martes, octubre 31, 2006

Interpol

Ya llevo colgados más de 30 discos en este blog, pero seguramente sea este disco uno de los que a mi personalmente más me gusten. Un disco oscuro, a la vez que melancólico, con unos sonidos de guitarra muy limpios. Poco más quiero decir sobre este disco; prefiero que lo escucheis vosotros mismos...

INTERPOL



A pesar de lo que dice su música, de influencia claramente británica, Interpol es una banda neoyorquina. Reunidos por la crítica musical, tan dada a etiquetar fácilmente las diferentes generaciones de grupos, en lo que se denomina retro-rock o revival rock, Interpol en poco se parece a los también neoyorquinos The Strokes o a The White Stripes, abanderados de tal movimiento.

Interpol fabrican un rock oscuro, de raíces claramente ochenteras, a caballo entre el pop plúmbeo y existencialista de los ingleses Joy Division y Bauhaus y la vertiente más sucia del rock independiente americano de Sonic Youth, Dinosaur Jr. o Pearl Jam.

Comenzaron su andadura en 1998, cuando se conocieron dos estudiantes de la NYU, Paul Banks (cantante y guitarrista) y Daniel Kessler (guitarrista), que a su vez reclutaron a Sam Fogarino (batería) y a Carlos Dengler (bajo) para la sección rítmica. Dos años de rodamiento por el circuito alternativo de Nueva York y sus alrededores fueron suficientes para saltar al mercado con un Ep, Interpol en el año 2000. Un año después, tienen la oportunidad de cruzar el charco para una sesión de radio en el famoso programa de la BBC de John Peel, lo que supone su despegue definitivo y la firma con Matador con la que, a finales de 2002, editan un EP homónimo como adelanto de su debut en largo, Turn On the Bright Lights (2002, Matador).

Después de este exitoso disco vendría un EP (The Black EP), y sobre todo un segundo álbum, muy a la altura del primero llamado Antics (2004).


Interpol - Turn On the Bright Lights



Dos años han tardado Interpol en debutar en larga duración, y lo hacen con un trabajo intenso y cáustico que ratifica las buenas maneras que ya apuntaba su anterior Ep. Bajo la batuta de dos productores reputados, Peter Katis (Mercury Rev) y Gareth Jones (Depeche Mode, Nick Cave), consiguen dar forma a una obra homogénea a partir de conjugar las estructuras rítmicas y las líneas de bajo de Joy Division y Chameleons con las guitarras del rock experimental de la no-wave americana. Arreglos frescos, voces que van del clon de Ian Curtis al de Lee Ranaldo, teclados añejos que propician la solemnidad de temas como NYC o The New, guiños al post de Arab Stab o Mogwai en Obstacle 1 y escarceos con la fórmula Strokes en Say Hello To The Angels.




Tracklist:

1. Untitled
2. Obstacle 1
3. NYC
4. PDA
5. Say Hello To The Angels
6. Hands Away
7. Obstacle 2
8. Stella Was A Diver And She Was Always Down
9. Roland
10. The New
11. Leif Erikson


Año: 2002
Duración: 48:54
Procedencia: USA
Productor: Interpol


Descarga:
Turn On the Bright Lights


Obstacle 1 en directo:

domingo, octubre 29, 2006

Concierto Muse Madrid - 27/10/06

El pasado viernes pude asistir al por ahora último concierto en Madrid del trío británico MUSE, que presentaban su 4º disco Black Holes and Revelations. El concierto tuvo lugar en el Palacio de los Deportes, un pabellón con una acústica para conciertos muy buena. En mi caso ya era la 5. vez que los veía y han vuelto a demostrar la gran banda que son en directo.

Como siempre la puesta en escena fue espectacular, tanto los juegos de luces como las imágenes/videos que se proyectaban en las pantallas del fondo. Pero la novedad en esta gira eran esas pantallas cilíndricas que se elevaban por encima del batería. De hecho, estas pantallas antes de iniciar el concierto escondían la batería, y no fue hasta que sonó la primera canción (Take a Bow), que se fueron elevando.



