Hacía tiempo que no me ponía a escuchar este disco, y la verdad, se me había olvidado lo bueno que era. Una pena que desde que lo publicaran poco más se ha vuelto a saber de ellos (aunque creo que tienen listo su segundo disco, a falta de encontrar una discográfica que lo publique).
SERAFIN
El mundo que nos propone este cuarteto británico está auspiciado por una densa oscuridad rodeada de extrañas formas corpóreas donde la luz parece un bien demasiado deseado para ser real. Las guitarras y la fuerza de las composiciones son el principal motor de la formación, mezclan pop/rock y hard rock para expresar sus emociones consiguiendo un sonido propio aunque cercano al de bandas como Nirvana, Muse (incluso comparten con éstos sello discográfico) o Feeder antes del fallecimiento de Jon Lee y posterior relajación musical. La estructura es clara y sencilla, canciones de poco minutaje, agresivas pero adornadas con gran sensibilidad, y entre corte y corte algunas muestras más templadas. El resultado, un brillante debut.
No Push Collide está formado por doce temas de gran calidad, es un álbum del que es difícil destacar grandes canciones porque en su mayoría todas lo son y no se limitan a un par de hits estratégicamente colocados como muchos pueden imaginar en un grupo que lanza su primer trabajo. Quizá no sea del todo original ni siente las bases de un género demasiado concurrido pero sus cuarenta y tres minutos de duracción son suficientes para no perderles la pista. Por si fuera poco es uno de esos compactos muy accesibles y directos con claridad de ideas.
La primera toma la tenemos con Stephen In The Sky, empieza con unas guitarras que a partir del primer minuto se convertirán en la principal baza del disco. El tema es casi como una introducción de apenas tres minutos pero consigue despertar el interés al oyente, eso si, el inicio es curiosamente parecido al de Dead Star de los ya mencionados Muse. Day By Day tiene interesantes cambios de ritmo y probablemente sea la mejor creación de Serafin a lo largo del disco por garra, consistencia y emotividad. Things Fall Apart y No Happy comparten un tremendo medio tiempo que explota en el estribillo, especialmente en ésta última, otra de las destacadas, tan sucia y poco elegante que enamora en la primera escucha. Pasamos a la gamberra Lethargy y la intensa Ordinarly Me (grandioso estribillo) para llegar a una corta balada que nos habla de los melocotones de España, Peaches From Spain. Entre medias más demostraciones afortunadas como Green Disaster Twice para llegar a la maravillosa Who Could I Be? con la que se cierra No Push Collide.
El conjunto formado por la impresionante y desgarradora voz de Ben Fox Smith y las atronadoras guitarras y batería del resto de componentes de Serafin (a saber, Darryn Harkness, Ben Ellis y Christian Smith) afirma la enorme complejidad del proyecto a través de un debut demoledor y carismático. Nos comentan que están trabajando en su segundo larga duración y que el nombre podría ser To The Teeth aunque de momento no tiene fecha de lanzamiento definitiva. Para aliviar la espera nada mejor que perderse por el oscuro horizonte de su primer trabajo. No os defraudará.
Serafin – No Push Collide
Tracklist:
1. Stephen's In The Sky 2. Day By Day 3. Things Fall Apart 4. No Happy 5. Numerical 6. Lethargy 7. Ordinary Me 8. Build High, Tear Low 9. Sage Waits 10. Green Disaster Twice 11. Peaches From Spain 12. Who Could I Be?
Año: 2003 Duración: 42:41 Procedencia: Inglaterra Productor: D Sardy
Viendo las listas de los mejores discos ‘indies’ del año pasado muchas veces me he encontrado con un disco titulado The Trials of Van Occupanther, de una joven banda de Texas. Lo curioso es que, no sé porque, lo tenía bajado desde el año pasado, pero hasta hace relativamente poco tiempo no me había puesto a escucharlo. Mi veredicto: excelente disco. Pruébenlo!
MIDLAKE
Desde Denton (Texas) llegan Tim Smith (voz), Eric Nichelson (guitarra), Eric Pulido (guitarra), Paul Alexander (bajo), y McKenzie Smith (batería), o, lo que es lo mismo, Midlake. Jóvenes, románticos y unos apasionados de la música, Midlake combinan a la perfección la electrónica más excéntrica con los sonidos más orgánicos, terrenales y tradicionales. Sus influencias van desde Doves hasta Clinic y ya se les compara con grandes como Grandaddy o The Flaming Lips (junto a los que han tocado en la pasada edición del macro festival de la industria South by Southwest y en el Noise Pop en San Francisco y que acompañarán en su gira por Europa). Pero los chicos de Midlake han sabido crear su propio universo. Un mundo entre naïf y alucinado que los une con toda la tradición más imaginativa (¿psicodélica?) de la música pop.
En 2004 debutaban con Bamnan And Silvercork en el sello Bella Union. Un disco con el que consiguieron una amplia base de fans entre los que se encuentra el actor Jason Lee, quien se ha convertido en uno de sus mejores abanderados llegando incluso a dirigir el vídeo del tema Balloon Maker. En junio de este 2006 salió a la venta su segundo álbum, The Trials Of Van Occupanther, un trabajo con el que, según sus propias palabras, está más influenciado por el folk rock de los setenta con una menor presencia de los recursos electrónicos.
Midlake - The Trials of Van Occupanther
Bajo el nombre de The Trials Of Van Occupanther el grupo se inspira en la estación de oro del pop , hablamos de la década de los 70's y las mezclas de influencias que contienen aromas Fleetwood Mac y Bread y Jony Mitchell que junto a la voz de Tim Smith , en cada escucha, el disco se vuelve exquisito. A diferencia de su debut, este nuevo LP se maneja con menos experimentación en que pianos y guitarras acústicas hacen de padrones.
Compuesto por 11 temas y una duración de 45 minutos, The Trials Of Van Occupanther se mueve en una calma sorprendente en que se destacan canciones como Young Bride, Bandits, la melódica We Gathered In Spring y la canción que abre el álbum Roscoe. en síntesis es un viaje al pasado, lleno de arreglos y de detalles que vas descubriendo poco a poco; no es por nada que hoy llevo 6 escuchas del disco y cada vez descubro algo que me llama más la atención y me lleva a elogiar este trabajo positivamente.
Tracklist:
1. Roscoe 2. Bandits 3. Head Home 4. Van Occupanther 5. Young Bride 6. Branches 7. In This Camp 8. We Gathered In Spring 9. It Covers the Hillside 10. Chasing After Deer 11. You Never Arrived
Año: 2006 Duración: 44:51 Procedencia: USA Productor: Tim Smith / Midlake
Hace poco leí la noticia de la separación de los ingleses Yourcodenameis:Milo, grupo que creo que nunca consiguió el reconocimiento que se merecían. Y eso que este año todavía les dio por sacar un gran disco, muy a la altura del primero que editaron (sin contar el EP), y que hoy os recomiendo.
YOURCODENAMEIS:MILO
La promoción manda y por ello nos vemos completamente inundados de nuevas bandas, que nos vienen mayoritariamente desde las islas, y que se nos venden como la nueva revolución, la nueva gran banda. Sin menospreciar a ninguna de esas bandas, aunque algunas sean de risa, las mejores se quedan siempre por el camino. Un claro ejemplo de ello son Yourcodenameis:Milo o lo que es lo mismo, cinco músicos de Newcastle dispuestos a demostrar que en esto del rock no hay límites. Melodías, distorsión y calidad a partes iguales.
