4. Johnny 99
5. Highway Patrolman
6. State Trooper
7. Used Cars
8. Open All Night
9. My Father's House
10. Reason To Believe

Año: 1982
Duración: 40:50
Procedencia: USA
Productor: Bruce Springsteen

Descarga: Nebraska

Precioso video de Atlantic City:

Spoon

2007-09-07T10:51:00.000+02:00

Una de mis últimas joyas descubiertas. Solo había escuchado de pasada su anterior disco (Gimme Fiction), pero es que este nuevo reune temazo tras temazo. La verdad, muy fresco, fácil de escuchar, del que podría decir que ha sido mi disco del verano. Espero que por mucho tiempo!

SPOON

La banda de Austin, Texas regresa con nuevo disco de estudio, un álbum que ya ha arañado algunas posiciones en las listas de éxitos internacionales y que sigue sembrando el floreciente camino de Spoon, que en este trabajo continúa experimentando como ya lo hiciera en sus dos discos anteriores, creando así un universo paralelo, el suyo propio a medio camino entre el pop y rock actual, el sonido retro, las guitarras acústicas y algunos aparatos electrónicos actuales como el pedal o el teclado.

Ga ga ga ga ga, sexto disco de la carrera de Spoon, retoma la parte esencial de sus inicios, cuando las melodías aún no estaban influenciadas por esa dosis de experimentalidad, junto a unos temas efectivos que evidencian que se trata de una de las bandas más representativas de nuestro tiempo, aunque no dejan de lado esa parte más atmosférica que les ha caracterizado y que les sitúa al lado de nombres como los también americanos Wilco. Con Britt Daniel al frente, la banda logra momentos realmente brillantes en este disco, con piezas como Underdog de frondosidad casi barroca, que mezcla las guitarras con instrumentos de viento como la trompeta, Don’t You Evah, quizás uno de los mejores temas del álbum por no decir el mejor, en el que se únen un bajo a la rítmica voz de Daniel dando como resultado una pieza única de aire sensual (curiosamente esta se trata de una canción inédita de sus compañeros de tour, Natural History), o The Ghost en el que el piano y las voces cobran protagonismo.

Por supuesto también hay momentos para retomar Gimme Fiction (2005, Merge), como con el tema de apertura Don’t Make Me A Target, pero ojo!, no estamos ante una prolongación de este álbum, sino que Ga ga ga ga ga es algo más, algo distinto, una nueva aportación a su sonido que si bien se ha ido reposando y volviendo más pop con el paso del tiempo, también es cierto que sabe guardar la originalidad y la esencia de antaño, compuesta por letras inteligentes, estribillos excelentes y melodías bien trabajadas.

Spoon – Ga Ga Ga Ga Ga

Tracklist:

1. Don't Make Me A Target
2. The Ghost Of You Lingers
3. You Got Yr. Cherry Bomb
4. Don't You Evah
5. Rhythm And Soul
6. Eddie's Ragga
7. The Underdog
8. My Little Japanese Cigarette Case
9. Finer Feelings
10. Black Like Me

Año: 2007
Duración: 36:26
Procedencia: USA
Productor: Britt Daniel /Jim Eno / Jon Brion

Descarga: Ga Ga Ga Ga Ga

The Underdog en el show de Letterman:

R.E.M.

2007-09-05T12:28:00.000+02:00

Que decir de R.E.M., ¿quién no los conoce? Con tantos años de historia y cantidad de discos editados (uno nuevo a punto de ver la luz), por fin se les concedió el honor este año, de introducirlos en el ‘Hall of Fame of Rock’n Roll’. Y ya iba siendo hora de recomendar algo de ellos. Concretamente el recopilatorio de sus mejores canciones, según ellos, entre los años 88 y 2003.

R.E.M.

Influyente y mítica banda americana surgida en 1980 en el estado de Georgia (EE.UU.), pionera del denominado rock alternativo e inspiración de bandas de desarrollo posterior. En la década de los 70, plena era punk, un estudiante de arte llamado Michael Stipe conoce a un coleccionista de LP´s de los años 60 llamado Peter Buck. Ambos se unen a dos músicos experimentados, Mike Mills y Bill Berry, y comienzan a tocar en pubs locales en la ciudad de Athens. Pronto se expanden por todo el estado y en 1981 firman su primer disco de estudio Chronic Town con la discográfica IRS. Combinando rock-folk y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país.

La primera década de la banda pasa por ser la mejor de su carrera. Su compromiso con el mediio ambiente (en especial con Greenpeace y la catástrofe del Exxon Valdez) se ve reflejada en temas como "Turn You Inside-Out" o el hit "It´s The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)" editado en 1987. Esta canción se convierte especialmente en la melodía icono del grupo y de la juventud americana del momento. Canciones como "The One I Love" o "Begin The Begin" también son dignas de mencionar.

En la década de los noventa la banda explosiona y con el disco Out Of Time y en especial el single "Losing My Religion" (cuyo vídeo fue muy criticado por la iglesia católica). R.E.M. alcanza el estatus de banda de culto en todo el mundo, por delante de grupos como U2 o Nirvana en las listas de ventas. Un año después, en 1992, R.E.M. lanza su disco más experimental, Automatic For The People, considerado como el mejor disco del grupo hasta el momento. En 1994 R.E.M. lanza Monster, un disco mucho más punk y estridente que los anteriores. Su éxito coincide con la muerte de un gran amigo de Michael Stipe, el líder de Nirvana Kurt Cobain. Con Monster el grupo trata con su característica polémica temas como las drogas o el sexo. En 1995, el batería Bill Berry sufre un derrame cerebral que a punto está de acabar con su vida. Berry abandona el grupo y con él se pierde parte del espíritu de la banda. La marcha de Bill Berry afecta a la música de R.E.M., que comienza a entrar en una etapa delicada.

En 1998 lanzan UP, mucho más melódico y sensible. 2001 es el año elegido para lanzar Reveal, y en 2003 deciden lanzar el recopilatorio In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003, que recoge los mejores éxitos del grupo en su etapa con la discográfica Warner. Su último disco salió en 2004 bajo el título Around The Sun, muy influenciado políticamente y cargado de críticas a la política del gobierno americano actual.

R.E.M. – In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003

Dejemos las cosas claras. Hacer una crítica de un disco recopilatorio de REM resulta trivial. Estamos hablando de una de las mejores bandas de la historia del rock y de un disco que recoge las canciones que consideran más importantes de su etapa 1988-2003. Así pues, este In Time resulta muy recomendable para quienes conozcan bien la carrera de los de Athens, e imprescindible para aquellos que no estén iniciados.

Dicho esto y como tenemos que ganarnos el pan de alguna manera, vamos a escarbar un poco a ver que nos encontramos. El motivo de que precisamente haya sido ahora cuando el disco ha salido al mercado parece evidente. Los últimos discos de REM no han tenido, ni de lejos, la acogida que tuvieron aquellos míticos Out Of Time o Automatic For The People a principios de los noventa, y no porque hayan sido malos. Así que la Warner, que en definitiva es una multinacional discográfica que quiere ganar dinero, decide curarse en salud y sacar un recopilatorio con los momentos fundamentales para entender la evolución de esta banda desde finales de la década de los ochenta, abarcando desde su disco Green (1988) hasta Reveal (2001), y añadiendo dos canciones inéditas y otra proveniente de una banda sonora (la edición especial del disco incluye un CD adicional con canciones en directo y rarezas).

Como no es cuestión tampoco de ponernos a alabar a estas alturas joyas como Man On The Moon, Losing My Religion, Everybody Hurts o Imitation Of Life, vamos a centrarnos en los dos cortes inéditos. Bad Day, que ha sido el single de presentación, es una perfecta muestra del sonido más ochentero de la banda, pues el tema – que empezó a componerse en 1986 y se terminó en 2003 – es una especie de primo hermano remozado del It’s The End Of The World. Y la otra inédita, Animal es, según el propio Peter Buck, uno de sus temas más espontáneos y el mejor ejemplo a seguir en el futuro.
Si lo hacen, podemos estar esperanzados; los REM seguirán siendo una de nuestras bandas predilectas.

Tracklist:

1. Man On The Moon
2. The Great Beyond
3. Bad Day
4. What's The Frequency, Kenneth?
5. All The Way To Reno
6. Losing My Religion
7. E-Bow The Letter
8. Orange Crush
9. Imitation Of Life
10. Daysleeper
11. Animal
12. The Sidewinder Sleeps Tonite
13. Stand
14. Electrolite
15. All The Right Friends
16. Everybody Hurts
17. At My Most Beautiful
18. Nightswimming

Año: 2003
Duración: 76:15
Procedencia: USA
Productor: Scott Litt / Pat McCarthy / R.E.M.

Descarga: In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003

Grandioso este video de Imitation Of Life (de los mejores singles en los últimos años) desde su local de ensayo:

Y aquí el video de la bonito discurso que hizo Eddie Vedder en honor a R.E.M., cuando estos fueron introducidos al Hall Of Fame of Rock’n Roll este año:

Y aquí la segunda parte de este discurso, para quien quiera verla entera…

Soundgarden

2007-09-03T10:21:00.000+02:00

Superunknown no cabe duda que supuso todo un bombazo para la carrera de Soundgarden, pero no hay que olvidar que ya consiguieron crear otra obra maestra anteriormente. Personalmente pienso que es el disco en el que Cornell está mejor que nunca, tanto por la voz como también a nivel compositivo, con la gran ayuda de sus compañeros.

SOUNDGARDEN

Posiblemente Soundgarden consiguieron plasmar en este disco toda la esencia de su música, aquello que habían estado buscando materializar en sus LPs anteriores y que no acababa de ser realidad. Badmotorfinger debe ser una referencia para todo aquel que quiera saber hacia donde había evolucionado el metal en los 90.
Afilados riffs de Thayil y Cornell (cuya guitarra era cada vez más protagonista). Una base rítmica poderosísima, con Matt Cameron destrozando su batería. Y la decisiva presencia de Ben Shepherd como nuevo bajista del cuarteto (sustituyendo a Yamamoto). Todo ello al servicio de, cómo no, la voz más versátil y poderosa de Seattle: Chris Cornell canta a un nivel insuperable, alcanzando ampliamente cualquier registro.
Y sin embargo Badmotorfinger no puede calificarse como un disco fácil. Más anticomercial que Louder Than Love y menos crudo que, Ultramega OK este 3er LP arrasa con todo en sus primeros cuatro cortes, llegando a un primer cénit con uno de los himnos inmortales de la banda, Jesus Christ Pose. La segunda parte del disco mezcla canciones de ritmo más lento y pesado (Room A Thousand Years Wide) con otras adrenalíticas (Drawing Flies) donde la voz de Cornell se convierte en el quinto instrumento y dirige al resto de la banda a su antojo. Sin duda, el disco más enérgico y visceral de Soundgarden. Obra maestra.

Soundgarden – Badmotorfinger

Tracklist:

1. Rusty Cage
2. Outshined
3. Slaves and Bulldozers
4. Jesus Christ Pose
5. Face Pollution
6. Somewhere
7. Searching With My Good Eye Closed
8. Room A Thousand Years Wide
9. Mind Riot
10. Drawing Flies
11. Holy Water
12. New Damage

Año: 1991
Duración: 58:47
Procedencia: USA
Productor: Ferry Date / Soundgarden

Descarga: Badmotorfinger

Madre mia, que video, y que temazo – Jesus Christ Pose! Grande Matt Cameron...

Battles

2007-09-01T11:08:00.000+02:00

Hoy voy a recomendar un disco del que todavía no estoy convencido al 100%, y que sigo intentando digerir de la mejor manera. Se trata del álbum debut de Battles. Mi hermano está mas que encantado con su disco, y por lo que podéis leer en la crítica parece ser que será uno de los discos de los que más de hablará en lo que queda de década. A mí de momento, se me hace muy difícil escucharlo entero del tirón. A ver que os parece a vosotros...

BATTLES

Muy de vez en cuando, un grupo de músicos superdotados es capaz de reunirse y crear algo absolutamente nuevo, un sonido que nunca antes se había escuchado. Casi sin saberlo y con una facilidad pasmosa, Battles ha pasado a formar parte de esa élite con una música tan fuera de tiempo y lugar que se sitúa automáticamente en el extremo derecho de la campana de Gauss. Scott Herren (Prefuse 73) lo vio claro y, tras llevar a los de Nueva York de teloneros, exigió a los capos de Warp su inmediato fichaje.

Tras mover algunas fichas sobre el tablero de la industria musical en forma de EP’s, al fin ha llegado el momento del jaque mate con el esperado primer largo de Battles, el fascinante y poliédrico Mirrored. Un disco tan estratosférico y fundacional que parece destinado a convertirse en la primera guía oficial sobre cómo debe entenderse la música en el siglo XXI.

Hablar de math rock, hip hop, krautrock, electrónica o prog-rock deviene una mera formalidad simplista que no hace justicia a unos temas monumentales en los que la electrónica y las nuevas tecnologías aplicadas a la música se funden con la organicidad y el nervio del rock sin que se noten las costuras. La de Battles es una música eminentemente instrumental y aunque, por primera vez, se utilice la voz, ésta funciona como un instrumento más al emitir sonidos manipulados digitalmente y no articular palabras. La inicial Race:In es el mejor ejemplo para adentrarse en el laberinto; un frenético ritmo de batería de precisión quirúrgica, unos veloces punteos de guitarra y sobre todo ello algo así como el canto de los enanitos de blancanieves de camino al trabajo. Así es el sonido de Battles, una música con marcado carácter de vanguardia que sabe ser divertida y eludir la condescendencia y la pretenciosidad con buenas dosis de humor.