Desde el principio fue un concierto bastante movido gracias a temas como Hysteria, Butterflies and Hurricanes o New Born. Destacar en estas dos últimas los típicos intercambios entre guitarra y piano del cantante Matt Bellamy durante la misma canción. Mención especial para el piano blanco, que le daba un toque muy elegante, al igual que esa batería transparente que tenía el batería Dominic.



Lo que todavía no había visto hacer a Matt era tocar la guitarra española. Lo hizo en uno de los temas de su último disco City of Delusion (sonidos de trompetas incluidos), tema que sinceramente no me esperaba pero que les quedo muy bien. Después sonaría la conocida Plug-in Baby, y una cara-b instrumental llamada Forced In, que les debe de gustar mucho porque casi siempre la suelen tocar.

Tras este comienzo tan fuerte, Muse decidió bajar un poco el ritmo con Hodoo y Invincible, para luego volver hacer bailar a todo el Palacio con su single Supermassive Black Hole. Se notaba que esta canción ha estado sonando mucho en la radio. Además los robots que aparecían en las pantallas eran muy chulos...

Stockholm Syndrome probablemente sea la canción más bestia de Muse, y fue la elegida para cerrar la primera parte del concierto, tras casi 80 minutos. Tampoco faltaron en esta ocasión los globos gigantes que lanzan al público llenos de confeti.



Hasta ese momento había sido un concierto intenso y divertido, pero se echaba en falta algún tema de su primer disco Showbiz. Pues bien, el único bis no podía haber sido más acertado: primero Citizen erased, mi tema favorito de siempre y que ya no suelen tocar en todos sus conciertos. Después la única de su primer disco Muscle Museum que dio paso a la canción final, Knights of Cydonia, ese canción tan rara que al principio recuerda a un spaghetti-western, pero que tiene un final de lo más guitarrero. Al final fueron casi 1:45 min. de concierto, cosa que lamentablemente ya no se ve muy a menudo.

Setlist completo:

Take a bow
Hysteria
Butterflies and Hurricanes
Map of the problematique
New Born
City of Delusion
Plug in baby
Forced in
Bliss
Feeling Good
Hoodoo
Invincible
Supermassive Black Hole
Starlight
Time is running out
Stockholm Syndrome
-------------------
Citizen Erased
Muscle Museum
Knights of Cydonia


Conclusión: A mi ya me han convencido para ir a verles una sexta vez la próxima vez que vengan...


(Gracias a Vieira por las fotos)

viernes, octubre 27, 2006

Kyuss

Grupo de culto de principios/mediados de los 90 y que fue el grupo de partida para muchos músicos, entre ellos Josh Homme, que más tarde formaría Queens of the Stone Age.


KYUSS



Kyuss fue una banda estadounidense, más específicamente de Palm Springs, California. Nacida en 1989, los mas influyentes y precursores del Stoner Rock o Desert Rock. Con influencias basadas en riffs de guitarras de Tommy Iommi (guitarrista de Black Sabbath) además de la psicodelia de los dorados años '70.

El nombre Kyuss se pronuncia "Kigh-us", y proviene de un personaje de Dungeon & Dragons, "Son Of Kyuss", que utilizarian como nombre de su primer EP llamado Son Of Kyuss. La formación se basaba en John Garcia (voz), Josh Homme (guitarra), Chris Cockrell (bajo) y Brant Bjork (batería). Este contendría gran parte de las canciones de su siguiente album, y salió únicamente en vinillo, de edición limitada. Al Parecer, por razones de Copyright, no pudieron seguir usando el nombre "Son Of Kyuss", asi que se quedaron solo con Kyuss.

Tras el reemplazo de Chris Cockrell por Nick Olivieri, sale su álbum debut Wretch (1991), por Dali Records, un disco en el cual según la banda no captaron el real sentimiento de la música, era bastante duro y escaso en dinámica, además de irregular. Aunque los pasos que estarían por dar solo les darían mayor mérito por la gran evolución que sufriría el grupo.

Su primer gran paso lo darían gracias a la producción de Chriss Goss, en el álbum salido en 1992, llamado Blues For The Red Sun. El nombre lo adquirieron por el capítulo numero cinco del astrónomo estadounidense Carl Sagan ("Blues for a Red Planet"), en el que realmente dejan muy marcado su estilo musical y se tiene un avance realmente significativo con respecto al anterior disco. Con clásicos de la banda como "Thumb", "Green Machine", "Freedom Run", "Whrite" o la descabellante "Mondo Generator" compuesta por Nick Olivieri, nombre que después utilizaría en el grupo del que forma parte actualmente. Este disco los llevaria a dar conciertos junto con Metallica en Australia en el año 1993.