Después de un enérgico EP titulado All Roads To Fault (grabado con Albini en Chicago), vuelven a la carga con su primer disco grande, Ignoto un magnífico trabajo de rock en mayúsculas, a veces desgarrado, a veces tremendamente delicado y en ocasiones desbocado como solo los grandes grupos saben hacerlo. Aunque dejen ver influencias de las mejores bandas de los últimos años, poner matices de Radiohead, Muse o At the drive-in en su receta para facturar un resultado final absolutamente original, no es algo que esté al alcance cualquiera.
Es cierto que el sonido del disco resulta, en ocasiones, excesivamente saturado (la producción corre a cargo del mítico Flood y de la propia banda) pero eso también lo hace especial y diferente, lo que falta en términos de perfección sonora sobra en tensión y emoción. “Ignoto” arranca con la energía de I Am Connecting Flight y 17, uno de los mejores temas del disco que desborda potencia desde la primera nota. Titan Grip, Rapt. dept y Schteeve, en la misma línea son, aún si cabe, más intensas y desgarradoras. La calma momentánea llega en temas como Team Radar, Five Tour o Empty Feat que alternan potencia y delicadeza a la perfección. 2-Stone, The General y la oscura Audition rematan el trabajo dejándonos con ganas de más.
En lugar de esperar al próximo trabajo de cualquiera de esos grupitos que salen al escenario uniformados y repeinados a demostrar que dominan el arte de la pose a la perfección, arriesga un poco y busca cualquiera de los dos trabajos de Yourcodenameis:Milo. Valdrá la pena.
Yourcodenameis:Milo – Ignoto
Tracklist:
1. I Am Connecting Flight 2. 17 3. Titan Grip 4. Rapt. Dept. 5. Schteeve 6. Team Radar 7. Fivefour 8. Yesterday's Head 9. Empty Feat 10. 2-Stone 11. The General 12. Audition / Unfinished Drawings of Cats & Dogs
Dentro de un mes tendremos de gira por España a uno de los grandes de la escena del hardcore melódico; los míticos y divertidos Nofx. Yo no podre ir, porque estaré de viaje, y además ya los he visto tres veces en anteriores ocasiones, pero para quien tenga interés, os dejo una pequeña biografía y uno de mis discos favoritos de ellos.
NOFX
Todo empezó cuando Fat Mike quiso fundar un grupo punk que tuviese buenas letras y buenas canciones, que grabase discos y saliese a tocar, para esto buscó a su amigo Erik. Grabaron Liberal Animation en 1988 con Brett de Bad Religion, y fue relanzado en 1991 en la firma de Brett, Epitaph Records. NOFX firmó con Epitaph en 1989, sacando a la luz el LP S&M Airlines. En el mismo año nació, de la mano de Fat Mike, el sello Fat Wreck Chords, que pronunciado correctamente suena como "Fat Records". Sobre 1991 hubo muchos cambios en la banda aunque los tres miembros originales se reunieron con El Hefe. El último álbum publicado con Steve Kidwiller como guitarrista fue Ribbed. En 1992, antes de la grabación de The Longest Line El Hefe se unió como guitarrista y trompetista en el lugar de Izzy; después de esto lanzaron White Trash, Two Heebs And A Bean.
En 1994 sacaron Punk in Drublic, su disco más exitoso hasta el momento. El álbum fue disco de oro en los Estados Unidos y fue cuando el punk se repopularizó, gracias a Dookie de Green Day y a Smash de The Offspring, entre otros. NOFX nunca encajó con la popularidad de otras bandas de punk, y aunque se hicieron famosos en los 90 y mantienen sus primeros fans, consideran a las otras bandas "unos vendidos". Desde 1994 no han aceptado entrevistas y han grabado muy pocos videos. Fat Mike sólo contestó a una entrevista para Guitar World en 2003 dando su opinión sobre las nuevas bandas de pop punk populares en ese tiempo.
En 1996 salió Heavy Petting Zoo. Acerca de este álbum, Eric Melvin respondió, en el portal Q&A (Questions & Answers) de nofxofficialwebsite.com (o NOFX.org) "Pensaba que este disco era el disco mas cool de todos, pero después me di cuenta de que no era tan cierto." "Creo que se vendió bien en Bélgica" Esto al parecer porque el sonido del Disco Heavy Petting Zoo era bastante "raro y psicodélico" lo cual se aleja del sonido original de NOFX. Al año siguiente se lanzo So Long And Thanks for All The Shoes, un disco que tiene un contenido mas hardcore que los anteriores.
En el año 2003, después de varios años de ausencia, NOFX sacó un CD titulado The War on Errorism (La Guerra al Errorismo), un álbum de canciones comprometidas políticamente con un sonido mas hardcore, que fue el comienzo de su particular campaña anti-Bush, para concienciar a la juventud americana. Desde el lanzamiento de ese CD, Fat Mike creó la web Punkvoter.com, sacó dos recopilatorios llamados Rock Against Bush en Fat Wreck, y una gira llamada Rock Against Bush por todo Estados Unidos, junto con bandas como Green Day, MxPx, Good Charlotte y Yellowcard, entre otras. Su aparición en la escena política ha dejado huella, aunque no tuvo los éxitos esperados tras la mayoría absoluta de los republicanos en las elecciones presidenciales de 2004.
Tras el lanzamiento de un EP llamado Never Trust a Hippy, NOFX sacó en abril de 2006 el LP llamado Wolves in Wolves' Clothing. Aunque es muy difícil llegar a algún sitio en el mundillo de la música sin la ayuda de una compañía importante, NOFX sabiamente elige alejarse de la MTV, radios comerciales y discográficas importantes. El hecho de estar totalmente en contra de los ideales de la cadena televisiva MTV ha hecho aumentar considerablemente la popularidad de NOFX. Para muchos grupos, tener un vídeo difundido a través de la MTV significa éxito. En el caso de NOFX, el éxito no juega ningún papel. Ellos piensan que la MTV vende grupos y no su música, y ellos no quieren ser comprados y vendidos. La única forma de publicidad que ha tenido NOFX a lo largo de 15 años es la planificación de conciertos, grabación de CD's, artículos de ropa, pegatinas, posters, etc... NOFX ha demostrado que te puedes hacer grande pensando en pequeño.
NOFX - So long… And Thanks For All The Shoes
Probablemente, este disco de NOFX, cuya portada reproduce una especie de bandera con tres franjas (marrón, amarilla y rosa), presente al grupo más centrado, como señala la hoja promocional de su compañía, pero el espíritu sigue siendo el mismo: punk-rock acelerado y melódico, ramalazos de hardcore, guiños ska y, por encima de todo, letras de humor corrosivo que suponen una patada en la espinilla al imperio de lo "políticamente correcto".
Un claro ejemplo es el tema Murder the Government y su primera frase: "Quiero ver la Constitución arder…". Todos estos ingredientes son los que provocaron hace aproximadamente tres años que su disco "Punk in drublic" pegara el bombazo a nivel mundial, saliendo de los circuitos estrictamente punk y convirtiendo al grupo en un fenómeno casi mayoritario, equiparable al de sus compañeros en Epitaph Offspring. En España, la prueba de ello ha sido la proliferación de camisetas de la banda durante estos años.