En el single Atlas una voz de dibujos animados se asienta sobre un repetitivo e hipnótico ritmo deudor de las dinámicas metronímicas de Can o Neu! mientras que el groove del hip hop infecta Leyendecker y el bagaje metal del increíble batería John Stanier (Helmet) se filtra en la arrolladora Tonto o en esa Race:Out que tan pronto suena a Metallica como a Tortoise. Porque en los 52 minutos que dura el disco, tantos son los estímulos, las esquinas y los meandros que hay que hacer un auténtico esfuerzo para asimilar todo lo que suena. Como estímulos hay en Rainbow, la canción más larga y compleja del disco en la que se dan la mano King Crimson, Steve Reich, Animal Collective, Lightning Bolt y los cartoons de Hanna-Barbera.

Mucho tienen que cambiar las cosas para que éste no acabe siendo el disco del año y uno de los más importantes de la década.

Battles – Mirrored

Tracklist:

1. Race: In
2. Atlas
3. Ddiamondd
4. Tonto
5. Leyendecker
6. Rainbow
7. Bad Trails
8. Prismism
9. Snare Hanger
10. TIJ
11. RACE: OUT

Año: 2007
Duración: 51:52
Procedencia: USA
Productor:

Descarga: Mirrored

El videoclip del primer single Atlas:

U2

2007-08-30T10:56:00.000+02:00

Poco puede decir acerca de este disco, que sin duda es de los más conocido de los que habré recomendado en el blog hasta ahora. El mítico The Joshua Tree de los ya legendarios U2. Un grupo que con este disco llegó a ofrecer lo mejor de toda su carrera, y que desde entonces, personalmente, han ido desinflandose poco a poco. Además, este año se ha cumplido el 20 aniversario de la publicación de este disco, y sirva esta recomendación como pequeño homenaje!

Aun cuando después de su formación en el año de 1976 la banda integrada por el vocalista líder Bono; el guitarrista The Edge; el bajista Adam Clayton y el baterista Larry Mullen ya para la primera mitad de la década se había convertido en la más popular agrupación de rock and roll de los años 80, no fue sino hasta la primavera de 1987 que se convirtieron en superestrellas gracias a la salida de The Joshua Tree, un álbum que generó desde un principio unas críticas muy entusiastas en las que algunas inclusive proclamaban el disco como “una obra maestra”.

The Joshua Tree se convirtió automáticamente en el primer número uno de la banda en los Estados Unidos y el tercero en la Gran Bretaña en entrar a las listas en el número uno, rompiendo un récord en aquel país al obtener la categoría de platino a tan sólo 28 horas de haber salido a la venta. A su vez, otros éxitos número uno como sencillos fueron la singular balada With or Without You y I Still Haven’t Found What I’m Looking For, cuyo video los presentaba como unos nómadas extranjeros merodeando las avenidas de “La Capital del Juego”, Las Vegas.

Durante su paso por la parte oeste de la Unión Americana se les ocurrió rendirle un homenaje a la legendaria banda de Liverpool Los Beatles, quienes para la salida de su álbum Let It Be hicieron un concierto improvisado en el techo de un edificio, y en su caso organizaron una tocada en la azotea de un edificio del centro de Los Ángeles para filmar igual de improvisadamente el video para su tercer sencillo, Where the Streets Have no Name, el cual fue parteaguas para otros más del mismo tipo hasta años recientes donde los han copiado (más nunca igualado o superado) como los punketos de Simple Plan.

Pero volviendo a The Joshua Tree, este representó la perfecta fusión del experimentar con un género de post punk del que fueron pioneros a finales de los años 70 con el rock and roll que los caracterizó con los años subsiguientes, combinado con un contenido de reflexión y denuncia para con temas como el medio ambiente, la política y la religión en un título que sintetizaba mucho de todo eso al remitirse a un lugar desértico del oeste norteamericano situado entre los estados de California y Nevada.

U2 – The Joshua Tree

Tracklist:

1. Where The Streets Have No Name
2. I Still Haven't Found What I'm Looking For
3. With Or Without You
4. Bullet The Blue Sky
5. Running To Stand Still
6. Red Hill Mining Town
7. In God's Country
8. Trip Through Your Wires
9. One Tree Hill
10. Exit
11. Mothers Of The Disappeared

Año: 1987
Duración: 50:11
Procedencia: Irlanda
Productor: Brian Eno / Daniel Lanois

Descarga: The Joshua Tree

De los mejores videos en directo que he encontrado de Where The Streets Have No Name:

Recopilatorio: 13 Colaboraciones

2007-08-28T09:24:00.000+02:00

Las colaboraciones en el mundo de la música siempre están bien. En el siguiente recopilatorio he querido juntar las colaboraciones (de estudio, no en directo) que más me han gustado. Desde el excepcional dueto de PJ Harvey con el cantante de Radiohead, pasando por la mítica Under Pressure o el reciente último single de los Manic Street Preachers. Estas son las canciones del recopilatorio:

PJ Harvey – The Mess We’re In con Thom Yorke (Radiohead)
At the Drive-In - Rolodex Propaganda con Iggy Pop
Deftones – Passenger con Maynard J. Keenan (Tool)
Queens of the Stone Age – Era Vulgaris con Trent Reznor (Nine Inch Nails)
Foo Fighters – Virginia Moon con Norah Jones
The Strokes – Mercy Mercy Me con Eddie Vedder (Pearl Jam)
Drugstore – El President con Thom Yorke (Radiohead)
Mark Lanegan – Hit The City con PJ Harvey
Temple of the Dog – Hunger Strike con Eddie Vedder (Pearl Jam)
New Order – Turn My Way con Billy Corgan (Smashing Pumpkins)
Queen – Under Pressure con David Bowie
Placebo – Meds con Alison "VV" Mosshart (The Kills)
Manic Street Preachers – Your Love Alone Is Not Enough con Nina Persson (The Cardigans)

Descarga: 13 Colaboraciones

Dredg

2007-08-26T09:19:00.000+02:00

Este es el tercer disco que recomiendo de Dredg, después del Catch Without Arms y su disco en directo. A mi me encantan, y solo puedo decir cosas buenas del grupo, que todavía tengo pendiente de ver en directo. El Cielo, fue su segundo disco; un disco precioso, y el que más suele gustar a los seguidores del grupo.

DREDG

A estas alturas un estilo tan clásico como el rock debe, ante todo, sorprender. Ese es el efecto que consiguen los norteamericanos Dredg. Tras un debut aclamado por la crítica, Leitmotif, y un pequeño EP, Orph, los de San Diego saltan finalmente a escena con un espectacular disco, envuelto bajo el sugerente y estrambótico nombre hispano de "El Cielo".

Este es un disco sin duda original, una verdadera muestra de rock inteligente, sin ningún tipo de prejuicios. El metraje se divide en generalmente largas canciones, con desarrollos imprevisibles, que se alternan con escuetos interludios, aportando estos un carácter más sorprendente y onírico si aún cabe a la obra. Same Ol’ Road, que abre esta, es una canción pegadiza y sugerente, con pulso hipnótico y una improvisación ayudada por los giros hacia el rock mas melódico y el uso de secuencias programadas al mas estilo Incubus sobre una sorprendente base de percusión.

Sanzen es otro bombazo; delicada, onírica y con toque épico. Triangle quizá sea el tema mas sorprendente y experimental del disco, junto al imprevisible cierre de The Canyon Behind Her. En Convalescent se muestran mas ramplones en un desarrollo bastante previsible, en Sorry But Its Over se acercan al rock mas convencional, sin perder originalidad, y en Whoa Is Me? vuelven a sorprendernos con un interesante medio tiempo . Por su parte, Of the Room es la típica "canción single" de efectividad asegurada, melódica, rápida y con toques heredados de Tool.

De los interludios hay que destacar el delicado piano de Walk In The Park, el fragmento programado de Same Ol’ Road y su mutación con una emotiva guitarra acústica ("Reprise") o la sugerente An Elephant Through The Delta Waves. Dredg han firmado todo un gran disco, innovador y la vez fácil y ameno de escuchar (ahí reside su mérito), una propuesta original que hace que sonriamos pensando en que el rock aun nos puede sorprender. Toda una joya para aquellos que catalizan el rock sin prejuicios.

Dredg – El Cielo

Tracklist:

1. Brushstroke
2. Same Ol' Road
3. Sanzen
4. Brushstroke: New Heart Shadow
5. Triangle
6. Sorry But It's Over
7. Convalescent
8. Brushstroke: Walk In The Park
9. Eighteen People Living In Harmony
10. Scissor Lock
11. Brushstroke: Reprise
12. Of The Room
13. Brushstroke: An Elephant In The Delta Waves
14. It Only Took A Day
15. Whoa Is Me
16. The Canyon Behind Her

Año: 2002
Duración: 57:08
Procedencia: USA
Productor: Drede / Ron St. Germain / Tim Palmer / Michael Rosen

Descarga: El Cielo

Same Ol' Road en directo. Muy buena!

The Gossip

2007-08-24T09:50:00.000+02:00

Todavía me arrepiento mucho de haberme perdido en directo a este peculiar trío en el pasado Summercase, ya que tocaron al mismo tiempo que los Jesus & Mary Chain (y que al final no fue para tanto). De momento solo me queda disfrutar de su último (y genial) disco.

THE GOSSIP

The Gossip, son un brutal trío de Olympia que practican desde el punk más visceral hasta una marcada tendencia a rescatar el psychobilly con una óptica feminista, destilan una energía asombrosa que la escena (post) riot grrrl (otro días nos adentraremos con más profundidad en este fenómeno) necesitaba con urgencia.

Con este nuevo trabajo nos demuestran que han madurado un poco en el aspecto lírico pero mantienen su fórmula intacta. La voz de Beth Ditto suena como si Aretha Franklin se hubiese empollado a fondo la estructura de las canciones del Nevermind de Nirvana para aplicarlas a su repertorio más groovy.

El single que da nombre al ábum, es todo un torrente de energía que a bote pronto cualquiera describiría como hardcore-soul, como si la cantante de The Slits hubiera sido Janis Joplin o Tina Turner en sus años mozos. No va a ser su primer single ni su debut en larga duración. Como pasara con !!!, The Gossip ya cuentan con varias cosas editadas. Debutaron en 1999 con el disco That’s Now What i Hear, al que siguió en 2003, Movement; trabajos en los que se daba a conocer otra banda más de revivalismo rockero en su versión garagera. Pero todas las criticas de ambos trabajos se detuvieron en la gran diferencia que Gossip presentaban respecto a otros discípulos de White Stripes, la privilegiada garganta de Beth Ditto. Tanto ha sido asi que a la hora de lanzar el que será su tercer álbum, el sello alemán Lado –con artistas como Tocotronic o Egoexpress en sus filas- se ha encargado de conseguir la licencia para Europa, que distribuirá la gente de Emi. Tienen todas las papeletas para convertirse en una de las sorpresas del próximo año; ¿qué nos apostamos?

Standing in the Way of Control grabado junto a Guy Picciotto (miembro de Fugazi y productor de Blonde Redhead) llegaba a mis manos hace unos días y todavía no he podido separarme de él. “La inflamable mezcla del punk y r’n'b, reforzada con el recoroso hacer de la nueva bateria Hannah Blilie puede arrasar con todo, incluída la selva axiliar de su cantante”. En definitiva, un álbum que hará bailar al más rockero o al más punk. Compuesto por enormes canciones. The Gossip superan y destrozan cualquier expectativa que se tuviera sobre ellas.

The Gossip – Standing In The Way Of Control

Tracklist:

1. Fire With Fire
2. Standing In The Way Of Control
3. Jealous Girls
4. Coal To Diamonds
5. Eyes Open
6. Yr Mangled Heart
7. Listen Up!
8. Holy Water
9. Keeping You Alive
10. Dark Lines

Año: 2006
Duración: 35:31
Procedencia: USA
Productor: Ryan Hadlock / Guy Picciotto

Descarga: Standing In The Way Of Control

Sin palabras – la canción Standing In The Way Of Control en directo:

Supergrass

2007-08-22T10:31:00.000+02:00

Supergrass nunca me han entusiasmado tanto como para indagar mucho en su discografía. Pero si es verdad que me gustaban mucho sus singles; por eso, cuando salió a la venta este Greatest Hits suyo, no tarde en comprarlo. Y creo que hice una muy buena compra: 21 canciones, muchas que no conocía, pero todas a un muy alto nivel. Ideal para conocer mejor a estos ingleses.

SUPERGRASS

Surgidos en 1993 en la prolífica Oxford, Inglaterra, la banda liderada por Gaz Goombes toma elementos del glam-rock, el punk, y de bandas como los Beatles y Rolling Stones para crear un sonido único, que fluctúa entre el indie y el brit pop.

Un sonido por momentos crudo, mezclado con cierta psicodelia, y ritmos cambiantes, ha caracterizado a la banda también integrada por el bajista Mickey Quinn y el baterista Danny Goffey Stones (luego se uniría el hermano del vocalista, Robert Coombes, en los teclados). Los miembros del grupo se conocieron en su época estudiantil en el Wheatley Park Comprehensive. Inicialmente Coombes y Goffey dieron vida a The Jennifers, con el cual lograron un single a través del sello Nude Records. Al sumarse Quinn la banda pasó a llamarse Theodore Supergrass.

En el 94, con el sello Backbeat editaron el simple Caught By The Fuzz, que inmediatamente cobró popularidad y motivó que Parlophone, editara aparecerían Mansize Rooster, Lenny y Alright (quizás el tema más difundido, recordarás, el videoclip en que paseaban en una cama motorizada) de su gran álbum debut I Should Coco de 1995.