Partida de Olivieri de por medio, se sube a escena otro gran bajista, Scott Reeder, y en 1994 sale su gran obra maestra que sería Welcome To Sky Valley, esta vez producido nuevamente por Chris Goss y Kyuss. El álbum se dividiría en 3 partes, con tres canciones por parte, más el bonus track "Fuckaround" y dura unos 52 minutos. En él sacan a relucir lo mejor de ellos, con canciones diversas y profundas, mejor producidas dejando atrás sus comienzos de banda de garage, esta vez mezclando sonidos mas psicodélicos que de costumbre. De las mejores canciones se rescatan, los singles "Gardenia" y "Demon Cleaner", además de canciones como "Supa Scoopa and Mighty Scoop", "Space Cadet" y "100 Degress. En medio de una gira, y por problemas personales, deja la banda Brant Bjork, y lo sustituye Alfredo Hernandez.

En 1995 realizan And The Circus Leaves Town, que seria el último álbum de la banda. No se retirarían de capa caída y dejan un buen ultimo suspiro. Con canciones extensas como "Spaceship Landing", que al final deja un track oculto dedicado a Kurt Cobain, llamado "Day One (To Dave & Chris)" (supongo que para Chris Novoselic y Dave Grohl). También contiene "Catamaran" que es un cover del grupo Yawning Man. Otras que dejaría el álbum son "One Inch Man", "Thee Ol' Boozeroony" y "El Rodeo".

Luego de su disolucion, que no fue definitiva todavía, se volverían a juntar en 1997 para un split EP con 3 canciones de Kyuss y 3 Canciones de Queens of The Stone Age, el proyecto que se traían entre manos Josh Homme y Alfredo Hernandez, que luego incluiria a Nick Olivieri.


Kyuss - Welcome to Sky Valley




Producido por Chris Goss (Masters Of Reality), Welcome To Sky Valley muestra a una banda pletórica, que combina su energía más primitiva y machacona con una evolución constante. Y es que sus cuelgues casi experimentales y sus pasajes entre psicodélicos y alucinógenos son ahora más atractivos e hipnóticos que nunca. Mediante un base repetitiva y adictiva, Kyuss ejecutan un rock muy fuerte, casi heavy, con reminiscencias retro (a veces llegan a recordar a Black Sabbath, aunque esto suene a tópico), logrando en temas como Demon Cleaner o Supa Scoopa... sus momentos más agresivos.

Uno de los principales pilares del grupo lo encontramos en su cantante, John García, que logra con su voz cruda y desesperada momentos de gran intensidad emocional. A su lado, el segundo miembro más destacado, el guitarrista Josh Homme, crea toda una atmósfera alucinógena y cósmica, con esos riffs de guitarra tan característicos, que te sumergen en todo un universo de ácido y mística, arropado muy de cerca por una obsesiva base rítmica. Los ejemplos de viaje lisérgico más sobresalientes del LP los hallamos en las espectaculares Odyssey o Space Cadet, donde puedes perderte con facilidad a través de sus pasajes de otro mundo.

Una excursión alucinógena a las dimensiones más ocultas y desconocidas del cerebro humano. Cierra tus ojos y libera tu mente en toda una experiencia ultramusical.


Tracklist:

1. Gardenia
2. Asteroid
3. Supa Scoopa and Mighty Scoop
4. 100 (Degrees)
5. Space Cadet
6. Demon Cleaner
7. Odyssey
8. Conan Troutman
9. No
10. Whitewater


Año: 1994
Duración: 51:53
Procedencia: USA
Productor: Chris Goss / Kyuss


Descarga: Welcome to Sky Valley


Que pena no haberles podido ver nunca en directo.Aquí una de las mejores actuaciones suyas que he encontrado, interpretando Gardenia:


martes, octubre 24, 2006

Peter Björn and John

Seguro que este trío sueco no se rompió mucho la cabeza a la hora de buscar un nombre para el grupo. Les conocí este verano con la canción ‘Young Folks’, y hace poco me hice con este su tercer disco, que seguramente no pasará a la historia, pero que se deja escuchar facilmente. Y además, hay que apoyar a un tocayo...jaja...