No obstante, el grupo comandado por Fat Mike, ajeno a esta repercusión, no ha cambiado para nada su actitud. Su política continúa siendo "nada de radio, nada de vídeos y, sobre todo, nada de entrevistas". Tras su disco Heavy Petting Zoo, que tuvo una acogida más tibia en nuestro país, ahora reaparecen con este So long… And Thanks For All The Shoes, en el que su estilo más característico de punk-rock melódico se aprecia en trallazos como It's My Job To Keep Punk Rock Elite (que abre el disco), Monosyllabic Girl, (una auténtica declaración de amor en la que cantan "Todo el mundo sabe que estoy enamorado de la chica monosilábica"), o Dad's Bad News.
En cuanto a las letras, las "reivindicaciones" políticas ya comentadas en Murder the Government se mezcla con declaraciones de principios como Kill Rock Stars. Eso sí, con un sentido irónico siempre muy presente, como es el caso de la canción que cierra el disco, Falling In Love, un tema que, a pesar de sus apariencias, no habla de un enamoramiento convencional, sino de una pareja de enamorados que viaja en un avión a punto de estrellarse: "La muerte no parece tan mala cuando estoy contigo, mi único amor; así que cierra los ojos y bésame por última vez. Nosotros vamos a morir, pero nuestro amor no". Mala leche explícita que, al parecer, a la santa esposa de Fat Mike no le ha hecho excesiva gracia y prefiere no escuchar tan romántica canción. Además, el título de uno de los temas parece un guiño a "Flogging a dead horse", el disco de los Sex Pistols que NOFX han transformado en Flossing A Dead Horse.
Tracklist:
1. It's My Job To Keep Punk Rock Elite 2. Kids Of The K-Hole 3. Murder The Government 4. Monosyllabic Girl 5. 180 Degrees 6. All His Suits Are Torn 7. All Outta Angst 8. I'm Telling Tim 9. Champs Elysees 10. Dad's Bad News 11. Kill Rock Stars 12. Eat The Meek 13. The Desperation's Gone 14. Flossing A Dead Horse 15. Quart In Session 16. Falling In Love
Año: 1997 Duración: 33:16 Procedencia: USA Productor: Fat Mike / Ryan Greene
El grupo de hoy fue una de las sorpresas que me llevé del pasado festival del Summercase. Este dúo, (trio en directo) no me llamaron tanto la atención en disco como lo hicieron en directo. Aunque tampoco hagan un estilo que me tire mucho, siempre me han parecido curiosos...Volverán a estar por España para el Wintercase.
RATATAT
Ratatat es el proyecto de un atípico dúo conformado por Mike Stroud y Evan Mast. El primero, un esmerado guitarrista (miembro además de la banda del singular Ben Kweller) y el segundo un maniático de las máquinas y la electrónica. El disco, grabado y planeado en un apartamento del musicalmente convulsionado Brooklyn, apuesta por un sonido cuasi guitarrero, melancólico, que no oculta su simpatía por pericias y ejercicios estilizados y hasta virtuosos, a la par de una plataforma electrónica sencilla pero eficaz y en ciertos momentos con algunos atisbos de complejidad, que nunca llega a mayores, nunca pretende más que su propia sencillez. Hay guiños al hip hop en las bases y en algunos samplers. Sin embargo el mundo de Ratatat no está situado en las calles sino más bien en mundos oníricos y épicos.
Ratatat - Classics
Segundo álbum del dúo neoyorquino Ratatat, con el cual marcan su regreso tras dos años de haber editado su homónimo debut.
En este nuevo trabajo titulado “Classics” el dúo continúa con la construcción sónica instrumental comandada por las guitarras de Mike "Snake" Stroud y la variada instrumentación de Evan "E*Vax" Mast, quien se encarga de los bajos, los sintetizadores y la electrónica hecha a base de laptop. Toda esa experiencia sonora regresa en este nuevo aporte de Ratatat, pero con la diferencia de que “Classics” se muestra más variado en cuanto a texturas e instrumentación en comparación a su disco predecesor.
El dúo ha bajado un poco la intensidad de sus riffs, pero ahora a su exquisito experimento musical le han añadido nuevos instrumentos como chelos, cascabeles y guitarras acústicas, lo cual realza las tonalidades de su peculiar sonido. También hay un mayor uso de efectos electrónicos ambientales y una producción más pulida en cuanto a melodías y composición.
Son unos Ratatat más estilizados, pero manteniendo el concepto de su música en donde convive lo orgánico con lo artificial, apoyado por un sonido que se encuentra a medio camino del dance rock neoyorquino y la electrónica de Daft Punk o Air. En definitiva, toda una travesía introspectiva llena de melancolía y satisfacción, y con una peculiar ambientación que evoca las bandas sonoras del cine francés y la sutileza sonora de un videojuego de NES.
Con artistas tan grandes como Neil Young, con una discografía tan amplia, uno nunca sabe por donde empezar. Por lo menos eso siempre me pasaba a mí, hasta que hace unos días me encontré por la tienda de discos este recopilatorio, que decía contener las canciones más representativas y aclamadas por crítica y público de Neil Young. No me lo pensé y conociendo solamente su tema de Rockin’ in the Free World, me compre el disco. Y estoy más que contento con la compra. Por lo menos, ahora tengo una pequeña noción por donde tirar si quiero indagar más en sus ‘infinitos’ discos. Recomendado a todos los que siempre han querido conocer un poco más a esté clásico!
NEIL YOUNG
Es uno de los músicos más importantes, prolíficos e imprevisibles de la música de las últimas cuatro décadas, extraordinario tanto en su faceta más sensible y acústica como en su ferocidad eléctrica ilustrada por su hiriente y distorsionada sonoridad guitarrera; practicante ecléctico, por sus notas han transitado aspectos rock, pop, folk, country, soul, blues e incluso electrónicos. Su musicalidad junto a una lastimera y nasal factura vocal ha influenciado a nombres tan dispares como Pearl Jam, Teenage Fanclub, R.E.M., Jayhawks o Dinosaur Jr.
Neil es hijo de dos periodistas. Aprendió a tocar la guitarra desde que era adolescente. La armonía de su hogar se rompería cuando sus padres se divorciaron. Neil Young tenía 14 años al tiempo que se trasladaba con su madre a la población de Winnipeg. Poco después formó un grupo propio; el conjunto se llamaba Neil Young & The Squires e interpretaban temas de los Beatles, los Shadows y de Elvis en las fiestas estudiantiles. Su fama, ayudados por el apoyo de su influyente madre, los condujo a firmar varios contratos que les permitieron actuar en varios locales de la zona. A mediados de década, Neil Young retornó a su ciudad natal, Toronto, para actuar como solista. Se unió al grupo pop The Mynah Birds, entre cuyos miembros estaba el bajista Bruce Palmer.
Con los Mynah Birds, Neil se hizo muy popular entre los canadienses, coincidiendo y conociendo a otros jóvenes músicos que se intentaban abrir camino en el mundo de la música como Joni Mitchell, Stephen Stills y Richie Furay. Problemas legales condujeron a la ruptura de los Mynah Birds y a la marcha de Neil y Bruce a Los Angeles. Allí se encontraron en 1966 con sus amigos Furay y Stills y se embarcaron en un nuevo proyecto al que llamaron Buffalo Springfield. A las guitarras líder de Neil y Stills, la rítmica de Furay y el bajo de Palmer se les unió un cuarto componente, el batería Dewey Martin.