Dos años después aparecería In It For The Money, una referencia sarcástica al título de Frank Zappa, y que incluía los fantásticos Richard III, Tonight, Going Out, Richard III o Sun Hits the Sky. En 1999 fue tiempo de su disco homónimo, Supergrass, con el temazo Pumping on your Stereo, una canción de comienzo lento y distante que terminaba envolviendo al oyente. Este disco no tuvo una buena recepción por parte de la prensa especializada, pero contiene otras excelentes canciones como What Went Wrong In Your Head, Eon, Mary, Born Again, Moving o Your Love.

En 2002 apareció Life In Other Planets, con sus picos más altos en Grace, Seen the Light o Rush Hour Soul son algunos de sus mejores momentos. Y finalmente, hace 2 años vio la luz su último álbum, Road To Rouen, un disco que alternaba ritmos del funk con la habitual psicodelia y arreglos de orquesta.

Supergrass - Supergrass is Ten (The Best Of 1994-2004)

Parece que fue ayer pero ya ha pasado una década desde que el trío británico Supergrass debutara con el exitoso I Should Coco. Diez años en los que nos han entregado cuatro álbumes en los que abundan las piezas alegres, contagiosas, contundentes, con un marcado espíritu revival y que beben de grupos como Beatles, Monkees, The Jam o Buzzcocks.

Ordenado de forma aleatoria y sin dejar fuera ni un solo éxito de la banda, Supergrass Is Ten (The Best Of 1994-2004), repasa en veintiún cortes (dos de ellos nuevos), algunos de los himnos que nos han acompañado desde 1994. Desde aquel Alright que les hizo mundialmente populares a las vitaminadas Caught By The Fuzz, Strange Ones o Mansize Rooster. Del tufillo Stones de Pumping On Your Stereo a los arreglos orquestales de la espléndida Moving. De las contundentes piezas incluídas en In It for the Money (97) (Richard III, Sun Hits The Sky) a los singles Going Out, Mary o Rush Hour Soul; además de las inéditas Kiss Of Life y Bullet.

Gaz Coombes y los suyos ya tienen un grandes éxitos y aún les queda mucho por decir. Simplemente echemos la vista atrás y veremos que la plana mayor de las bandas que debutaron hace una década o se han separado o han perdido todo el interés, mientras que el trío de los eternos adolescentes y sus pegadizas melodías siguen sin perder la chispa.

Que no es poco.

Tracklist:

1. Caught By The Fuzz
2. Pumping On Your Stereo
3. Alright
4. Moving
5. Richard III
6. Grace
7. Late In The Day
8. Seen The Light
9. Mansize Rooster
10. Sun Hits The Sky
11. Kiss Of Life
12. Mary
13. Going Out
14. Lenny
15. Bullet
16. It's Not Me
17. Rush Hour Soul
18. Strange Ones
19. Lose It
20. Time
21. Wait for the Sun

Año: 2004
Duración: 71:18
Procedencia: Inglaterra
Productor: Ryan Hadlock / Guy Picciotto

Descarga: Supergrass is Ten (The Best Of 1994-2004)

De las más conocidas seguro que esta Alright. Aquí un video suyo en directo:

Interpol

2007-08-20T10:18:00.000+02:00

Por fin de vuelta!! Y con un disco que no he parado de escuchar en las últimas semanas. El tercer y esperado disco de los neoyorquinos Interpol. Cuando lo escuche por primera vez me pareció algo plano y con poca fuerza. Pero con el tiempo le he conseguido pillar el truco, y la verdad es que ya lo considero uno de mis discos preferidos del año. Cada canción esconde un ‘no se qué’ que hace que esté muy enganchado al disco en general. Por cierto, tocan el 8 de noviembre en Madrid, y yo ya tengo mi entrada :). No me los pierdo por nada del mundo...

INTERPOL

Después de saborear de manera muy minuciosa este disco puedo decir claramente que lo han vuelto a conseguir. Our Love To Admire es un disco mucho mas cercano al debut de Interpol en varios sentidos, es igual de turbador, oscuro y opresivo en ocasiones y un bloque más compacto que el Antics. Es un disco para escuchar de principio a fin que está muy cohesionado y que deja entrever el grado de madurez compositiva que han alcanzado los neoyorquinos.

Cuando el single, The Heinrich Maneuver hacía pensar que el disco seguiría los mismos senderos que el Antics nos han dado una grata sorpresa con este nuevo trabajo. Our Love To Admire requiere más escuchas que los discos anteriores, no os desaniméis los fans si en las primeras tomas de contacto no captáis bien los nuevos derroteros por los que se han ido, os aseguro que después de prestarle la atención necesaria se convertirá en uno de vuestros discos favoritos de este año. Una evocadora Pioneer to the Falls se encarga de abrir este nuevo trabajo a lo grande, del mismo corte que Untitled o Next Exit se trata de una pista ideal para abrir los conciertos de la nueva gira, muy etérea y melancólica, aderezada por unos teclados que aportan un nuevo nivel de creatividad a la banda, dándole un toque onírico semi oriental muy interesante.

En canciones como No in Threesome o The Scale podemos encontrarnos con el Paul Banks más sincero, en canciones que por momentos llegan a recordar a los The Cure de tiempos antaños, especialmente en The Scale y sus inquietantes guitarras. The Heinrich Maneuver, el primer single de este nuevo LP es con diferencia la canción más accesible y movidita del disco, siguiendo los patrones de hits pertenecientes al Antics, muy resultona y que no desentona para nada con el resto del conjunto. Parte de la madurez de la banda puede notarse en canciones como Peace is the Trick, donde Paul se atreve a juguetear con otros registros vocales distintos al que siempre ha estado usando, una bonita canción con un majestuosos estribillo que la convierte en una de las mas emotivas del bloque.

All Fired Up sigue un esquema más robótico y unos guitarreos más atrevidos que los cortes anteriores y en Rest My Chemistry nos encontramos con la que personalmente me parece una de las mejores canciones que han compuesto, un tiempo pausado y embaucador que sabe resumir con maestría el concepto de este disco. Se muestran un poco mas alegres y dinámicos en Who Do You Think? para después volver al mas profundo pesimismo con Wrecking Ball, una canción cuya ambientación parece arrancada del mismísimo Pornography de The Cure. El disco termina con una inquietante Lighthouse, el mejor broche final en forma de corte ambiental/experimental que podían haber dado a este trabajo.

En definitiva y desde mi punto de vista, si eres fan de Interpol es muy difícil que este disco te decepcione. Como ya he comentado, merece más atención por parte del oyente que por ejemplo el Antics, mostrando por el contrario más similitudes con el Turn On The Bright Lights en cuestión de cohesión y complejidad. Han alcanzado una madurez que los aleja de sus influencias, dejando atrás de manera definitiva las comparaciones con agrupaciones como Joy Division. Han sabido encontrar un nuevo sonido en el que se desenvuelven como pocos grupos y con el que se consagran como una banda asentada.

Interpol – Our Love To Admire

Tracklist:

1. Pioneer To the Falls
2. No I In Threesome
3. The Scale
4. The Heinrich Maneuver
5. Mammoth
6. Pace Is the Trick
7. All Fired Up
8. Rest My Chemistry
9. Who Do You Think
10. Wrecking Ball
11. The Lighthouse

Año: 2007
Duración: 47:05
Procedencia: USA
Productor: Rich Costey / Interpol

Descarga: Our Love To Admire

Mammoth en directo, desde el Hurricane Festival del pasado jueves. Me hace ilusión ver este video, ya que estuve alli, prácticamente en primera fila :). El video incluye una pequeña entrevista con Paul y Carlos.

On Holidays...

2007-07-31T12:03:00.000+02:00

Pues eso, que me voy de vacaciones los próximas días, así que el blog estará un tiempo sin actualizarse. Creo que dejo discos y grupos suficientes para pasar el rato. Prometo volver con más discos :) Algunas sugerencias, peticiones ??

Ciao!

Varios: Imprescindibles II

2007-07-31T10:37:00.000+02:00

He vuelto a subir algunos enlaces de discos recomendados hace tiempo que he visto que ya habían caducado, y que sería una pena que quedaran en el olvido. Por eso, a continuación teneís estos tres discazos:

Interpol - Turn On The Bright Lights

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John Frusciante - Shadows Collide With People

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Sigur Rós - Takk...

Descarga

Si queréis más información del disco/grupo pinchad en el nombre; si solo quereís el disco pinchad en 'Descarga'.

Muse

2007-07-29T10:40:00.000+02:00

Antes de irme de vacaciones, no quería dejar pasar por alto uno de los mejores discos en directo que poseo. Precisamente, de uno de lo mejores grupos hoy en día en directo: Muse. En este directo, repasan algunos temas de sus primeros dos discos (Showbiz y Origin of Symmetry) en un concierto que dieron en Paris. Además viene con un segundo disco lleno de caras-b y (hasta entonces) canciones inéditas.

MUSE

Descarga álbum Absolution

Muse han hecho un hat trick sacando un DVD y un doble CD de un solo golpe. De paso, han aprovechado para editar, en uno de los discos compactos, una serie de canciones inéditas que, de haberlas reunido en un solo CD podrían haberse convertido en el tercer lanzamiento en estudio del grupo. Además de la enorme calidad de estas tomas inéditas, Muse adaptan de forma magnífica el Please, Please… de los Smiths, y abren con una intro de What´s He Building de Tom Waits su concierto en Le Zenith de París. Con esta actuación, de la que faltan algunos clásicos, se rememora la grandilocuencia, intensidad y fantasía con la que el trío acostumbra a subirse al escenario, no en vano Muse tienen –a mi parecer- el tercer mejor directo del mundo después de Zeke y AC/DC. Las caras B que incluyen son de distinta factura, como Yes Please y Forced In, que se encontraban en el CD extra de la edición limitada de Showbiz o las que a mí me resultan especialmente apacibles Map Of Your Head, Nature 1 y Shine Acoustic.

Muse – Hullabaloo Soundtrack

Tracklist:

Disco 1 (Caras-b)

1. Forced In
2. Shrinking Universe
3. Recess
4. Yes Please
5. Map of Your Head
6. Nature_1
7. Shine
8. Ashamed
9. Gallery
10. Hyper Chondriac Music

Disco 2 (Directo)

1. Dead Star [Live]
2. Micro Cuts [Live]
3. Citizen Erased [Live]
4. Showbiz [Live]
5. Megalomania [Live]
6. Dark Shines [Live]
7. Screenager [Live]
8. Space Dementia [Live]
9. In Your World [Live]
10. Muscle Museum [Live]
11. Agitated [Live]

Año: 2002
Duración: 91:11
Procedencia: Inglaterra
Productor: John Leckie

Descarga: Disco 1 (Caras-b) y Disco 2 (Directo)

Sin ninguna duda, mi canción favorita de todas las que tiene Muse: CITIZEN ERASED!
No es la versión que aparece en el Hullabaloo, pero igual de buena.

Maxïmo Park

2007-07-27T10:20:00.000+02:00

Después de que se dieran a conocer Franz Ferdinand en la escena musical indie británica, salieron numerosos grupos que fueron considerados nuevos 'hypes'. Una vez pasados los años, en los que muchos de estos grupos ya han afrontado el difícil reto de publicar un segundo disco, me quedo con un grupo en especial, y que hasta ahora no había recomendado en el blog. No sé si será por los buenos ratos que me han hecho pasar en directo, o por la calidad de su primer disco (por cierto, el segundo, publicado este año, tampoco está nada mal...).

MAXÏMO PARK

Entre los grupos que conforman esa suerte de escena británica surgida en torno al concepto del hype y auspiciados por publicaciones como la NME, pocos han dado tanto de hablar en el pasado año como Maxïmo Park. En principio no hay mucho que pueda diferenciarles de otros compañeros de viaje, pero por suerte para ellos consiguen hacer de la ejecución y no de las ideas su mayor fuerte.

Su primer álbum, A Certain Trigger, nos presenta a una banda que parece más rodada de lo que indica su verdadera edad. La sucesión de canciones redondas que esconde el LP es toda una sorpresa para quienes pudiesen esperar encontrarse solamente con un producto temporal, aprovechando el actual resurgir de la escena británica más rockera. En su lugar se toparán con melodías pegadizas, duraciones muy bien ajustadas y poco que pueda ser criticado a lo largo del escaso minutaje del disco.

Si acaso se les podría atribuir el sacrificar el todo por las partes. Pese a que en ningún momento la escucha pierda interés, lo cierto es que estamos ante un trabajo que funciona mejor cuando coges los temas como capsulas individuales, y que en conjunto no tiene la misma pegada. El carácter autoconclusivo e independiente de las composiciones tiene también su lado positivo, y es que absolutamente todas ellas podrían ser potenciales singles o, simplemente, y dejando de lado el carácter más comercial, quedarse clavadas en nuestra cabeza durante varios días.

Desde la apertura, de la mano de Signal & Sign, hasta el final de Kiss You Better, no paramos de encontrarnos con constantes bombazos sonoros que nos van presentando a una banda llena de convicción y con las ideas claras. Solamente en Acrobat bajan el ritmo frenético para regalarnos una ensoñación muy bien resuelta. Para entonces ya habremos disfrutado del aire new wave de Postcard of a Painting, de estribillos como el de Going Missing o miniaturas tan redondas como The Night I Lost My Head y sus menos de dos minutos.

Toda una lección de cómo hacer canciones por encima de todo, sin grandes pretensiones y sin ningún plan rector. Tal vez ahí radique la verdadera diferencia de Maxïmo Park con respecto a muchos de sus compañeros de tendencia, en la inexistencia de un vehículo teórico que guíe todo su trabajo. Ellos sólo componen píldoras de pop-rock concentradas al máximo, y en eso son realmente muy buenos.