PETER BJÖRN AND JOHN



Peter Moren, Björn Yttling (productor y arreglista de The Concretes y Shout Out Louds) y John Eriksson, forman un grupo que enamora a la primera. Llevan perfeccionando su habilidad para las melodías perfectas desde que comenzaran a tocar como banda hace ahora siete años. En 2002 debutaron con un trabajo homónimo que derrochaba sinceridad, y en 2004 le seguiría “Falling Out”, pero por desgracia aún no los conocíamos por aquí, y eso que sus canciones valen oro... Este año, “Writer’s Block”, su tercer LP, nos ha puesto sobre su pista, y ¡de qué forma! En este exquisito tratado de pop-folk con aromas a power pop sin conservantes, estos tres príncipes del pop no inventan nada nuevo, pero todo en él suena magnético y luminoso. Las esperanzadas canciones y las espartanas armonías que las recorren, parecen cosidas a mano, grabadas con la cabeza y arregladas con el corazón. ‘Young Folks’ es desde ya uno de los himnos indies de 2006, pero hay más: reflejos de The Magnetic Fields, esencias de los mejores Mercury Rev, el estilo de unos Wilco de juguete y los aromas europeos de Jens Lekman y Herman Düne, se filtran en un entramado de folk urbano que aúpa a Peter Bjorn And John a lo más alto. Una banda que es un regalo.




Nadie puede discutir la innata habilidad de las bandas suecas para fabricar melodías memorables y Writer’s Block, del trío de Estocolmo Peter, Björn & John, no es más que una nueva muestra de ello. Desde el pop naif, a la experimentación o los toques electrónicos, caben en un álbum que puede pasar de una lección de nostalgia contenida (Paris 2004) a un hit en potencia, Young Folks, que ha contado con la colaboración de la vocalista de The Concretes, Victoria Bergsman y en el que arropados por unos silbidos deliciosos y unos bongos, logran una de las melodías más contagiosas de lo que llevamos de año. Pero el disco no se queda en eso, también nos recuerda a Beck (Amsterdam), a unos James ruidosos (Objects Of My Affection), a Mercury Rev (Roll The Credits) o hasta al shoegazer tan en boga hace 15 años (Start To Melt). Resumiendo, un disco fresco, radiante y más que recomendable.



Tracklist:

1. Writer's Block
2. Objects of My Affection
3. Young Folks
4. Amsterdam
5. Start to Melt
6. Up Against the Wall
7. Paris 2004
8. Let's Call It Off
9. Chills
10. Roll the Credits
11. Poor Cow

Año: 2006
Duración: 45:16
Procedencia: Suecia
Productor: Björn Yttling


Descarga:
Writer's Block

Aquí el videoclip de la canción que más me ha gustado del disco – Young Folks:




Estarán de gira en España dentro de las giras del Wintercase, en las siguientes fechas:

22/11/06 – Madrid (Joy Eslava)
23/11/06 – Valencia (Cormorán)
24/11/06 – Barcelona (Razzmatazz)
25/11/06 – Bilbao (Santana 27)

Actúan con The Magic Numbers.

domingo, octubre 22, 2006

The Arcade Fire

En los últimos años han salido grupos 'indie' muy importantes de Cánada, aunque posiblemente sean estos los que más reconocimiento hayan tenido. Su álbum debut aparece en casi todas listas de los mejores discos del año 2004. Cuando les ví en concierto no supe que pensar de estos 'frikis', pero después de escuchar su disco me convencieron completamente!

THE ARCADE FIRE


The Arcade Fire se forma en Montreal, en el verano de 2003, inicialmente por Win Butler, Régine Chassagne, Richard Parry, Tim Kingsbury, y William Butler.

La composición y la grabación de "Funeral" está marcado por muertes de familiares de los miembros de las cuales se destaca la del abuelo del cantante, guitarrista y compositor de la mayor parte de las canciones, Win Butler. Despues de firmar con la discográfica independiente Merge Records y lanzar (después del single "Neighborhood #1 Tunnels) su disco, contra todo pronóstico de la discográfica, se agotaron los stocks de "Funeral" en todas las tiendas durante semanas.