En los sensacionales tres discos de Buffalo Springfield dejaron buena constancia de su influyente eclecticismo: pop, folk, country, rock, convirtiéndose en uno de los primeros grupos en practicar el folk-rock y el country-rock. Las composiciones se repartían primordialmente entre Neil y Stills, componiendo Young verdaderas joyas como "Burned", "Expecting to fly", "Flying on the ground is wrong", "Out of my mid" o "Broken Arrow". Los conflictos internos y las ansias de aventura en solitario provocaron la defunción de este gran grupo en 1968. Poco después, Neil debutó en Reprise con su primer trabajo como solista, Neil Young (1969). Temas impresionantes como "The Loner", "I've been waiting for you", "Here we are in the years", "The old laughing lady" o "What did you do to my life?" tuvieron buena repercusión.
Neil Young luego lanzó Everybody Knows This Is Nowhere (1969), album en el que colaboró por primera vez con una banda denominada Crazy Horse (anteriormente conocida como The Rockets), compuesta por el guitarrista Danny Whitten, el bajista Billy Talbot y el batería Ralph Molina.Como apoyo instrumental, Neil contó desde sus inicios con el productor, arreglista y teclista Jack Nitzsche. "Cinnamon Girl", "Down By the River", "Running Dry" o "Cowgirl in the sand" son algunas canciones de un disco imprescindible que obtuvo unas importantes ventas. A finales de década, Neil conoció por mediación de Stephen Stills a David Crosby (ex Byrds) y a Graham Nash (ex Hollies), que habían formado el supergrupo de éxito Crosby, Stills & Nash.Neil congeniaba con los gustos musicales del trío y se unió a ellos para grabar el magistral Deja Vu (1970), un LP que contenía su famoso tema "Helpless". Ese mismo año presentó su tercer disco, After The Gold Rush (1970). A Young nunca le gustó sentirse atado a un grupo, así que tras el directo "Four Way Street" (1971) determinó abandonar a Crosby, Stills & Nash, no sin antes regalarnos otra de sus canciones más recordadas, la punzante "Ohio" que protestaba por la muerte de cuatro estudiantes asesinados en una manifestación en contra de la guerra del Vietnam. Anteriormente, en After the Gold Rush el combativo Neil había atacado al racismo imperante en el sur de los EEUU con "Southern Man", tema que provocó la respuesta de los Lynyrd Skynyrd en "Sweet Home Alabama".
En 1972 grabó su disco de mayor triunfo comercial titulado Harvest (1972), un estupendo trabajo que combinaba la orquestación pop, el country y el folk y que contó con el refuerzo de los Stray Gators. El disco llegó al número 1 en las listas, al igual que su memorable sencillo "Heart Of Gold". La comercialidad, que no le gustaba a Young (Neil hace música porque le gusta como expresión personal, no para vender millones de copias), se acabó con su siguiente disco, el poco satisfactorio Journey Through The Past (1972), una banda sonora vapuleada por la crítica americana. Tras el directo Times Fades Away (1973), Neil Young volvió a sorprender con tres impresionantes trabajos marcados por una triste y desesperada tonalidad y crudeza musical derivada en parte, por la muerte del guitarrista de los Crazy Horse Danny Whitten (que fue sustituido por Frank Sanpedro) y de su roadie Bruce Berry en 1972. On The Beach (1974), Tonight is the night (1975) y Zuma (1975) son otras referencias básicas en la carrera de este genio.
El fin de década trajo buenos discos como American Stars'n'Bars (1977), recopilatorios imprescindibles como Decade (1977) y obras casi perfectas como el country-rock Comes a time (1978) y el impresionante Rust Never Sleeps (1979) con una cara de corte acústico y la otra eléctrica culminada con la absorbente y llameante "Hey Hey, My My (Into The Black)". Los años 80 son los peores en la carrera musical de Neil Young (que regresó con CS&N en el mediocre "American Dream"), una década en la que fue variando de estilo publicando discos caprichosos y de poco valor. Tras el estimable Hawks & Doves (1981) y el flojo Re-Ac-Tor (1982) experimentó, cuando firmó con Geffen, con la electrónica, sintetizadores y guiños al rockabilly en discos prescindibles como Trans (1983) Everybody's Rockin (1983) o Landing On Water (1986). Los discos más potables en el período Geffen son Life (1987) y Old Ways (1985).
Sus disputas con Geffen lo llevaron a retornar a Reprise en 1988. El retorno fue feliz ya que This Note's For You (1988) es un respetable trabajo lleno de soul y blues. Freedom (1989) mostró a un cada vez más recuperado Neil Young que alcanzaría su resucitación plena con el soberbio Ragged Glory (1990) en donde volvía a sonar con aspereza y rabia al lado de los Crazy Horse. En los 90, Neil asombró de nuevo con estupendos discos como Harvest Moon (1992), Sleeps with angels (1993) y Mirror Ball (1994), un álbum que contenía como grupo de acompañamiento a Pearl Jam. Grandes directos como Weld (1991) y Unplugged (1993) junto a otros discos menores como Lucky Thirteen (1993), Dead Man (1996), Broken Arrow (1996), Year of the Horse (1997).
En el año 2002 publicó Are you passionate? (2002), un irregular álbum con tendencias soul grabado con los Booker T. & The MG's.En el Lp también aparecían los Crazy Horse, colaborando en el tema rockero "Goin' Home", el mejor corte del disco.El conceptual Greendale (2003), retomaba a un Young en plena forma desarrollando un proyecto ambicioso, que incluía diversas formas artísticas para proyectar las historias y personajes que conforman este satisfactorio trabajo.
A comienzos del año 2005 y tras publicar un Greatest Hits (2004), Young fue aquejado de un aneurisma cerebral, detectado tras sufrir problemas persistentes de visión. Después de ser operado satisfactoriamente Neil se trasladó a Nashville para grabar su siguiente disco, que contará con la colaboración de Spooner Oldham y Ben Keith. El álbum, titulado Prairie Wind fue lanzado en setiembre del 2005 y Living with War en el 2006.
Neil Young - Greatest Hits
Tracklist:
1. Down By The River 2. Cowgirl in the Sand 3. Cinnamon Girl 4. Helpless 5. After the Gold Rush 6. Only Love Can Break Your Heart 7. Southern Man 8. Ohio 9. The Needle And The Damage Done 10. Old Man 11. Heart of Gold 12. Like A Hurricane 13. Comes A Time 14. Hey Hey My My (Into The Black) 16. Rockin' in The Free World 17. Harvest Moon
El post de hoy se merecía que fuera para mis amados Radiohead. Muchos ya habréis oído la noticia de la publicación en el día de hoy del 7º disco de estudio de estos siempre sorprendentes ingleses. No, todavía no lo tengo y no encontraréis aquí un enlace con el nuevo disco. ¿Por qué? Pues muy fácil, porque lo podéis descargar de forma gratuita directamente desde su página Web: In Rainbows
RADIOHEAD
Más información:
Después de varios días enviando mensajes en clave a sus seguidores, Johnny Greenwood ha hecho oficial el lanzamiento del nuevo álbum de Radiohead. La nueva entrega del quintento de Oxford se llamará In Rainbows, y estará disponible mediante descarga a través de su página web www.inrainbows.com. La descarga se puede pre-ordenar ya, y en ella se puede pagar lo que se estime conveniente: desde 0 libras en adelante.
El disco saldrá a la venta en vinilo a partir del 3 de diciembre. Esta edición costará 40 libras esterlinas, e incluirá dos vinilos, otros tantos CDs y los gastos de envío internacional.