Maxïmo Park - A Certain Trigger

Tracklist:

1. Signal And Sign
2. Apply Some Pressure
3. Graffiti
4. Postcard Of A Painting
5. Going Missing
6. I Want You To Stay
7. Limassol
8. The Coast Is Always Changing
9. The Night I Lost My Head
10. Once, A Glimpse
11. Now I'm All Over The Shop
12. Acrobat
13. Kiss You Better

Año: 2005
Duración: 39:33
Procedencia: Inglaterra
Productor: Paul Epworth

Descarga: A Certain Trigger

Graffiti en directo:

King Crimson

2007-07-25T11:18:00.000+02:00

Hoy un clásico, que salió del Reino Unido a principios de los 70 (vaya época!!). Es el único disco que conozco hasta el momento de King Crimson, ya que es el disco que tiene mi hermano. No es que me tenga muy enganchado, pero en los 5 temas que tiene el disco la verdad es que tocan muchos estilos, y no me extraña que digan que son una de las claras influencias de The Mars Volta. (para Hector)

KING CRIMSON

Vehículo para el héroe zurdo de la guitarra Robert Fripp, King Crimson es uno de los grupos más importantes del rock progresivo, que ha sobrevivido a incontables cambios de personal desde su formación en Londres hace casi cuatro décadas. Los demás miembros originales eran el cantante/bajista Greg Lake, el batería Michael Giles, el letrista Peter Seinfeld e Ian McDonald, que se ocupaba de los teclados, la percusión y los vientos. Esta formación solo grabó un LP, pero continúa siendo el trabajo más conocido del grupo.

Desde la aterradora y gigantesca imagen de la portada, mejor apreciada en vinilo, hasta las portentosas letras, In The Court of the Crimson King es un álbum sin fisuras. 21st Century Schizoid Man fija el tono. Se trata tal vez del primer himno alternativo, con un riff principal inmenso, un saxo chillón y visiones apocalípticas. Todavía más pesimista es Epitaph, una hermosa balada de resignación apoyada en una intensa mezcla de texturas (melotrón, timbal, guitarra acústica). Moonchild es una canción de amor bucólica prolongada hasta una longitud épica por un interludio improvisado tipo jazz, en tanto el tema que da título al álbum combina aires árabes, el ritmo vertiginoso del timbal y flautas barrocas, con el fin de conjurar su escenario mediaval.

In The Court of the Crimson King alcanzó el Nº 5 en Inglaterra y el 28 en EEUU. Otros hitos del grupo son la colorida continuación In The Wake Of Poseidon, el electrizante Larks’ Tongues In Aspic, de 1973 y el funky Discipline, de 1981, influido por Talking Heads. Las estrellas contemporaneas Tool y The Mars Volta reverencian a la banda, mientras el siempre versátil Fripp ha tocado en varios discos míticos de David Bowie y Brian Eno.

King Crimson – In The Court of the Crimson King

Tracklist:

1. 21st Century Schizoid Man
2. I Talk To The Wind
3. Epitaph
4. Moonchild
5. The Court Of The Crimson King

Año: 1969
Duración: 44:01
Procedencia: Inglaterra
Productor: King Crimson

Descarga: In The Court of the Crimson King

No es la formación original, pero interpretan la última canción, The Court Of The Crimson King:

Sleater-Kinney

2007-07-23T09:11:00.000+02:00

Con el disco de hoy quiero reconocer a un grupo formado por tres mujeres que anunciaron su retirada precisamente el año pasado, después de haberse formado en el 94. Yo las descubrí bastante tarde, con la publicación de su último disco (The Woods) hace 2 años, pero indagando más en su discografía (tienen 7 álbumes) me encontré con este extraordinario disco que es Dig Me Out. Fans de ellas son, por ejemplo, Pearl Jam, que las llevaron como teloneros hace unos años, y quienes de vez en cuando versionan un tema suyo.

SLEATER-KINNEY

Sleater-Kinney desciende de un largo linaje de bandas punk del noroeste del Pacífico estadounidense. Su sexo y fervor por las Bikini Kill provocó que las etiquetara de arpías, pero eso solo es una parte del asunto. Sleater-Kinney (1995) y Call the Doctor (1996) mostraron a una banda cargada de entusiasmo, pero que exigían más respeto que el de un culto devoto. Lanzado por el orgulloso sello punk Kill Rock Stara en 1997, Dig Me Out es una combinación perfecta de ideología, actitud y riffs perversos.

Esta construido alrededor de las voces contrapuestas de Corin Tucker y Carrie Brownstein (en particular el cautivador chillido en falsete de Tucker) y los restallantes duelos de guitarra (no hay bajo). El principio de guitarra de Brownstein en el corte del título, puntuado por el snare drum de Janet Weiss, proporcionan de inmediato una descarga de energía. Al contrario que sus precursoras de Kill Rock Stars, en especial Bikini Kill, Sleater-Kinney son políticas pero no agresivas. El dulce estribillo chicletero en Little Babies, ilustra su delicado equilibrio de punk, política y pop, en tanto el travieso It’s Enough yuxtapone la fórmula de la canción pop de dos minutos con letras que critican y celebran al mismo tiempo la fascinación (masculina) de críticos y admiradores por las bandas de chicas.

Not What You Want crea un irresistible crescendo de ruido. En vivo contraste, Buy Her Candy es una balada conmovedora con un sutil comentario político. “Explosiva química musical que mezcla melodías contagiosas con deconstrucción punk innovadora”, se maravillaba Rolling Stones. Brownstein era más mesurada: “A mí no me deja tan perpleja la excelente calidad de Dig Me Out. Hemos trabajado duro”. Este disco indicó que existía una fuerza poderosa que no quería ser marginada ni tratada con condescencia.

Sleater-Kinney - Dig Me Out

Tracklist:

1. Dig Me Out
2. One More Hour
3. Turn It On
4. The Drama You've Been Craving
5. Heart Factory
6. Words And Guitar
7. It's Enough
8. Little Babies
9. Not What You Want
10. Buy Her Candy
11. Things You Say
12. Dance Song '97
13. Jenny

Año: 1997
Duración: 36:24
Procedencia: USA
Productor: John Goodmanson

Descarga: Dig Me Out

La canción que da nombre al disco en directo:

Thom Yorke

2007-07-21T11:18:00.000+02:00

Ya esta bien! 4 años son los que ya han pasado desde el último disco de Radiohead. Y sinceramente, no puedo más!! Las últimas noticias hablan de una supuesta publicación a final de este año. Esperemos que así sea...Mientras tanto nos tendremos que conformar con el pequeño avance que nos brindo el año pasado su cantante, en forma de disco en solitario. No mejora ningún de sus discos de grupo, pero se deja escuchar, y con algunos temas sobresalientes. Por cierto, aquí teneís el link del blog de Radiohead.

THOM YORKE

The Eraser es el esperado debut como solista de Thom Yorke, cantante y líder de Radiohead. La voz de Thom suena más triste y afectada que nunca y tiene un protagonismo aún mayor que en los discos de la banda, mientras que la música que la acompaña es netamente electrónica, compuesta y ejecutada por él mismo con una laptop. Las letras hablan de historias tristes y desengaños amorosos. The Eraser es, como se esperaba, un disco introspectivo donde la suma de la voz, las letras y los beats electrónicos –con algunos sonidos de guitarra y piano-, generan una interesante combinación que hace pensar en Thom Yorke como la versión más actual de un songwriter. Un cantautor con una fuerte identidad que, más allá de su timbre inconfundible y lejos de recurrir a la guitarra como instrumento dominante, halla justamente esa particularidad en la combinatoria de su voz con esos paisajes sonoros.

Para montar el armazón musical de The Eraser, Thom Yorke ha vuelto a confiar en las sabias manos de Nigel Godrich, el arquitecto sonoro detrás de OK Computer, que ha sabido dotar al disco de una producción detallista que no sobrecargada. Mientras suena Atoms For Peace, moderada revisión del Headphones de Björk y Tricky, The Eraser está apunto de encarar su tercio final. Hace mucho tiempo Thom Yorke cogió una guitarra llena de frustraciones adolescentes y el rock acabó siendo la catarsis ideal. Luego, el destino lo llevó a los terrenos de la electrónica sombría y la progresiva deshumanización de su música fue el nuevo camino hacia el desahogo. Cuando Cymbal Rush cierra el disco con sus bases atmosféricas y mecánicas, resulta curioso ver cómo ha cambiado -y madurado- ese joven cabreado que una vez reventó las emisoras de radio con las guitarras de “Creep”.

En definitiva, quizás The Eraser no sorprenda tanto como cabría esperar pero siempre es un placer escuchar nuevo material procedente de las filas de una de las bandas más influyentes y respetadas de los últimos años. Puede que en paralelo los de Oxford ya estén preparados para protagonizar un cambio de dirección u otra depuración radical de su sonido. De momento, su líder da una vuelta de tuerca más y lleva al extremo los hallazgos de los últimos años. Sí, todavía se siente un extraño en un mundo distorsionado, aún sus composiciones siguen transportando su emotividad original entre tanta capa sintética. Y lo mejor de todo, su imaginación y fuerza están en pleno rendimiento, solo o acompañado, qué más da.

Thom Yorke - The Eraser

Tracklist:

1. The Eraser
2. Analyse
3. The Clock
4. Black Swan
5. Skip Divided
6. Atoms For Peace
7. And It Rained All Night
8. Harrowdown Hill
9. Cymbal Rush

Año: 2006
Duración: 41:01
Procedencia: Inglaterra
Productor: Nigel Godrich

Descarga: The Eraser

Una versión más acústica de The Clock, pero a mi gusto incluso mejor que la del disco – que voz más inconfundible!!

Green Day

2007-07-19T10:04:00.000+02:00

Pues sí, el primer disco que recuerdo haber comprado con mi dinero, fue el archiconocido Dookie, a principios del 95. Recuerdo que a partir de ese momento y durante unos cuantos años solo escuchaba Green Day, ya que por aquel entonces no me era tan facil conocer otros grupos. Por eso, ni que decir que le tengo mucho cariño a este disco, y por que no, al grupo en general (aunque con el rumbo que están tomando últimamente no me agraden tanto). Os dejo el disco, por si alguien quiere volver a recordarlo!

GREEN DAY

Los puristas del punk aún se sienten insultados por este disco de éxito atronador. Pero lo que nadie puede negar es que, con Dookie, Green Day revitalizaron un viejo género para toda una nueva generación.

La formula era sencilla: tomar unos cuantos acordes en quinta, una melodía pegadiza, algo de humor cachondo, y juntarlo todo y tocarlo tan rápido de manera que los chavales no quisieran hacer otra cosa que pegar botes. No era algo revolucionario: el sonido de los Green Day y el sentido de la ironía estaban claramente tomados de los Ramones y los Sex Pistols, e incluso el líder, Billie Joe Armstrong, intentaba cantar con un ligero acento inglés. Pero Green Day se diferenciaban de la escena punk británica en que convertirían la música en una farra de coleguitas despojada de cualquier mensaje político pero quedándose con la sublevación.

En Dookie, la banda metió catorce temas furiosos pero simpáticos, que trataban acerca de la angustia y el aburrimiento en los suburbios. Celebraban el estilo de vida holgazán en Burnout con versos como “declaro que ya nada más me importa / me voy quemando y apagando y volviéndome aburrido”, y tenían canciones como Long View, que se referían al decreciente interés por la masturbación conforme uno se hace mayor pero sigue aburriéndose.

La banda se vio beneficiada por grabar por primera vez con una major, y la ayuda de unos videos solventes y la radio hicieron que del álbum salieran hasta cuatro singles de éxito, entre ellos Basket Case, que coronó las listas norteamericanas cinco semanas. Pero el tema con el que pasaron a la posteridad fue When I Come Around, una canció que pareció congelar todo el Woodstock ’94 durante casi tres minutos y que los lanzó al estrellato. Como dijo el New York Times: “Pocas veces la apatía ha sonado tan apasionada”.

Green Day – Dookie

Tracklist:

1. Burnout
2. Having A Blast
3. Chump
4. Longview
5. Welcome To Paradise
6. Pulling Teeth
7. Basket Case
8. She
9. Sassafras Roots
10. When I Come Around
11. Coming Clean
12. Emenius Sleepus
13. In The End
14. F.O.D.

Año: 1994
Duración: 39:46
Procedencia: USA
Productor: Green Day / Rob Cavallo

Descarga: Dookie

Video en directo desde el mítico Woodstock del 94 - Welcome to Paradise!

Alice In Chains

2007-07-17T10:15:00.000+02:00

Cuando leí esta crítica no podía estar más de acuerdo; el primer disco de Alice in Chains no será el mejor de su carrera, siendo en ciertos momentos un tanto irregular...pero es que solamente por temas como We Die Young, Man In The Box o Bleed The Freak ya merece que lo recomiende.

ALICE IN CHAINS

En 1990 alguna prensa especializada consideró a Alice In Chains "heavy progresivo". Lo cierto es que este Facelift, primer trabajo del grupo, está a medio camino entre el heavy clásico y el "grunge". No es de extrañar, pues, que el cuarteto hiciese su primera gira por los habituales circuitos de heavy metal acompañando a otras bandas como Megadeth o Ozzy Osbourne.

Este "turbio" pasado de Alice In Chains en el mundo del cuero y las mallas no fue perdonado por algunos critiquillos que tildaron a la banda de chaqueteros y ventajistas, subiéndose al carro del "grunge" con su siguiente LP, Dirt. No vale la pena tener en cuenta a estos amantes de "lo auténtico". Alice evolucionaron desde el glam rock de la primitiva banda de Layne Staley, pasando por las influencias heavy de Jerry Cantrell (fanático reconocido de Kiss), hasta definir un estilo propio imitado posteriormente por infinidad de bandas.