No han recibido mucha promoción publicitaria como muchos de los grupos de este género independiente, pero sí muchas recomendaciones, entre ellas las de David Bowie. Bowie, afirmó que cuando se compró el disco de The Arcade Fire y lo escuchó tuvo que volver a la tienda para comprar 10 CD's más para regalar a todos sus amigos de lo emocionado que estaba con el disco.

Bono, de U2, se ha declarado devoto de los canadienses y no ha dudado en ficharles como teloneros en muchos conciertos de su gira "Vértigo 2005".


The Arcade Fire - Funeral



Su debut es un disco especial por muchos motivos, empezando por sus textos, aparentemente decadentes y oscuros, alimentados por los males más comunes de los adolescentes, la alienación y el miedo a crecer, pero articulados como cantos a la acción, a vivir a pesar de las trabas que se nos pone en el camino. Nada de regodearse en la mierda, éste es un disco que activa conciencias, te levanta de la silla y te anima a pensar, a gritar, a ser en definitiva. Otra cosa que hace especial a este “Funeral” es su discurso musical, tremendamente personal y a la vez referencial a un montón de influencias engullidas y escupidas a la vez como propias. David Bowie, Neutral Milk Hotel, los Pulp más decadentes, Talking Heads, Pixies o The Flaming Lips sirven para describir el sonido de una de las bandas más singulares, desafiantes, misteriosas y visionarias del actual panorama indie-rock. Un grupo que se atreve con el pop de cámara, la Motown, la música disco, las baladas épicas y el rock contagioso y espasmódico (estilos que llegan a combinarse en una misma canción) y que encima lo borda se merece toda clase de elogios.



Tracklist:

1. Neighborhood #1 (Tunnels)
2. Neighborhood #2 (Laika)
3. Une Annee Sans Lumiere
4. Neighborhood #3 (Power Out)
5. Neighborhood #4 (7 Kettles)
6. Crown Of Love
7. Wake Up
8. Haiti
9. Rebellion (Lies)
10. In The Backseat



Año: 2004
Duración: 48:12
Procedencia: Cánada
Productor: The Arcade Fire


Descarga: Funeral


Personalmente me gustan más canciones como Rebellion o Power Out, pero siempre me ha gustado mucho este video en directo de Neighborhood #2 (Laika). Ojo a los dos de la izquierda...


viernes, octubre 20, 2006

Jimmy Eat World

Este disco salió apenas dos meses antes de los atentados del 11-S, y el grupo considero que el titulo Bleed American era poco apropiado tras los atentados, con lo cual lo renombraron con el nombre del grupo. Disco pop-rock plagado de buenas canciones.

JIMMY EAT WORLD




La banda de emo, natural de Mesa, Arizona, llamada Jimmy Eat World esta comprendida por los guitarristas y vocalistas Jim Adkins y Tom Linton, el bajista Rick Burch, y el baterista Zach Lind, amigos desde la infancia que comenzaron a tocar juntos a los 15 años, intentando llegar a ser como su banda preferida, Metallica.

Su presentación fue en formato de siete pulgadas para Wooden Blues Records, en 1994, y poco después editarían un Lp bajo el nombre de Jimmy Eat World. Tras más de una decena de singles de bastante éxito, la formación firma para la multinacional Capitol en 1996. Ese mismo año editan Static Prevails, y comienzan a asentarse en el mundo de la música.

Lo más destacable de Stactic Prevails son sus letras, frescas y juveniles, abiertas a todo tipo de seguidores, desde los adoradores del rock hasta los más entendidos en nuevas tendencias pop. Un disco que no se puede tachar de clásico, pero que si nos indica lo que estaba por venir.

En 1999 editarían la obra maestra Clarity. Excepcionalmente producido por Mark Trombino y la propia banda, Clarity mezclaba baladas introspectivas con punk rock cargado de distorsión, elementos pop y dosis sutiles de electrónica, para crear un álbum realmente extraordinario.