Los temas que incluirá In Rainbows son:
CD 1: (digital download and discbox)
15 Step Bodysnatchers Nude Weird Fishes/arpeggi All I Need Faust Arp Reckoner House of Cards Jigsaw Falling Into Place (also known as "Open Pick") Videotape
CD 2: (discbox only)
Mk 1 Down is the new up Go Slowly MK 2 Last Flowers Up On The Ladder Bangers and Mash 4 Minute Warning
Radiohead - In Rainbows
Como ya he dicho todavía no he escuchado una sola canción, y eso que presentaron el año pasado algunas canciones en directo. A ver si esta noche me lo puedo descargar...
Solamente dejo este video de la canción Videotape:
Magnifica banda inglesa, que he descubierto relativamente tarde. Por ahora solo llevo escuchados los últimos tres discos que han publicado, a pesar de llevar juntos más de 20 años. De los cuales, me quedo sin duda con el In Absentia, que hoy recomiendo; para quien le pueda gustar el rock progresivo.
PORCUPINE TREE
Cuando una banda es joven, la fama, el reconocimiento público, es una luz blanca y maravillosa hacia la que se avanza. Más de una formación piensan que ganaran, en cuanto conquisten grandes audiencias, millones de dólares y serán felices. Hay músicos, artistas, que no comprenden nunca que la realidad no es así. Las cosas que se supone que te hacen feliz no sirven. No importa otra persona, otro éxito, ni la aprobación de masas sin rostro que pasen por caja. Lo único que merece la pena, lo único duradero, es el proceso de hacer lo que uno quiere. Este bagaje en la vida empieza por lo más difícil: saber qué es lo que se quiere hacer. En el momento que se sabe, es imposible convertirse en un peón a merced de modas o industrias que corrompan el Arte. Porcupine Tree, un cuarteto británico incalificable en el panorama actual del rock mundial, desde hace más de doce años han cimentado cada uno de sus discos sobre esa sólida base. En el camino han estado coqueteando con muchas músicas, porque sus composiciones evocan antiguas y nuevas conexiones, para presentar, sueño o realidad, “In Absentia”, su primer disco en una multinacional tras años firmando en sellos independientes.
El talento de Steve Wilson, cantante y guitarrista, recorre los surcos del lector en un delicioso paseo entre corrientes. El rubor aflora en el frenético arranque de la travesía, Blackest Eyes, aunque nada puede comparase al momento de ir elevándose de manera lenta y observar la tierra desde las alturas (Trains, The creator has a Mastertape). Al principio se impone una sensación de fragilidad; después empiezas a notar calor y olvidas todo para admirar el pasaje desde el aire (Collapse the light into Earth).
In Absentia, es estar ausente de algo, es el sentimiento de echar de menos algo en tu vida o realidad. Mundos que habitan en el mismo cosmos, caminantes divergentes y capacidad de embaucamiento hacen de “In Absentia” un álbum rico en matices, compositivamente intachable, que sirve como vehículo de exploración interior del pensamiento al saborearlo.
Estas canciones suponen por momentos un ejercicio de nostalgia musical, pero en otros se torna en grandiosas florituras no exentas de potencia y energía. “In Absentia” realza la figura del cantante, guitarrista y compositor Steven Wilson, sin menospreciar a sus compañeros de aventura, puesto que su imaginería, le puede llevar a donde quiera y siempre con sobresalientes resultados. Como guitarrista es impecable, emocional, y sin demostrar todo lo que sabe porque siempre tiene un nuevo as en la manga. Como productor Opeth ya conocen su esencia. Aceptando el compromiso con su propio destino el nuevo disco de Porcupine Tree, “In Absentia”, en la edición europea que manejamos, incluye Bonus Cd con dos temas inéditos y el vídeo clip de Strip the Soul, una de las composiciones de esta imprevisible poesía en movimiento.
Porcupine Tree - In Absentia
Tracklist:
1. Blackest Eyes 2. Trains 3. Lips Of Ashes 4. The Sound Of Muzak 5. Gravity Eyelids 6. Wedding Nails 7. Prodigal 8. .3 9. The Creator Has A Mastertape 10. Heartattack In A Layby 11. Strip The Soul 12. Collapse the Light Into Earth
Año: 2002 Duración: 68:14 Procedencia: Inglaterra Productor: Steven Wilson
La verdad, no me esperaba un disco tan bueno de Dinosaur Jr., a estas alturas de su carrera. Será en parte porque se han vuelto a juntar los tres miembros originales, cosa que me sorprendió, ya que J Mascis y el bajista Lou Barlow acabaron muy mal cuando el primero echó al segundo en 1989. Parece que el tiempo todo lo cura...
DINOSAUR JR.
J. Mascis, cantante de voz quebrada y déspota de la banda, se deshizo de la alineación mágica que construyó el brutal Bug. El batería Murph pasó desapercibido después de su marcha y Lou Barlow, hasta entonces bajista del grupo, montó otro de los grupos que se recordarán siempre de la década de los 90, Sebadoh.
Mientras, el dinosaurio jovencito fue adquiriendo un aroma más clásico en sus discos, con un J. Mascis convertido en héroe de la guitarra y demostrando su técnica en canciones que bebían más del Neil Young eléctrico que de todo lo bueno que ocurrió en el underground norteamericano de los 80. Su luz, contradiciendo a los Smiths, se fue apagando poco a poco. O eso creíamos porque, ahora, con la formación original de vuelta, Dinosaur Jr. acaban de editar un disco que los (nos) devuelve a su mejor época.
Beyond no es el gesto tonto y avaricioso de unos músicos decrépitos. No, Beyond no es ese horrible The Weirdness con el que los Stooges nunca deberían haberse insultado a sí mismos. Beyond suelta las chispas de una hoguera ruidosa que parecía extinguida y que ahora entrega once canciones conmovedoras y con las que te apetece montar un grupo de rock. Ésa era una de las grandes virtudes de los primeros Dinosaur Jr: su capcidad de transmitir pasión, de hacerte sentir joven y parte de algo inexplicable, pero que se resumía en un par de riffs, un estribillo coreable sin ser pop y un solo final lleno de ruido que te dejaba para el arrastre. Las canciones de Dinosaur Jr. fueron emotivas y violentas a la par y Almost Ready, Pick Me Up, Back To Your Heart o This Is All I came To Do aún conservan la esencia.
Dinosaur Jr. – Beyond
Tracklist:
1. Almost Ready 2. Crumble 3. Pick Me Up 4. Back To Your Heart 5. This Is All I Came To Do 6. Been There All The Time 7. It's Me 8. We're Not Alone 9. I Got Lost 10. Lightning Bulb 11. What If I Knew
Año: 2007 Duración: 49:34 Procedencia: USA Productor: J Mascis
Desde que me descubrieran el disco hace aproximadamente 10 días, no pasa uno sin que escuche algo del mítico disco de los americanos Love. Sinceramente, es mejor de lo que me esperaba. De hecho, ya me lo he comprado original, y se lo recomiendo a todo el mundo. Grandes!
LOVE
Movimiento hippie y drogas psicodélicas, pacifismo y guerra de Vietnam, amor libre y dudas existenciales, contestación estudiantil y misticismo oriental, todas las contradicciones inherentes al llamado melting pot o crisol de razas y culturas. En otras palabras: California a mediados de los años 60.