Facelift es el paso intermedio en esa evolución. Dentro de la tremenda calidad del disco, se trata del trabajo más irregular de Alice In Chains, con canciones realmente brillantes (el single Man In The Box, el himno inicial We Die Young) junto a otras más indefinidas, especialmente de la segunda mitad del álbum. Riffs heavys mezclados con melodías tenebrosas que alcanzan sus mejores momentos en temas inolvidables como Love Hate Love, Real Thing, o It Ain't Like That. Las letras de las canciones ya reflejan las obsesiones de Layne: drogas y autodestrucción. Obsesiones que le perseguirían a lo largo de toda su discografía, incluyendo Mad Season.

Gran inicio de carrera y premonición de lo que vendría posteriormente. A pesar de ello, según sus propias palabras, Layne y Jerry apenas tienen recuerdos de esta época de sus vidas debido al consumo masivo de drogas. Es más que curiosa la ausencia de ninguna referencia a Facelift en su Unplugged.

Alice In Chains – Facelift

Tracklist:

1. We Die Young
2. Man In The Box
3. Sea Of Sorrow
4. Bleed The Freak
5. I Can't Remember
6. Love, Hate, Love
7. It Ain't Like That
8. Sunshine
9. Put You Down
10. Confusion
11. I Know Something (About You)
12. Real Thing

Año: 1990
Duración: 53:54
Procedencia: USA
Productor: Dave Jerden

Descarga: Facelift

Bleed the Freak – que gran tema! Como cantaba este tío...

Wilco

2007-07-15T17:52:00.000+02:00

No pasará a la historia este nuevo disco de Wilco, como seguramente lo harán el Summerteeth y Yankee Hotel Foxtrot, pero se pueden sentir orgullosos por haber publicado un muy buen álbum. Este grupo cada vez se va ganando un puesto entre mis 'super-favoritos'. Que pena que no pueda acercarme al FIB de este año a verles...

WILCO

Creo que ha valido la pena esperar tres años desde su último disco de estudio, aquel delicioso y sorprendente A Ghost is Born. Hay que decir que este disco no sigue con aquella línea abierta en Yankee Hotel Foxtrot, con Jim O'Rourke de Sonic Youth en algunas guitarras y que también co-produjo el siguiente. El ambiente donde se desarrolla una grabación, queda plasmado en esta, indudablemente, y aquí Wilco, liderados por Jeff Tweedy son mas una banda, están más calmados y sosegados, pero ojo, nunca en detrimento de la calidad, porque estos chicos se mueven por 1000 registros en una canción, pasando del neo-country al pop-rock con toques de soul sin que nadie pueda decir nada.

Así Either Way con la que abren el disco es una melodía de neo-folk con estructura pop preciosista, y unos arreglos que transmiten calidez y ternura. El solo de guitarra no cansa, no empalaga, son ellos, transmitiendo sencillez cuando las capas armónicas se superponen. Destacar también You Are My Face, la que más le gusta a Jeff, según él, la mejor de la carrera de Wilco, y es que en ella combinan un principio tierno, tranquilo, para después romper el sonido como sólo ellos saben hacerlo, para dar paso a un ritmo blues de piano acompañado por la voz rasgada de Jeff. En definitiva estructura pop deconstruida por Wilco. Please Be Patient una canción que también hubiera podido firmar el gran Elliot Smith, con una voz suave y una guitarra punteada acompañándole sin sobresaltos, y una letra acorde. What Light una canción que destila country-rock por todos los poros, aquella que llevarías puesta en tu Ford del 67 mientras atraviesas esos inmensos paisajes norteamericanos, mientras bebes bourbon y fumas Marlboro. Y que decir de On and On And On, una canción que a mi personalmente me encanta, la cual no me canso de escuchar, donde la voz de Jeff transmite pesadumbre para pasar a estar esperanzada, con pinceladas de rabia, mientras las guitarras y el piano le acompañan como si estuvieran en su propia alma, y una batería que se desbocada al final, encantadora. También hay canciones más planas, como Leave Me (Like You Found Me), aunque un corte no disminuye la calidad global de todo el trabajo.

Wilco – Sky Blue Sky

Tracklist:

1. Either Way
2. You Are My Face
3. Impossible Germany
4. Sky Blue Sky
5. Side With the Seeds
6. Shake It Off
7. Please Be Patient With Me
8. Hate It Here
9. Leave Me (Like You Found Me)
10. Walken
11. What Light
12. On And On And On

Año: 2007
Duración: 50:56
Procedencia: USA
Productor: Wilco

Descarga: Sky Blue Sky

Impossible Germany - posiblemente de las mejores canciones de Wilco. Que grande esta canción!! Este video esta extraido del DVD que acompaña el disco (que todavía tengo pendiente comprarlo original...):

Albert Hammond Jr.

2007-07-13T11:39:00.000+02:00

Ya sabéis que me gustan los Strokes. Con lo cual no ha sido difícil que me gustará el primer disco en solitario de un los guitarristas de la banda neoyorquina. Próximamente estará tocando en la nueva edición del FIB, así que los que vayáis (y no lo tengáis manía a los Strokes) pasaros a verle, que seguro que está muy bien!

ALBERT HAMMOND JR.

Hijo del famoso cantautor Albert Hammond, Albert Hammond Jr. pasó su adolescencia en la elitista institución de enseñanza privada Institut Le Rosey (Suiza). Allí coincidió (además de con príncipes, futuros reyes, ricos herederos y mucha descendencia de la alta aristocracia mundial) con Julian Casablancas, hijo a su vez de John Casablancas, alumno también en su día del internado suizo y fundador luego de la todopoderosa agencia de modelos Elite. Los dos jóvenes, de padres ricos y famosos, coincidieron de nuevo en 1998 en Nueva York para acabar formando junto a Nick Valensi, Nikolai Fraiture y Fabrizio Moretti la banda de rock The Strokes.

El resto de la historia la conocemos todos. Y en esa historia uno ve rasgos propios de la pantomima mercantilista en la que se ha convertido buena parte del circo del rock. Nadie puede negar que The Strokes pueden hacer gala de un puñado de incontestables buenas canciones, frescas, contagiosas, descaradas, pero uno no puede dejar de pensar en la trastienda, en los cheques firmados, en los favores debidos, en esas técnicas para la manipulación de las masas subjetivadas en el fin de la era postmoderna que hacen que desde algunos despachos se pueda decidir, en buena medida, lo que la población occidental va a escuchar y comprar la temporada que viene.

Albert Hammond Jr. - Yours To Keep

De un disco que empieza con una nana que apela a soñar imposibles y que lleva por título Cartoon Music For Super Heroes podemos esperar cualquier cosa.Y es que el estreno en solitario del guitarrista de The Strokes es una buena noticia por la frescura y espontaneidad que las diez canciones presentan, hecho sorprendente si tenemos en cuenta que se han ido cociendo a fuego lento desde principios del 2005 –justo cuando con su otra banda daban los últimos retoques al decepcionante First Impressions On Earth hasta que finalmente han sido grabadas a mediados de este año. Con un sonido que en canciones como Hard To Live (In The City) o Back To The 101 recuerda gratamente a Is This It? y con una voz no demasiado inspirada –pero no por ello efectiva– Yours To Keep es un disco que se escucha ávidamente de principio a fin, que deja ganas de más, y que superado el impacto inicial empieza a supurar detalles –los beats discotequeros del final de Bright Young Thing; la parte de sitar de Blue Skies– que nos confirman el crecimiento musical de Hammond. Crecimiento paralelo, eso sí, a las ganas de pasarlo bien, que siguen teniendo un papel importante en este debut remarcable.

Tracklist:

1. Cartoon Music For Superheroes
2. In Transit
3. Everyone Gets A Star
4. Bright Young Thing
5. Blue Skies
6. 101
7. Call An Ambulance
8. Scared
9. Holiday
10. Hard To Live In The City
11. Postal Blowfish (bonus)
12. Well...All Right (bonus)

Año: 2006
Duración: 34:52
Procedencia: USA
Productor: Grez Lattimer

Descarga: Yours To Keep

Y aquí un video que me encanta: no es ni videoclip, ni una actuación en un concierto; es el grupo tocando en acústico dentro de un pequeño ascensor las canciones In Transit (mi favorita) y 101.

I'm From Barcelona

2007-07-11T17:30:00.000+02:00

¿Cuando se han visto 29 músicos encima de un escenario al mismo tiempo? Pues sobre todo en Suecia unas cuantas veces, gracias a I’m From Barcelona, unos que son un poco ‘frikis’, jaja. Por ahora solo tienen este disco, muy primaveral y muy de buen rollo...

I’M FROM BARCELONA

Que Barcelona sea una ciudad que despierta pasiones en media Europa, especialmente en los países nórdicos, es algo que podemos calificar como habitual. Que 29 suecos decidan formar un grupo y lo llamen I'm From Barcelona, podría considerarse una curiosa anécdota sin mayor trascendencia, si no fuera por la notable repercursión (pasaron por el Primavera Sound 06), que han alcanzado después de que a principios de año la filial sueca de EMI decidiera publicar su primer EP, Don't Give Up Your Dreams, Buddy. Pocos meses después, de la mano de Virgin, nos llega su primer LP Let me introduce my friends.

Comandados por el polífacético Emanuel Lundgren, compositor de música y letra, productor e incluso ingeniero de todos los temas del grupo, los suecos forman una gran comuna musical habitada por banjos, ukeleles rojos, clarinetes, harmónicas, guitarras, acordeones, kazoos y una larga lista (hasta 18) de variados y exóticos instrumentos.

A pesar de que el resultado a primera vista pudiera parecer psicodélico, la esencia de las canciones es bastante prosaica y se sitúa a medio camino entre el pop pegadizo y el folk de inspiración hippy más accesibles. Sencillas melodías, estribillos fácilmente tarareables y coros omnipresentes conducen a una experiencia cercana a la de otros proyectos densamente poblados como The Polyphonic Spree, Belle & Sebastian o Hidden Cameras.

Brillantes en varios destellos (Oversleeping, Treehouse o We're From Barcelona) e irregulares en general, quizás abusen de cierto tono bucólico e incluso pastoril. Si los publicistas de la MTV les hubieran conocido a tiempo, quizás los Happiness, en vez de sonar a La Casa Azul, hubiesen tenido pinta de suecos.

I’m From Barcelona – Let Me Introduce My Friends

Tracklist:

1. Oversleeping
2. Collection Of Stamps
3. We're From Barcelona
4. Treehouse
5. Jenny
6. Ola Kala
7. Chicken Pox
8. Rec & Play
9. This Boy (feat. Loney, Dear)
10. Barcelona Loves You
11. The Saddest Lullaby (feat. Mathias Alrikson)
12. Untitled (Hidden Track)

Año: 2006
Duración: 36:30
Procedencia: Suecia
Productor: Emanuel Lundgren

Descarga: Let Me Introduce My Friends

Videoclip de We're From Barcelona...Atención, muy friki :)

...la misma canción en directo justamente desde Barcelona. Para que os hagaís una idea:

Turbonegro

2007-07-09T09:57:00.000+02:00

No conozco muchas bandas noruegas, pero las dos que conozco (tanto Gluecifer como estos Turbonegro) saben como hacer buenos discos de rock. Espero que no asusten mucho las pintas del grupo de hoy, porque su disco merece ser escuchado. A ver que os parece...

TURBONEGRO

Pocas veces me he encontrado ante un álbum tan adictivo como este maravilloso Apocalypse Dudes. Los amantes del rock'n'roll adrenalítico y salvaje hemos visto en un buen número de poderosas bandas escandinavas los estandartes definitivos del rock en los 90's. Nombres como Backyard Babies, Hellacopters, Gluecifer o Turbonegro han recuperado el espíritu de grupos tan legendarios como Stooges, Kiss o Hanoi Rocks, rescatando para la escena un estilo que parecía muerto en esta década y que, afortunadamente, ha resurgido haciendo frente a modas y poses a golpe de potentes riffs, imperdibles y piel de leopardo.

Para empezar, tan sólo decir que Apocalypse Dudes es, para mi gusto, uno de los mejores discos de rock de los 90s. Después de una discografía más o menos desconocida por estas tierras (exceptuando su anterior trabajo, Ass Cobra), Turbonegro abandonan definitivamente el anonimato de mano de esta bomba de relojería en forma de vinilo. Recogiendo la tradición de bandas como Ramones, Dictators o incluso Misfits, los de Oslo descargan toda su potencia adrenalítica con un buen puñado de temas cargados de punk, rock'n'roll, drogas y sexo sucio, todo bajo una apariencia pseudo-homo y con todo el descaro y la provocación del mundo.

Tras el épico inicio con The Age Of Pamparius (y esa intro con un riff que es puro AC/DC), la sucesión de temas alcanza la categoría de himnos de R'n'R ideales para vociferar a pleno pulmón. El vocalista Hank Von Helvete se maneja como nadie en su rol de líder perverso, mientras EuroBoy (guitar hero), Happy Tom (bajista in the navy) y Pal Pot Pamparius (teclados) le cubren las espaldas (sin segundas) consiguiendo auténticos momentos de catársis rockera. Temas como el brutal himno Get It On (y su riff robado a los Ramones), Good Head, Don't Say Motherfucker, Motherfucker o la explosiva Self Destructo Bust no hacen más que evidenciar el poder desatado de Turbonegro, empujándote a volverte literalmente loco a fuerza de cantar una y otra vez sus pegadizos y arrolladores coros.