En 1967 un grupo de rock llamado Love ya había publicado dos LP titulados Love y Da capo, que no podían considerarse malos, pero que no daban la talla si se los comparaba con los trabajos de grupos estrella como The Byrds y The Doors. La falta de éxito había creado tensiones dentro de la banda de Arthur Lee (insólito ejemplo en aquella época de un negro liderando un grupo de músicos blancos). En un ambiente enrarecido por problemas personales y conflictos entre ellos, los componentes del grupo se meten en los estudios Sunset Sound para grabar el que sería su tercer álbum Forever changes. Cuentan que los músicos llegaban al estudio, grababan un par de temas y luego desaparecían durante varios días. Fue milagroso que el disco se terminara.
Una vez publicado, el álbum no llegó a pasar del puesto 154 de la lista de ventas. Ante el nuevo fracaso la banda se disolvió seis meses más tarde. Y aquí es donde empieza la leyenda de Forever changes. Poco a poco, los aficionados escuchan el disco y descubren que es una joya. Los críticos se dan cuenta de que, como tantas veces, han ignorado una obra maestra. Un disco cuyas once canciones, desde la primera estría del vinilo hasta la última, rozan la perfección. Hoy día Forever changes está considerado uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos y es un permanente éxito de ventas.
Forever changes es un fresco de la California de los años sesenta, que recoge en 43 minutos las contradicciones de un mundo en perpetuo cambio, refleja la extrañeza de aquellos días y captura su mezcla de belleza y terror. La mirada del narrador (pues este álbum, como toda obra descriptiva o narrativa, cuenta con un narrador) es sobre todo de perplejidad, con la muerte como telón de fondo de un mundo en apariencia frívolo y desinhibido, pero que para quien es capaz de mirar más allá aparece desolado y sumido en la confusión:
Sitting on a hillside Watching all the people die I’ll feel much better on the other side I’ll thumb a ride
Soledad en medio de la multitud…
Yeah, I heard a funny thing Somebody said to me ‘You know that I could be in love with almost everyone’ I think that people are The greatest fun And I will be alone again tonight my dear
…y hastío…
In the morning we arise and Start the day the same old way As yesterday the day before and All in all it’s just a day like All the rest so do your best with Chewing gum and it is oh so Repetitious Waiting on the sun
…se reflejan en música y letras.
Todo el disco está marcado por la paranoia de Arthur Lee: “Cuando hice este álbum creía que estaba a punto de morirme y que esas eran mis últimas palabras”:
Life goes on here Day after day I don’t know if I am living or if I’m Supposed to be
El sonido del álbum se basa en guitarra acústica, bajo y bateria, con una aparición perfectamente medida de guitarras eléctricas, teclados y arreglos orquestales (viento y cuerdas). Un rock ecléctico con influencias tan dispares como Jimi Hendrix y Burt Bacharach. A destacar la variedad de matices vocales de Lee, propiciados por los monólogos del cantante/narrador.
Según Andrew Sandoval, Forever changes es también la definitiva banda sonora de Los Angeles: las sirenas de las ambulancias y los ruidos de los accidentes, los dulces violines y las disonantes guitarras, las trompetas de los mariachis y los aires flamencos. Arthur Lee y Love lo captaron todo en una postal sonora.
Love – Forever Changes
Tracklist:
1. Alone Again Or 2. A House Is Not A Motel 3. Andmoreagain 4. The Daily Planet 5. Old Man 6. The Red Telephone 7. Maybe The People Would Be The Times Or Between Clark And Hilldale 8. Live And Let Live 9. The Good Humor Man He Sees Everything Like This 10. Bummer In The Summer 11. You Set The Scene
Año: 1967 Duración: 42:51 Procedencia: USA Productor: Bruce Botnick / Arthur Lee
A House Is Not A Motel, con un riff de guitarra chulisimo, interpretada por Arthur Lee, seguramente en un concierto en años recientes (antes de su muerte en 2006):
No es que sea un gran seguidor de Depeche Mode, ya que casí nunca he indigado más allá de sus singles (por cierto, la mayoría, excelentes). El único disco que tengo suyo es el Violator, el que seguramente sea su disco clave, y en el que se encuentran dos de sus mayores éxitos, Personal Jesus y Enjoy the Silence.
DEPECHE MODE
Cuentan que a partir de ese momento Martin Gore se tornó mucho más oscuro, que sus composiciones dejaron atrás cualquier resabio de frivolidad ochentera para dar paso a melodías más sobrias y estremecedoras. No por ello dejaría de ser todo un éxito el disco. Prácticamente todos sus títulos se convertirían en singles, siendo así uno de los discos más exitosos de la música electrónica o, si lo prefieren, uno de los más inteligentes del pop ingles.
Quizás nos estemos refiriendo a la opera magna en la carrera de Depeche Mode. Una producción impecable, la combinación Flood-Gore no pudo ser más correcta. David Gahan afina su voz de lujo para lograr tonalidades memorables, tonalidades que demarcan un estilo irrepetible. Este disco sin duda es la más dulce de las perfecciones. Un disco accesible que cualquier amante del buen pop agradecerá por siempre. En él se encuentra el punto justo de una electrónica pertinente que no pecará de ningún exceso. Quizás por esto algunos han visto en Gore un genio absoluto, no sólo a nivel musical sino a nivel ideológico, demostrando que las teclas de un sintetizador son algo más que un empeño lúdico.
Las letras, cortesía de Gore también, se adecuan perfectamente a las melodías y uno las puede tener en resonancia aún mucho después de haber escuchado el disco. No sé cómo lo lograron, pero aquel sonido acartonado y engañosos que balbuceaban los muchos teclados de los ochenta aquí se comporta de una manera perfectamente sobria, al punto de creer que estamos escuchando una música atemporal. No dudo que en esto haya tenido mucho que ver la increíble cabeza de Flood (el productor de productores).
A mí que me encanta especular se me ocurre que si Chopin hubiese tenido en su haber las posibilidades que hoy tiene Gore, notas muy parecidas a las de “Violator” estuviésemos ahora escuchando del andrógino polaco. Se trata –y si no que me lo refuten- de un disco pleno de bellos nocturnos y de melodías simples aunque de una entereza inigualable. A quien no de crédito a mis palabras pues simplemente lo remitiré a piezas como Waiting for the Night –música del eterno nocturno- o Enjoy the Silence –la única banda sonora que pudiésemos imaginar para un Conticinio (horas de la noche en que reina el silencio).
En fin, un disco que recomiendo para “esperar la noche” y abandonarse a sus estancias, para soñar sin dormir o para despertar en un sueño. Por ello, siguiendo lo que he dicho antes, añadiría que si “El Sueño” de Sor Juana Inés de la Cruz fuese la letra de un nocturno electrónico de Chopin, “Violator” de Depeche Mode sería sin duda el resultado. Así de implacable es la regla de tres que les propongo.
Depeche Mode – Violator
Tracklist:
1. World in My Eyes 2. Sweetest Perfection 3. Personal Jesus 4. Halo 5. Waiting For The Night 6. Enjoy The Silence 7. Policy Of Truth 8. Blue Dress 9. Clean
No pongo videos de Enjoy the Silence o Personal Jesus, ya que son más que conocidas. Dejo por eso el video que hicieron para Policy of Truth, que también es un gran tema:
Hoy, el último disco de estudio de Nirvana, que en mi opinión fue un gran paso adelante en su carrera; sobre todo después del bombazo que supuso Nevermind. Siempre me he preguntado como habría sonado el siguiente disco de la banda...
NIRVANA
Si Nirvana querían dejar claro que no iban a dejarse manipular por la industria a la hora de componer la secuela de Nevermind, se puede decir que lo consiguieron. Desde el principio dejan las cosas en su sitio. El primer single fue Heart-Shaped Box, que no es precisamente lo que se entendía en 1993 (ni ahora) por una canción para radiofórmula. No hay que equivocarse, es buenísima, pero no encontramos un estribillo contagioso, sino una agresividad cercana a Bleach, pero con mayor complejidad y calidad. La línea de bajo que domina la canción fue, según Cobain, una de las mejores aportaciones del carismático Chris Novoselic para Nirvana.
La sección rítmica formada por Novoselic y Grohl (una bestia a la batería) era menos pixie, tenía menos oportunidad de lucimiento (sobretodo el bajo), y estaban más al servicio de la contundencia de las canciones, como muestra la citada Heart-Shaped Box o la brutal Scentless Apprentice, que es la primera muestra palpable que hay en el disco de que el trio de Seattle iba a espantar a todos los que se apuntaron al carro de Nevermind porque "estaba de moda".
La verdad es que no puede entenderse In Utero sin la existencia de Nevermind y su éxito (eso pasa en casi todas los discos, pero este es un caso especial). Para Cobain, las mezclas que hizo Andy Wallace y la producción de Butch Vig en su anterior LP restaron crudeza al trabajo, haciéndolo demasiado accesible. Visto desde su punto de vista, es lógico que tuvieran sus quejas, ellos eran un grupo que venía de la escena punk, de lo sucio, de lo espontáneo, de aquello que Iggy Pop llamó y bautizó como el Raw Power, pero para el oyente medio eso daba igual, porque las canciones eran tremendas.
En In Utero, el rastro pop decrece, la producción es algo más sucia (cortesía de Steve Albini), pero el sonido es tan potente como era en Nevermind, y las canciones ganan en visceralidad. Se detecta el cabreo del grupo con la exagerada situación que vivían, y se puede percibir claramente en una canción como Rape Me, el tema más comercial (fórmula Nevermind: Riff + Calma + Estribillo Enérgico), que con ese título quedó vetada para ser single.
In Utero es otro de los grandes clásicos de la década de los 90's sin lugar a dudas. A pesar de ser desprestigiados por parte de la prensa, por haber tenido éxito tocando apenas cuatro acordes, nadie puede negar que las composiciones eran brillantes, sobretodo en este LP (Frances Farmer...,All Apologies, etc.), con su añorada y lógicamente imitada mezcla de punk (The Stooges, Sex Pistols), hard-rock (Black Sabbath) y pop (Beatles, Pixies).
Nirvana - In Utero
Tracklist:
1. Serve The Servants 2. Scentless Apprentice 3. Heart-Shaped Box 4. Rape Me 5. Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle 6. Dumb 7. Very Ape 8. Milk It 9. Pennyroyal Tea 10. Radio Friendly Unit Shifter 11. Tourette's 12. All Apologies
Año: 1993 Duración: 41:11 Procedencia: USA Productor: Steve Albini
El siguiente video recoge canciones de un mini-concierto que (creo) dieron para la MTV. Las canciones que aparecen son Radio Friendly Unit Shifter, del In Utero, y Drain You del Nevermind:
Mientras consigo que mi ordenador vuelva a funcionar correctamente, solo he podido preparar un pequeño recopilatorio este fin de semana. Justamente uno que había hecho para el coche, y que incluye una canción por año, desde el año 1990 hasta el 2007. Eso si, sin repetir grupo, y en líneas generales, muy rockero. Este es el tracklist:
1990:Alice in Chains - We Die Young
1991:Nirvana - Breed
1992:Rage Against the Machine - Know Your Enemy
1993:Pearl Jam - Animal
1994:Nine Inch Nails - March Of the Pigs
1995:Smashing Pumpkins - Tales Of A Scorched Earth
Curioso lo que se avecina del grupo californiano Thrice – su siguiente trabajo será un disco cuádruple, en el que cada uno de los EPs representará un elemento de la naturaleza (aire, fuego, agua y tierra). La verdad es que uno puede esperar grandes cosas, sobre todo con el buen último disco que se marcaron hace ya dos años, y que hoy recomiendo (mientras esperamos al nuevo :) )
THRICE
Algunas bandas a pesar de cosechar un excelente éxito con la fórmula que han venido usando desde siempre deciden en algún momento de su carrera enfocar las cosas de otra manera y visitar nuevos senderos que en ocasiones resultan adecuados y en otras no. Afortunadamente estamos ante un cambio positivo desde mi punto de vista. Vheissu es el último y cuarto disco del cuarteto californiano, precedido del aplastante éxito que tuvo el anterior LP de la banda y acompañado de una gran expectación. Dustin y los suyos vuelven a firmar un disco redondo, como ya nos tenían acostumbrados, aunque quizás los que buscaban una continuación del The Artist in the Ambulance se hayan quedado con un mal sabor de boca y necesiten varias escuchas para digerir mejor esta nueva entrega.
Thrice es una banda que a estas alturas ya tiene todo el respeto y admiración ganados dentro de la escena de su país y que salvo tropezón inesperado hubiese llegado a decepcionar. Vheissu es toda una novedad que nos aleja de su antiguas composiciones y se centra más en la búsqueda de emociones más profundas y letras más tratadas, es un disco muy rico instrumentalmente y que utiliza elementos a los que el grupo no nos tenía acostumbrados, todo ello acompañado de una atomósfera que personalmente aún no había encontrado en trabajos anteriores. El grupo se aleja de un estilo en los que ellos mismos han creado escuela y actualmente saturado por copias de copias y juega con composiciones propias de formaciones como Muse. Desde mi punto de vista es un cambio similar al que dieron Deftones con su White poney, para que os hagáis una idea.
La encargada de abrir es Image Of The Invisible, un auténtico himno que deja patente la nueva dirección que ha tomado el grupo y que seguro se convertirá en una de las imprescindibles en los futuros directos, muy pegadiza. A medida que nos vamos sumergiendo en el disco nos encontraremos con cortes muy emotivos como por ejemplo Between The End And Where We Lie, otros riquísimos y mas delicados como Atlantic o For Miles, este último con mas que palpables influencias de Muse. No han renunciado a la rabia que contenían sus primeros trabajos y nos lo demuestran en Hold Fast Hope, tema que me recuerda a la onda que tenía el grupo en su The illusion of safety. El buen hacer y la experimentación siguen apareciendo en geniales canciones como Music Box o Red Sky, a esta altura del disco ya nos damos cuenta del positivo cambio de actitud y de ideas, no quiero decir que no sea simpatizante de los antiguos Thrice, es una banda que siempre me ha encantado, pero el ver que se consiguen superar haciendo cosas nuevas le añade un reconocimiento extra a este disco.
Es un LP redondo y absolutamente todos los temas merecen atención. Aunque en una primera toma de contacto parezca un poco denso y cargado lo cierto es que tras escucharlo detenidamente durante un tiempo te irás dando cuenta de que se trata de un discazo en toda regla en el que a cada escucha descubrirás cosas nuevas. La polémica esta servida y ya son muchas las discusiones sobre la nueva orientación de la banda, lo que no se puede negar es que un disco trabajadísimo, que aunque se aleje de todo lo que había hecho Thrice en el pasado contiene excelentes canciones y mucha madurez.