Un plástico imprescindible que sirvió de epitafio a la carrera del monstruo escandinavo Turbonegro que, tras una triunfal gira europea que les llevó a nuestro país, se separó de forma inesperada y algo confusa. Un posterior disco en directo de dicha gira (Darkness Forever!) y una peli-documental sobre su carrera completaron la leyenda.

Turbonegro - Apocalypse Dudes

Tracklist:

1. The Age Of Pamparius
2. Selfdestructo Bust
3. Get It On
4. Rock Against Ass
5. Don't Say Motherfucker, Motherfucker
6. Rendezvous With Anus
7. Zillion Dollar Sadist
8. Prince Of The Rodeo
9. Back To Dungaree High
10. Are You Ready (For Some Darkness)
11. Monkey On Your Back
12. Humiliation Street
13. Good Head

Año: 1998
Duración: 47:31
Procedencia: Noruega
Productor: Pål Hlaast

Descarga: Apocalypse Dudes

En directo la canción que cierra el disco, Good Head:

Band Of Horses

2007-07-07T10:35:00.000+02:00

Una de las sorpresas que me he llevado este año. Un disco que al principio ha pasado desapercibido, pero que poco a poco se ha ganado (y mucho) mi atención. Escuchandolos se me han venido a la cabeza grupos como My Morning Jacket o Flaming Lips, que sin duda no son malas referencias...Además, he leido hace unos días que a finales de año publicaran nuevo disco!

BAND OF HORSES

Pocas bandas disponen de un líder con un tono de voz como el de Ben Bridwell, y aunque solo son dos, Bridwell (guitarra y voz) y Mat Brooke (bajo), Band Of Horses se presentan como la revelación del año. Everything all the time es su disco de debut, que han lanzado a través del sello Sub Pop, desde Seattle, hogar de algunas de las mejores bandas de los noventa como Bright Eyes, Damon & Naomi, Julie Doiron, The Shins o Low.

Tras la disolución de su anterior grupo (Carissa’s Weird), Bridwell y Brooke, decidieron ponerse manos a la obra para dar forma a un nuevo proyecto en el que pudieran experimentar con elementos dispares como el pop, el rock, el folk y el conuntry, tratandos de manera intimista y melódica, con unas letras que expresaran las emociones más profundas a la vez que el sonido se convirtiera en algo magnánimamente psicodelico. Con temas como The Funeral, que pese a no contener estribillo pegadizo, no te la puedes sacar de la cabeza, o Part One, un tema multinstrumentado donde dan rienda suelta a sus posibilidades como músicos, hasta un total de diez temas.

Muchos tacharán a The Band Of Horses como una banda insípida, sin mucho que aportar al panorama independiente musical del momento, pero yo no estoy de acuerdo. Band Of Horses siguen la estela de algunos de los mejores grupos indie americanos de las dos pasadas décadas como Built To Spill o R.E.M, por ejemplo.

Vale la pena adquirir el disco para comprobarlo por uno mismo y adentrarse en ese particular universo cargado de armonías que nos proponen los americanos. El reto será a la hora de publicar su segundo álbum, pero de momento, tiempo al tiempo, disfrutemos de la catarsis emocional que nos ofrece este Everything All The Time, y aprendamos a leer entre líneas.

Band Of Horses - Everything All The Time

Tracklist:

1. The First Song
2. Wicked Gil
3. Our Swords
4. The Funeral
5. Part One
6. The Great Salt Lake
7. Weed Party
8. I Go To The Barn Cause I Like The
9. Monsters
10. St. Augustine

Año: 2006
Duración: 36:06
Procedencia: USA
Productor: Band Of Horses / Phil Ek

Descarga: Everything All The Time

Videoclip de The Great Salt Lake:

Editors

2007-07-05T10:14:00.000+02:00

Otro de los grupos que estarán próximamente en el Summercase. Yo ya les pude ver hace poco, y la verdad es que no me los quiero volver a perder, sobre todo por ese gran segundo disco que se han sacado de la manga (a la altura de The Back Room). Espero que de esta manera poco a poco se vayan quitando la reputación que tienen de ser clones de Interpol o Joy Division...

EDITORS

El segundo álbum de Bloc Party se podría decir que dio lugar a una opinión bastante mayoritaria: no es lo que fue el anterior (siempre superar el debut o mínimamente igualarlo es difícil); luego están las secuelas de The Rakes y Arctic Monkeys que han despertado odio y amor a partes iguales... El nuevo trabajo de Editors se encontraría entre los de este segundo grupo. Pero para algunos que ya hemos tenido oportunidad de escuchar un nuevo disco que sale a la venta el 25 de Junio en Gran Bretaña disfrutamos del característico sonido de los chicos de Birmingham en los temas más cañeros y otros que andan a medio camino de un sonido más melódico pero igual de ruidoso, Escape The Nest, hasta el más lírico, Well Worn Hand, demuestran que este cuarteto ha sabido evolucionar a una identidad sonora cada vez más clara tanto por la voz del cantante como por los instrumentos, así como a unas letras que ya desde el título del album indican que vamos a encontrar buen material, muy buen material.

Editors – An End Has A Start

Tracklist:

1. Smokers Outside The Hospital Doors
2. An End Has A Start
3. The Weight of The World
4. Bones
5. When Anger Shows
6. The Racing Rats
7. Push Your Head Towards The Air
8. Escape The Nest
9. Spiders
10. Well Word Hand

Año: 2007
Duración: 42:39
Procedencia: Inglaterra
Productor: Jacknife Lee

Descarga: An End Has A Start

Aquí un video en directo del genial primer single Smokers Outside The Hospital Doors:

The Jesus & Mary Chain

2007-07-03T09:55:00.000+02:00

Dentro de dos semanas tendremos nuevamente sobre los escenarios del Summercase a la mítica banda que acaba de volver a reunirse The Jesus & Mary Chain. Se separaron en el 98’, después de una carrera de más 14 años, y 6 discos publicados. Su Greatest Hits es un buen comienzo para conocer un poquito mejor esta banda escocesa, sobre todo si se va a ir al Summercase...

THE JESUS & MARY CHAIN

Repasar la carrera de los desaparecidos The Jesus & Mary Chain es repasar la historia musical de los últimos 20 años. 21 singles (84-98), recoge cronológicamente todos y cada uno de los sencillos de los hermanos Reid.

La mejor forma de comentar este disco es hacer un recorrido por la historia de este grupo, cuya primera formación respondía al esquema clásico de voz (Jim Reid), guitarra (William Reid) bajo (Douglas) y batería (Murray Dalglish) comenzando sus actuaciones en 1984. A mediados de ese año la banda se traslada a Londres para buscar la fama, momento en el que fueron descubiertos por Alan McGee propietario del sello Creation, el sello más innovador y sorprendente de los primeros ochenta.

El batería Murray Dalglish abandonó la formación para ser sustituido por Bobby Gillespie (hoy líder de Primal Scream). Ahí llegó la publicación de su primer single Upside Down que consiguió vender 35.000 copias y a sorprender a la crítica por lo ruidoso de sus guitarras psicodélicas bajo las que se escondían contagiosas melodías pop. Psychocandy (1985), su álbum de debut, fue recibido en periódicos y revistas como un aliento de aire fresco. You Trip Me Up, Never Understand o Just Like Honey son prueba de ello.

Dos años más tarde vería la luz Darklands su segundo trabajo, más introspectivo y melódico, abandonando la furia de las guitarras de su debut. Un disco por el que siento una especial debilidad: Los singles Darklands o April Skies son quizá uno de los mejores momentos de su carrera.

En 1988 publicaron la oscura SideWalking para volver en 1989 con un cambio de sonido que acercaba a la banda a grupos como los Ramones o Rolling Stones. Fue la publicación de Automatic la que más les ha acercado al gran público pues fue el disco que mejor funcionó en las listas de ventas y que incluía sus singles más populares Blues from a Gun y Head On.

A principios de los 90 con la eclosión del sonido Manchester (que unía el pop con la música de baile) el grupo publicó Honey´s Dead (92) álbum que recuperaba las guitarras fieras de sus primeros trabajos y las unía a bases programadas. El single Reverence fue prohibido en radios americanas por sus letras explícitas. Almost Gold y Far Gone And Out funcionaron bien a nivel de ventas.

Después de este álbum el grupo se tomó espacios de cuatro años para publicar sus dos últimos trabajos: Stoned and Detroned (94) disco acústico que no fue demasiado bien acogido por sus fans (quizá destacar Sometimes Always con la colaboración de Hope Sandoval) y Munki (1998) álbum de despedida de la banda que se separaría un año después y que retomaba el sonido guitarrero cercano a grupos americanos como Sonic Youth o Mudhoney. La antítesis de I Love/Hate Rock n’ Roll queda como un entrañable recuerdo de despedida.

Los que crecieron con ellos disfrutarán de lo lindo recordando su carrera. Los que no los conozcan aun tienen en 21 singles 1984/1998 una parada obligatoria.

The Jesus & Mary Chain – 21 Singles, 1984 - 1998

Tracklist:

1. Upside Down
2. Never Understand
3. You Trip Me Up
4. Just Like Honey
5. Some Candy Talking
6. April Skies
7. Happy When It Rains
8. Darklands
9. Sidewalking
10. Blues From A Gun
11. Head On
12. Rollercoaster
13. Reverence
14. Far Gone And Out
15. Almost Gold
16. Snakedriver
17. Sometimes Always
18. Come On
19. I Hate Rock 'N' Roll
20. Cracking Up
21. I Love Rock 'N' Roll

Año: 2002
Duración: 73:12
Procedencia: Escocia
Productor: The Jesus and Mary Chain

Descarga: 21 Singles, 1984 – 1998

Videoclip de Cracking Up...

…y de Darklands, una más antigua:

Resumen Hurricane 2007

2007-07-01T15:53:00.000+02:00

He tenido ayer un poco de tiempo para recordar lo que para mi fue el tan esperado Hurricane Festival. Decir que en cuanto a organización y al recinto estuvo muy bien, pero el mal tiempo (y el consecuente barro), hizo que no fuera del todo perfecto. Aún así lo pasamos bastante bien...

En cuanto a los grupos, estos fueron los que pude ver:

Viernes 22/06:

* Jet (30 min. finales): los vi desde lejos ya que justo acababa de llegar al recinto. No llegue a meterme mucho en el concierto...
* Die Fantastischen Vier (20 min. finales): grupo mítico de hip hop aleman, que pese a no conocer nada, estuvieron muy animados
* The Good, The Bad & The Queen (30 min. finales): no he escuchado el disco, pero realmente me parecieron aburridos
* Queens Of The Stone Age (entero): Brutales – pedazo setlist, muy buen sonido y muy metidos en el concierto. El nuevo bajista cumplio con buena nota, y los temas del último disco de verdad que suenan geniales.

Sábado 23/06

* The Bravery (entero): normalillos...me gustan unos cuantos temas del primer disco, pero en general me parecieron un poco sosos
* The Sounds (entero): justo como me los imaginaba. Muy moviditos con una buena ‘frontwoman’.
* The Arcade Fire (entero): a pesar de que salieron 15 min. tarde y luego no recuperaron la hora que en principio tenían que haber tocado. Los 40 min. que tocaron, impecables. Una pena que los viera desde tan lejos, pero en el Summercase repito.
* Bloc Party (35 min.): También desde lejos, no me gustaron mucho la verdad. Unos cuantos problemas técnicos y muchos temas del flojo segundo disco. Eso si, Banquet, Positive Tension o This Modern Love, muy grandes...
* Manic Street Preachers (entero): No los había visto nunca, y me encantaron. Tres temas del nuevo disco, y los demás todo clásicos.
* Bright Eyes (entero): es cierto que solo conozco (y me gusta mucho) el disco de Desaparecidos de Connor Oberst, pero a la hora que tocaron, y esperando a que saliera Interpol, pues se me hizo bastante pesado
* Interpol (entero): El último concierto de la noche, y el mejor del día. PDA, Evil, Obstacle 1, tres temas nuevos, y acabando con Stella – es que con estos temas no puede ser mal concierto. Además, los vimos en primera fila!

Domingo 24/06

* La Vela Puerca (entero): hasta ese día no había conocido ninguna banda uruguaya. Muy divertidos estos con su rock-ska.
* Juliette & the Licks (entero): mucho ruido y pocas nueces. Me los esperaba algo mejores.
* Kings Of Leon (30 min.): Me quede con ganas de más, pero tocaba ir a otro escenario...
* Editors (entero): para ver a estos británicos. Muy bien como siempre, también los nuevos temas.
* Placebo (entero): Era la 5ª vez que los veía, y sinceramente la peor. Cada vez suenan más sosos, y el setlist muy muy flojo (otra vez casi medio Meds al principio del concierto)
* Pearl Jam (entero): Poco que decir la verdad...sin duda el mejor concierto, otra vez. Lo tengo clarisimo: estos juegan en otra liga. ¡Muy grandes!

Mención para aquellos a los que no pude ver (ya fuera por horarios o cansancio): The Rakes, Beastie Boys. Mogwai, Modest Mouse, Incubus, Marilyn Manson, Porcupine Tree, Sonic Youth, Me First & the Gimme Gimes.