Thrice – Vheissu
Tracklist:
1. Image Of The Invisible 2. Between The End And Where We Live 3. The Earth Will Shake 4. Atlantic 5. For Miles 6. Hold Fast Hope 7. Music Box 8. Like Moths To Flame 9. Of Dust and Nations 10. Stand And Feel Your Worth 11. Red Sky
Año: 2005 Duración: 49:14 Procedencia: USA Productor: Steve Osborne
Buen grupo estos Death Cab For Cutie, aunque últimamente los tengo un poco olvidados. Será porque su último disco (Plans, publicado hace 2 años) me dejo algo frio. Eso si, el Transatlanticism, que hoy recomiendo, sigue siendo una autentica joya. De hecho, fue con este disco con el que les llegue a conocer. Esperemos que pronto publiquen material nuevo, aunque me parece que Ben Gibbard vuelve a estar trabajando en The Postal Service...
DEATH CAB FOR CUTIE
No debe dejar de ser triste, al menos para el artista creo yo, que toda la expectación creada alrededor de la publicación de un disco se deba en gran medida no a la posible calidad de esta nueva obra, sino a cómo ha podido verse influida por la colaboración de uno de sus miembros en un proyecto paralelo. Esto es más o menos lo que ha pasado con el cuarto disco (quinto si contamos un recopilatorio) publicado por Death Cab For Cutie, este Transatlanticism, tras la colaboración de su líder Ben Gibbard con Jimy Tamborello en el proyecto The Postal Service.
Había mucha curiosidad o expectación por ver como había podido influir esta colaboración a la hora de componer las nuevas canciones de DCFC, pensando la gente que este nuevo álbum presentaría un giro electrónico en las nuevas canciones. Pero Ben Gibbard ha demostrado que tanto un proyecto como otro no tienen nada que ver, y con la excepción de Title and Registration, con una pequeña base que podría recordad a The Postal Service , nos ofrece, sin lugar a dudas, uno de los mejores discos de indie pop del año.
En este disco se nos presenta una banda en plena madurez creativa. Una obra de marcado espíritu introspectivo y melancólico donde las canciones van tejiendo un manto de los sentimientos y las miserias del ser humano, convirtiendo a Ben en uno de los mejores cronistas de su generación. Unos temas donde se nota una energía contenida apunto de explotar, una intensidad latente que deja al oyente sin capacidad de reacción y que demuestra una capacidad de encauzar todo el torrente de creatividad que fluye en el grupo.
Desde el inicio con ese fantástico tema que es The New Year, hasta los siete minutos de la delicada “Transatlanticism” con un crescendo progresivo que desemboca en final épico, el disco se mueve entre guitarras suaves o contundentes, melodías delicadas y tristes (Death of a Interior Decorator) o animadas y exultantes (The Sound of Settling), largos desarrollos de piano (Passanger Seat); pero siempre guiadas por la segura mano y la bonita voz de Ben Gibbard.
Un disco donde el grupo por fin saca a relucir todo su potencial, tanto compositivo como interpretativo, que contentara a todos sus seguidores y que tendría que hacer callar a muchos de sus detractores. Un punto y aparte en su carrera y que los coloca en una inmejorable posición para saltar a la primera división del pop americano.
Death Cab For Cutie – Transatlanticism
Tracklist:
1. The New Year 2. Lightness 3. Title And Registration 4. Expo '86 5. The Sound Of Settling 6. Tiny Vessels 7. Transatlanticism 8. Passenger Seat 9. Death Of An Interior Decorator 10. We Looked Like Giants 11. A Lack Of Color
Año: 2003 Duración: 44:09 Procedencia: USA Productor: Chris Walla
Desde la semana pasada estoy sin ordenador en casa, con lo cual me es imposible en estos momentos actualizar el blog. Espero tenerlo arreglado cuanto antes, y seguir recomandando algunos discos más...
(mientras tanto voy a escuchar los nuevos discos del Boss y de los Foo)
Uno de los discos de culto de los años 90, y que se recordará durante mucho tiempo, sin duda es el Shape Of Punk To Come de los suecos Refused. Al principio puede resultar un disco chocante, pero esa mezcla frenética entre hardcore y punk, hacen de él un disco imprescindible. El mismo grupo sabía que no serían capaces de superarlo, y poco después se separaron.
REFUSED
Hace ya diez años de la salida de este disco y cada día la gente habla más de él. Y es lógico, porque seguramente toda la escena screamo y emo de hoy en día probablemente no existiría de no haberse publicado. Fue este el disco que asentó las bases de uno de algunos de los estilos de más exito en los últimos años, y sobre todo fue la gran revolución del hardcore, la reinvención de un sonido que se estaba ahogando en sí mismo desde hacía años (con la excepción de Snapcase, otros revolucionarios, los grupos de hardcore de esta época pasaba por sus horas más bajas).
Refused. Dennis Lyxzén, Kristofer Steen, David Sandstrom y Jon Brännstrom, naturales de Umea, Suecia, hicieron historia en 1997. No sólo fue el año de la publicación de su obra maestra, sino también el de su separación. Separación que llegaría por la convicción de todos sus componentes de que no podrían superar aquello tan apoteósico que habían creado. El grupo había derivado en un colectivo de movilización social y su cantante, Dennis Lyxzén, en un nuevo filósofo neomarxista (de hecho el libreto de este disco dontiene un ensayo firmado por el grupo), así que la banda tuvo que cargar con la etiqueta de banda política durante sus últimos años. El final del grupo, pues, no podía ser más acertado: acabó con la suspensión por parte de la policía de su último concierto en la segunda canción.
Pero hablemos de música. Refused, junto a Snapcase, lideraban una reinvención del hardcore a mediados de los años 90: se pretendía incorporar nuevos elementos para desmarcarse un poco del sonido old school tran trillado desde los años 80. Las obras de estos dos grupos rayaban a gran nivel, pero con este disco se consumó el cambio. A partir de entonces, miles de grupos en todo el mundo se dieron cuenta de las posibilidades de un estilo que se creía muerto, y dio lugar a otro nuevo: el post-hardcore.
El disco es prácticamente perfecto, no sólo es compacto sino también variado, algo que es difícil equilibrar. Tenemos pildorazos punk como Protest Song ‘68, Refused Party Program, The deadly rhythm o Refused are Fucking Dead, medios tiempos como The Apollo Program Was a Hoax o Liberation Frequency, hits en potencia como Summerholidays vs. Punkroutine y The Shape Of Punk To Come, auténticas bizarradas sónicas como Tannhäuser/Derivè y, sobre todo, una canción que pasará a la historia como himno generacional por bueno y por revolucionario (tanto en lo musical como en lo no musical): esa genial New Noise. Si después de escuchar todo te quedas indiferente no eres una persona, eres un cactus.
Refused – The Shape Of Punk To Come
Tracklist:
1. Worms Of The Senses/Faculties Of The Skull 2. Liberation Frequency 3. The Deadly Rythm (Of The Production Line) 4. Summer Holidays Vs. Punk Routine 5. Bruitist Pome #5 6. New Noise 7. Refused Party-Programme 8. Protest Song '68 9. Refused Are Fuckin Dead 10. The Shape Of Punk To Come 11. Tannhauser/Derive 12. The Apollo Programme Was A Hoax
Año: 1998 Duración: 55:11 Procedencia: Suecia Productor: Eskil Lövström / Andreas Nilsson / Pelle Henricsson / Refused
Aquí encontrareis recomendaciones de discos que llevan consigo una descarga directa, con el único propósito de compartir la música, y dar a conocer los grupos que más me gustan. Si te ha gustado algún grupo, intenta apoyarles comprando el disco o asistiendo a sus conciertos. Para cualquier cosa, podéis dejar un comentario.