Por lo tanto mi Top 3 del Hurricane 2007 fueron:

3. Queens of The Stone Age:

Setlist:

Monster In Your Parasol
Burn The Witch
Misfit Love
In My Head
Song For The Deaf
3's & 7's
Do It Again
Avon
Go With Flow
Turnin' On The Screw
Into The Hollow
Little Sister
Battery Acid
Sick Sick Sick
No One Knows
---------------------
Feel Good Hit Of The Summer
Lost Art Of Keeping A Secret
Song For The Dead

2. Interpol

Setlist:

Pioneer To The Falls
Obstacle 1
NARC
Say Hello To The Angels
Take You On A Cruise
Mammoth
Leif Erikson
Slow Hands
The Heinirich Maneuver
Evil
Not Even Jail
PDA
-----------------
Length of Love
Stella was A Diver And She Was Always Down

1. Pearl Jam

Setlist:

Why Go
Save You
Severed Hand
Grievance
Dissident
Interstellar Overdrive / Corduroy
Faithfull
Green Disease
Given To Fly
Throw Your Hatred Down
Jeremy
Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town
Even Flow
Black
Rearviewmirror
---------------------------
World Wide Suicide
Better Man
Life Wasted
Blood
Baba O'Riley
Yellow Ledbetter

Para finalizar un pequeño recopilatorio resumen:

Jet – Take It Or Leave It / Queens of the Stone Age – Sick, Sick, Sick / The Bravery – An Honest Mistake / The Sounds – Ego / The Arcade Fire – Keep The Car Running / Bloc Party – Positive Tension / Manic Street Preachers – Your Love Alone Is Not Enough / Interpol – The Heinrich Maneuver* / Juliette & the Licks – Smash & Grab / Kings Of Leon – My Party / Editors – The Racing Rats / Placebo – Bionic / Pearl Jam – Dissident

* el primer single del nuevo álbum Our Love to Admire (muy bueno)

Descarga: Recopilatorio Hurricane 2007

A Perfect Circle

2007-06-29T10:05:00.000+02:00

Meses atrás colgue el primer disco de la ‘formación de estrellas’ A Perfect Circle. Para este segundo disco Maynard J. Keenan (Tool) y Billy Howerdel se rodearon con nuevas incorporaciones, como la del antes conocido como Twiggy Ramirez (M. Manson) y el ex – Smashing Pumpkin James Iha. El disco esta bastante bien, y se puede considerar como el último disco de este proyecto, si no contamos el disco de versiones que sacaron meses después.

A PERFECT CIRCLE

Biografía

La publicación de “Mer de noms” fue como una caricia de brisa en la cara. Sí, sé que es hortera decirlo con esas palabras, pero basta citar “Judith”, “The hollow”, “Brena” o “3 Libras” para caer en un placentero sueño que induce a dejar volar la mente por confines imposibles. Si no compartes esa sensación, es preferible que dejes de leer esta insignificante crítica antes de descubrir que este segundo viaje profundiza aún más en la introspección que dio vida al embrión de A Perfect Circle.

El primer álbum colmó con creces las expectativas depositadas en él. En un momento dado podía entusiasmar por igual a un metalhead que a un gótico, un rockero e incluso un indie-poppy. Ese poder de llegada se unía a una indiscutible inspiración traducida en temas como los citados arriba. Hasta ahí, todo bien. ¿Qué nos tendrían reservado? ¿Serían capaces de ir más allá? ¿Superarían el debut? Descifremos la incógnita.

En primer lugar, cabe reseñar que Billy Howerdel, la cabeza pensante de este proyecto más que consolidado, ha aglutinado bajo el mismo manto a una formación compuesta por viejos conocidos suyos. Además de los fijos Maynard James Keenan (Tool) y Josh Freese (The Vandals y miembro eventual de Guns n’ Roses), para esta secuela se ha acompañado del bajista Jeordie White (más conocido por el apodo que adquirió en Marylin Manson, Twiggy Ramírez) y el guitarrista James Iha (Smashing Pumpkins). Aún parece increíble que este combo participara en el renacido Lollapallooza junto a Jane’s Addiction, Audioslave, Incubus o QOTSA y girara por medio planeta el verano pasado, pero así es.

Volviendo a las dos primeras cuestiones, Thirteenth Step nos adentra en una dimensión distante de la rutina cotidiana. De qué otra manera se pueden definir doce pistas sin apenas guitarras distorsionadas y de sonido envolvente. Esto no es Radiohead, si es eso lo que estás pensando. Coge retazos de The Fragile o Lateralus y haz la conversión debida para obtener un resultado homogéneo, minimalista y menos convencional todavía que su predecesor. Es decir, es un trabajo que exige ser desmenuzado con mimo. Sin esa predisposición difícilmente puedas vibrar con Weak and Powerless, The Noose, Vanishing y A Stranger, que a mi me siguen evocando los mismos paisajes bucólicos de “Orestes”. Ello no priva de que The Nurse Who Loved Me o The Outsider (atención a la visión del suicidio que esconde la letra) te cautiven a la primera escucha.

A Perfect Circle han hecho el más difícil todavía y tal experimento les ha ayudado a crecer. A cambio, se han dejado por el camino una pizca de accesibilidad y con ella, parte de la magia de Mer de Noms. En cualquier caso, progresan (adecuadamente) y eso se agradece en un panorama musical donde la mayor parte del tiempo echamos mano del refrito para despreciar propuestas diferentes.

A Perfect Circle - Thirteenth Step

Tracklist:

1. The Package
2. Weak And Powerless
3. The Noose
4. Blue
5. Vanishing
6. A Stranger
7. The Outsider
8. Crimes
9. The Nurse Who Loved Me
10. Pet
11. Lullaby
12. Gravity

Año: 2003
Duración: 50:30
Procedencia: USA
Productor: Billy Howerdel /Maynard J. Keenan / Danny Lohner

Descarga: Thirteenth Step

Videoclip del que fue el primer single, Weak And Powerless:

Kyuss

2007-06-27T06:03:00.000+02:00

Bueno, de vuelta de Alemania, y con relativamente poco tiempo para el blog (un pequeño resumen del festival intentaré hacerlo el fin de semana). Así que hoy solo recomiendo un disco que tenía pendiente desde hace mucho. El segundo, y para muchos no solo el mejor de esta banda, sino también el más importante para entender el denominado género Stoner Rock. Para mi, todo un clásico, aunque puede que no gusté a todo el mundo (sobre todo al principio)...

KYUSS

Aunque no es exactamente su primer disco (recordemos que existe Wretch, una especie de "hermano menor" dentro de la discografía de Kyuss), sí podemos considerar que es el primero que vale realmente la pena, una maravilla desde los punteos de Josh Homme al comenzar Thumb hasta el Yeah de García al final (con todo el morro, el tío firma la canción).

Al escucharlo por primera vez ves que si este grupo tenía algún tipo de aspiración comercial tenían una manera un tanto atípica de demostrarlo, ¡pero si es pura esquizofrenia de principio a fin! Y a pesar de todo, lo increible es que funciona como una unidad de una manera prodigiosa. Puede parecer una chorrada, pero creo que es uno de los discos donde el orden de las canciones está plenamente justificado, perfecto, al milímetro.

Al principio te pegan el toque con dos auténticas bombas Thumb y Green Machine (una de las mejores de su carrera). De ahí pasamos a la primera instrumental, Molten Universe, donde demuestan tener un nivel técnico por encima de la media, sin necesidad de caer en ningún tipo de virtuosismo. Aquí Homme repite todo el rato el mismo riff pausado dejando que la batería asuma protagonismo hasta que la guitarra se carga el ritmo y rompe la canción en dos, volviéndose el instrumental perfecto para cualquier asesino de masas irrumpa, metralleta en mano, en algún burguer cercano mientras escucha esta delicia.

Molten Universe engancha con una de las canciones de los 90, a la altura de cualquier clásico. Señoras y señores: 50 Million Year Trip (Upside Down) (¡qué gran título!). Desde el rápido inicio hasta la llegada de García vociferando versos cortos (¡qué poder Mr. García, qué poder!). Y es entonces cuando gracias a la entrada que da Brant Bjork la canción cambia de registro totalmente. García susurra mientras Homme se queda conmigo: el solo final combinándolo con el riff de la 2ª parte de la canción es una de las cosa más bonitas que he escuchado nunca.

No voy a analizar el disco canción a canción porque sería interminable, pero cabría destacar otro pedazo de canción, Freedom Run, con un inicio que es pura psicoldelia (¿White Album?), el instrumental 800 que engancha con esa delicia llamada Writhe que podría ser considerada la antecesora en su discografía de Deamon Cleaner (del Welcome To Sky Valley), gracias a su más que estimable capacidad para crear buenas melodías harrockeras (afortunadamente no estamos hablando de Rammstein, Limp Bizkit o Korn).

Para acabar les da tiempo para incluir un instrumental solo de guitarra (los 55 segundos más aprovechados de la Historia, pura magia) y su visión particular del hardcore, Mondo Generator, compuesta por el miembro más punk del grupo, Nick Oliveri (posteriormente formaría parte de los Dwarves, un grupo que hace versiones de G.G. Allin, con lo que está dicho todo).

Destaca lo repartida que está la composición dentro del grupo, así como las letras y canciones tan emblemáticas como Green Machine o 50 Million Year Trip constan como obra de Brant Bjork, el batería, aunque la mayor parte del material está escrito por Homme. En fin, uno de los mejores discos de los 90.

Kyuss – Blues For The Red Sun

Tracklist:

1. Thumb
2. Green Machine
3. Molten Universe
4. 50 Million Year Trip (Downside Up)
5. Thong Song
6. Apothcaries Weight
7. Caterpillar March
8. Freedom Run
9. 800
10. Writhe
11. Capsized
12. Allen's Wrench
13. Mondo Generator
14. Yeah

Año: 1992
Duración: 50:39
Procedencia: USA
Productor: Kyuss / Chris Goss

Descarga: Blues For The Red Sun

Green Machine en directo hace unos 12 años...

rumbo al Huracán...

2007-06-21T11:02:00.000+02:00

Todavía no me lo puedo creer!! Esta tarde me voy a Alemania al Hurricane Festival, cerca de Hamburgo. La verdad es que es un festival soñado para mi, porque muchos de mis grupos favoritos estarán presentes...Viendo ahora mismo los horarios, durante los tres días podría ver a:

The Rakes – Snow Patrol - Jet – Beastie Boys – Queens Of The Stone Age - The Bravery – The Sounds – Mogwai – The Arcade Fire – Bloc Party – Incubus – Manic Street Preachers – Interpol – Juliette & the Licks – Porcupine Tree – Kings Of Leon – Editors – Sonic Youth – Placebo – Pearl Jam

Sobran los comentarios :)

Más información, aquí!

De manera que hasta la semana que viene no habrá nuevos discos....

Led Zeppelin

2007-06-20T09:02:00.000+02:00

Cada vez lo tengo más claro: si me tengo que quedar con un grupo de los 70, esos serían sin duda Led Zeppelin. Recientemente volví a ver su doble DVD en directo, y cada vez me gustan más. Y es que con discos como Houses of the Holy no es de extrañar. Fue el primero que editaron después de los magníficos 4 primeros discos. No será el último disco que recomiende de ellos...

LED ZEPPELIN

Biografia + Descarga disco II

Led Zeppelin siempre han tenido la gran virtud de no aposentarse, de saber evolucionar en cada disco. Teniendo en cuenta que su popularidad la consiguieron en gran medida gracias al directo apabullante que conseguían, no descuidaban el más mínimo detalle en sus discos. Y en esa evolución a veces se pasaban de la raya, asunto que ponía muy contentos a los críticos. Y es que no podían evitarlo.

The Crunge es un tema funky, una concesión a la época, de todas formas ya les gustaría a muchos de los que hacían funky y disco-music conseguir ese ritmo infernal y apabullante que tenían los señores. Y D'yer Mak'er es un reggae, otra concesión a la época, con una gran producción al colocar al estruendoso Bonham en primer plano. Lo que pasa es que estas dos melodías cantan como una almeja en un disco que no desmerece en nada al anterior. De todas formas los trabajos de Led Zeppelin (excepto el segundo) nunca se han caracterizado por su homogeneidad, pero parece que este disco es el más disperso de todos (al menos para los críticos).

The Song Remains The Same es un grandísimo tema, con un excepcional trabajo de Jimmy a las guitarras y de Robert en la voz. Lo mismo que en The Rain Song un folk grandioso que muchos quisieron ver como una nueva "escalera al cielo". Over The Hills And Far Away es un excepcional experimento zeppeliano, pues podría ser en estructura una canción del II y en melodía una del IV. En Dancing Days el repertorio rock-festivo seguia evolucionando, y de evolución seguimos hablando en No Quarter, el submundo profundo de los Zep llega a su punto álgido y sin esta canción no se podrían entender la evolución de sus discos posteriores. Cierra el disco The Ocean, potentísimo hard-rock con una gran marcha que tambien hace entender el porqué de otros discos.

Este disco lo molieron a palos los críticos pero afortunadamente público y fans lo han descrito como uno de los grandes, con el paso de los años se ha convertido en un coloso, un disco imprescindible para conocer a fondo a Led Zeppelin.

Led Zeppelin – Houses Of The Holy

Tracklist:

1. The Song Remains The Same
2. The Rain Song
3. Over The Hills And Far Away
4. The Crunge
5. Dancing Days
6. D'yer Mak'er
7. No Quarter
8. The Ocean

Año: 1973
Duración: 40:56
Procedencia: Inglaterra
Productor: Jimmy Page

Descarga: Houses Of The Holy

La verdad es que me ha costado encontrar videos buenos con canciones de este disco, pero finalmente he encontrado uno extraido del DVD, pero con mala calidad. La canción es The Ocean:

Melvins

2007-06-18T09:49:00.000+02:00

Muchos los consideran los padres del grunge. De hecho uno de sus mayores fans fue Kurt Cobain; muestra de ello es que acabó ayudandoles en la producción del disco Houdini. Precisamente el disco que estuvieron tocando recientemente de principio a fin en el Primavera Sound. Sonaron de miedo!

MELVINS

Melvins se formó en Aberdeen/Montesano, Washington, en 1984. Buzz Osborne "King Buzzo", vocalista y guitarrista, Matt Lukin, bajista (quien partió a las filas de Mudhoney) y Mike Dillard en la batería (poco después reemplazado por el conocido Dale Crover) se conocieron en la secundaria y allí iniciaron la banda.

King Buzzo y Dale Crover han sido fijos en la alineación de Melvins, sin embargo el puesto de bajista ha rotado varias veces. Tal vez el bajista más reconocido es Joe Preston, quien fuera reemplazado para 1994 por Mark Deutrom; sin embargo en la actualidad quien ocupa este puesto es Kevin Rutamanis.

El nombre de la banda proviene de una burla a un compañero de trabajo de King Buzzo cuando este trabajaba en la tienda Thrifway de Montesano: era un vendedor llamado Melvin, muy conocido y odiado por todos. A los integrantes de la banda les pareció tan ridículo el nombre y tan particular el tipo que lo llevaba, que decidieron que era lo más adecuado ponerle así a la banda.

Con grandes influencias de Black Flag, Black Sabbath y algo de Kiss, Melvins comenzó a definir su propio y particular sonido, muy fuerte y opresivo, pero lento, con muchos matices. Grabaron su primer LP solo hasta 1987, Gluey Porch Treatments; aunque antes de esto ya habían grabado un par de EPs.

Fue una banda calificada durante un buen tiempo por muchos de ruidosa, lo cual los mantuvo varios años a un nivel underground. Hacían giras por Estados Unidos presentándose en auditorios de poca capacidad y ninguna de sus canciones era lo suficientemente comercial como para tener un lugar en la radio, cosa que no les favorecía mucho. Sin embargo tuvieron una influencia enorme sobre el movimiento grunge de Seattle, fueron gran inspiración de este, especialmente de Mudhoney y Nirvana, manteniendo con los últimos una fuerte amistad, especialmente con Kurt Cobain, quien se declaró su fan número uno, y con el tiempo les ayudo a conseguir un contrato con la mítica Atlantic Records, sello con que produjeron tres álbumes, denominados por algunos como la "trilogía Atlantic".

Pero antes de esto cada miembro de la banda produjo en solitario un EP con los otros dos integrantes ayudándole, cada EP con el nombre de cada integrante. En l996 fueron despedidos de Atlantic Records.

Para 1998 Melvins grabó su primer álbum con la discográfica Ipecac de Mike Patton, quien les dió la mano y, entre otras cosas, conformó Fantomas junto a King Buzzo. Desde entonces Melvins ha sacado varios albumes al mercado con dicha discográfica, entre los que contamos los geniales The Maggot, The Bootlicker y The Crybaby, además del disco Millenium Monsterworks, en vivo junto a Fantomas.

Hoy en día Melvins siguen experimentando, pero conservan su sonido característico. Claro, ahora no son una banda underground, tienen millones de seguidores, y, aunque su puesto en la historia del rock, y en especial del grunge, es muy importante, aún después de tanto no se les reconoce plenamente.

Melvins - Houdini

Sus fans de siempre pueden poner pegas respecto a la pulcritud de algunos temas, pero sería absurdo decir que Melvins trataron de abrirse al público con un disco como éste. Por mucho que Nina luzca un pelo a lo King Buzzo, jamás los pardillos de Operación Triunful elegirían Night Goat o Hag Me para promocionarse. Melvins grabaron este LP cuando pertenecían a la multinacional Geffen, a la que llegaron de la mano de su fan número 1: Kurt Cobain. Geffen no quería experimentos. El propio Cobain produjo, mezcló e intervino instrumentalmente en varios temas de Houdini, y sin duda su talento se deja notar.

Pesado, primitivo, lento (maravillosa versión al ralentí de Going Blind de Kiss), con algunos momentos de furia (grandísima Honey Bucket), diferente en medio de la ola grunge que barría Seattle en aquel momento, Houdini quizá se habría convertido en un superventas de los 90s en manos de un productor como Brendan O'Brien. ¿Pero a quien le interesa otro clon de Pearl Jam?

Tracklist:

1. Hooch
2. Night Goat
3. Lizzy
4. Going Blind
5. Honey Bucket
6. Hag Me
7. Set Me Straight
8. Sky Pup
9. Joan Of Arc
10. Teet
11. Copache
12. Pearl Bomb
13. Spread Eagle Beagle

Año: 1993
Duración: 54:50
Procedencia: USA
Productor: Melvins / Kurt Cobain

Descarga: Houdini

Honey Bucket – videoclip:

Kings Of Leon

2007-06-16T10:33:00.000+02:00

Desde hace años venía escuchando cosas buenas de este grupo de hermanos, pero no ha sido hasta hace un mes que me he puesto a escuchar un disco suyo. Y me han gustado! Que bien que les pueda ver la próxima semana en el Hurricane Festival; y si no me equivoco también tocaran en el FIB de este año. Recomiendo el segundo disco (aunque el tercero y último tampoco tiene mala pinta).

KINGS OF LEON

El disco no marca demasiadas diferencias con respecto a su elogiado predecesor, pero sí suena algo más oscuro y elaborado. Uno de los aspectos más destacados es su producción, que consigue captar la vitalidad de una grabación en directo y le confiere al conjunto un sonido "setentero" que recupera la belleza de la imperfección del vinilo (mención especial para la sección rítmica de “Taper Jean Girl”), y que logra que, desde el primer riff de “Slow Night, So Long”, uno se imagina conduciendo un Cadillac por la ruta 66 o reviviendo un fotograma de Easy Rider.

Slow Night, So Long es una canción que perfectamente podía haber sido la elegida como primer single ya que representa todo lo bueno del grupo y de este disco: un rock crudo y directo con una batería de ritmos urgentes y entrecortados, un bajo de enorme presencia y una voz de marcado acento sureño que rebosa actitud con cada palabra. Otras canciones como King of the Rodeo, Taper Jean Girl, The Bucket (el primer single) o la excepcional Four Kicks siguen esa misma línea: cualquiera de ellas es un hit en potencia. Otros cortes como Soft, Razz o Pistol of Fire, sin dejar de ser potentes, se acercan más a la experimentación con el blues, el jazz, el funk o hasta la psicodelia (el bajo de Razz podría haberse sacado de un tema de los Everly Brothers) ya que, por si la actitud, el look y la trabajada producción no fuesen suficientes, los Kings of Leon son además muy buenos músicos y A-Ha Shake Heartbreak se encarga de que no queden dudas al respecto.

Los únicos momentos de bajón aparecen cuando los cuatro de Memphis se pierden por los derroteros de los medios tiempos. Canciones como Milk o Day Old Blues serían buenos temas para otro grupo, pero en este disco, rodeadas de riffs como puños, sólo consiguen bajar la intensidad del conjunto sin llegar a aportar demasiado.

Se ha hablado de los Kings of Leon como "los Strokes del sur", una comparación poco afortunada que debería desaparecer con este álbum que no sólo demuestra que no tienen nada que envidiar a los neoyorquinos, sino que más bien son estos últimos los que deberían empezar a tomar nota. En definitiva, A-Ha Shake Heartbreak es un excelente disco de rock que confirma lo que ya muchos vaticinaban tras la aparición de Youth And Young Manhood: estamos ante uno de los grupos más interesantes y con más personalidad de la actualidad.

Kings Of Leon - Aha Shake Heartbreak

Tracklist:

1. Slow Night, So Long
2. King Of The Rodeo
3. Taper Jean Girl
4. Pistol Of Fire
5. Milk
6. The Bucket
7. Soft
8. Razz
9. Day Old Blues
10. Four Kicks
11. Velvet Snow
12. Rememo
13. Where Nobody Knows (bonus track)

Año: 2004
Duración: 37:36
Procedencia: USA
Productor: Ethan Jones and Angelo

Descarga: Aha Shake Heartbreak

Four Kicks en directo desde el Big Day Out del 2006:

Y otro video más, con Eddie Vedder en Honolulu...la canción es Slow Night, So Long:

David Bowie

2007-06-14T21:23:00.000+02:00

A estas alturas, contaros la biografía de David Bowie llevaría demasiado tiempo. Porque no es poco lo que ha vivido este hombre. Innovador, ambiguo, talentoso,... Muchos son los adjetivos que se le pueden aplicar. Pero una de sus mayores habilidades era la facilidad con la que iba creando diferentes ‘alter egos’ musicales, detrás de los que se 'escondia', sobre todo al principio de su carrera. Sin duda, el más famoso fue Ziggy Stardust, personaje que creo en 1972, y uno de los mejores discos con el que adentrarse en el mundo del Sr. Bowie.

DAVID BOWIE

El mundo se tiñe de rosa y se espolvorea con purpurina para recibir a Ziggy Stardust, el alter ego de vocación netamente andrógina creado por David Bowie que viene a traernos once sublimes canciones que pasarían por derecho propio al Olimpo del Rock'n Roll por formar parte de uno de los mejores discos nunca grabados. Se trata de uno de los primeros álbumes denominados "conceptuales" dentro de la historia de la música pop-rock, un trabajo que gira en torno a un pesimista concepto de la existencia humana próximo a la ambigüedad y la asexualidad y que supone el primer y definitivo álbum que transita los caminos de esa corriente musical surgida a partir de aquí y que se conocería como glam-rock.

El calificativo más apropiado para este disco es el de genial, con un David Bowie sobrado de inspiración que se las apaña como nadie para construir melodías hermosísimas e inolvidables como Starman, Ziggy Stardust o Soul Love sobre unos arreglos orquestales en los que predominan los seductores pasajes de piano que al final acaban resultando encantadores. El nivel de las letras en el disco es altísimo, destacando una canción por encima del resto que no es otra que Five Years, un emocionante relato en tono catastrofista sobre la existencia humana que descansa sobre un desarrollo instrumental sencillamente magnífico.

Resulta imposible sacar algún defecto a este disco, pués además de las canciones ya mencionadas el señor Bowie aún tiene fuerzas para marcarse un tremendo Rock'n Roll en Sufragette City y componer una reflexiva y hermosa balada llamada Rock'n Roll Suicide que ejercería una influencia enorme en generaciones posteriores. Ésta es, rotundamente, la obra maestra de David Bowie, un disco que nunca lograría superar y que marcaría el resto de su carrera.

David Bowie – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars

Tracklist:

1. Five Years
2. Soul Love
3. Moonage Daydream
4. Starman
5. It Ain't Easy
6. Lady Stardust
7. Star
8. Hang On To Yourself
9. Ziggy Stardust
10. Suffragette City
11. Rock 'N' Roll Suicide

Año: 1972
Duración: 38:37
Procedencia: Inglaterra
Productor: David Bowie / Ken Scott

Descarga: Ziggy Stardust

Suffragette City, en directo - Temazo!

Jet

2007-06-12T09:57:00.000+02:00

Pues si, hay muchisimas bandas mejores que Jet, y muchas que me gustan más que estos australianos. Pero tengo que reconocer que este disco siempre me ha gustado mucho, gracias a unas canciones rockeras muy pegadizas. Además sus influencias no son pocas ni malas (AC/DC, The Kinks, Rolling...). Se hicieron famosos gracias a la canción de la que he puesto un video más abajo, y que seguro que sonará a más de uno.

JET

Jet es originaria de Melbourne, Australia... se conformó en 2001 y su álbum deber vio la luz en el 2003, la crítica los recibió con excelentes comentarios y desde sus inicios son considerados una banda con mucho futuro gracias a un sonido “sincero” y sin pretensiones... sus integrantes afirman que las principales influencias musicales que llevan impresas todas sus canciones incluyen a: The Sex Pistols, The Kinks, The Beatles, AC/DC y The Rolling Stones.

Jet vendieron más de 3 millones y medio de copias en todo el mundo de su espectacular disco de début. Un álbum que contenía el mega hit rockero “Are You Gonna Be My Girl?” además de canciones como “Rollover DJ”, “Look What You´ve Done” o “Cold Hard Bitch” y que encumbró a Jet a la primera división del rock internacional. Jet es el grupo que ha sabido unir mejor que nadie la tradición del mejor rock clásico, el que bebe de los Beatles, los Stones y AC/DC, con las inquietudes de una nueva generación que ha recuperado el gusto por el rock&roll.

Jet - Get Born

Mucha gente ha tratado de hacernos ver el extraordinario oportunismo que ha supuesto el hecho de que una conocida marca de móviles haya elegido el segundo corte de este disco (Are you gonna be my girl) como canción corporativa. Cierto, pero, siendo sinceros, no influye en la calidad de un disco que desde Last chance hasta Timothy rebosa ingenio, frescura y romanticismo añejo por un rock'n roll que, si bien no era la primera en intentar recuperar, sí han sido los primeros en conseguirlo...

La furia incontenible de las ya mencionadas Last chance y Are you gonna be my girl se ven acompañadas por la guitarrera melodía de Rollover DJ, Get what you need o Get me outta here. Si a esto le unes un par de baladas al piano (sirva de ejemplo Look what you've done) y el mejor country americano (Move on) nos encontramos con una banda que da el salto de calidad en el eternamente incipiente panorama rock australiano.

Tracklist:

1. Last Chance
2. Are You Gonna Be My Girl
3. Rollover D.J.
4. Look What You've Done
5. Get What You Need
6. Move On
7. Radio Song
8. Get Me Outta Here
9. Cold Hard Bitch
10. Come Around Again
11. Take It Or Leave It
12. Lazy Gun
13. Timothy

Año: 2003
Duración: 49:00
Procedencia: Australia
Productor: Dave Sardy

Descarga: Get Born

Are You Gonna Be My Girl, en directo desde el Fuji Rock Festival. Pues si que le gustó la canción al público, :)