El álbum se caracterizaba por ser personal e intenso. Usando los instrumentos de cuerda como puentes sonoros, los loops de batería, los carillones, el piano, vibráfonos y armonías vocales especialmente trabajadas crean complejas pero claras canciones que consiguen que Clarity alterne entre lo hipnótico y el puro rock en la misma canción, mezclando efectos emotivos con dramáticos.

Trombino merece todo un elogio por conseguir equilibrar de forma tan brillante unas letras excelentes con elementos tradicionales del rock, en una producción totalmente aventurera, experimental y de instrumentación extraordinaria.

En 2001 editan Bleed American con el que consiguen colocarse en la cabeza del sonido "emocore", destronando a cualquier posible rival, gracias a una combinación de impresionante de electrónica, punk rock, pop y estribillos irresistibles, aptos para todo tipo de públicos.

Tres años más tarde publican su último trabajo hasta la fecha Futures, seguido de un EP llamado Stay On My Side Tonight.


Jimmy Eat World - Bleed American




Bleed American es un disco de lo más curioso, ya que es de esos álbumes que te dejan un tanto descolocado respecto al estilo. A lo largo y ancho del disco tan pronto encontramos una balada, como un tema pop o al rato estamos votando con la guitarra más punk que hallas oído en los últimos tiempos. Lo que está claro es que Jimmy Eat World está dispuesto a darle a todos los palos para abrirse un hueco en el mercado. Y desde nuestro punto de vista nos parece genial. En un momento musical que todo el mundo hace fusión, que si flamenco-pop por aquí, que si rap metal por allá, que si rumba pop por “ayestaran”... Llega Jim Adkins y los suyos y deciden hacer emo-pop-punk-rap-metal-core. Pues nos parece fantástico. Con un par de dos. Encima es que esta fusión la hacen de manera fantástica, sin que llegue a notarse de manera clara el paso de un estilo a otro hasta que de repente dices: “¡Eh! Si esto tal”. Pero también cabe decir que han mezclado músicas cercanas y que por separado ya habían sido fusionadas. Jimmy Eat World ha dado el siguiente paso, meter en coctelera fusiones para servir una nueva mezcla. Y realmente les ha salido bien.



Tracklist:

1. Bleed American
2. A Praise Chorus
3. The Middle
4. Your House
5. Sweetness
6. Hear You Me
7. If You Don't, Don't
8. Get It Faster
9. Cautioners
10. The Authority Song
11. My Sundown



Año: 2001
Duración: 46:36
Procedencia: USA
Productor: Mark Trombino

Descarga:
Aquí


Videoclip de la canción Sweetness:

miércoles, octubre 18, 2006

The Mars Volta

Una de las bandas más dificiles de clasificar de hoy en día. Con tres discos, uno de ellos publicado hace un mes, se han convertido en todo un grupo de culto, que va de camino a convertirse en los Led Zeppelin o Pink Floyd del siglo XXI. Los dos creadores de The Mars Volta son Omar Rodriguez y Cedric Bixler, grupo que han creado tras la separación de su anterior grupo, At The Drive-In.

THE MARS VOLTA



Nacida de las cenizas de la banda At The Drive-In, los integrantes iniciales de The Mars Volta fueron el boricua Omar Rodríguez López (Guitarra) y el mexicano Cedrick Bixler Zavala (voz), Jeremy Ward (teclados y ambientes), Juan Alderete (bajista), Jon Theodore (batería) e Ikey Owens (teclados). Clasificarlos dentro de un género o estilo musical resulta tan difícil, que incluso ellos mismos no se preocupan por hacerlo, The Mars Volta se transforman así en pioneros de una nueva estructura musical.

Graban un primer EP de 3 canciones llamado Tremulant, entre las cuales se destaca Concertina. Tras el Tremulant EP, en mayo del año 2003 fallece Jeremy Ward. The Mars Volta dedicó su tiempo a ir de gira y a realizar diferentes cambios en su formación mientras preparaban lo que sería el De-Loused in the Comatorium, producido por Rick Rubin. Mientras que Tremulant no tenia un corte de difusión (salvo la profética mención del que sería su próximo album),el disco De-Loused fue un trabajo uniforme, un disco conceptual que contenía una especulativa ficción que narraba la historia en primera persona de un coma inducido a causa de las drogas. Además este disco incluye importantes colaboraciones como las de Flea y John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers.

A comienzos del año 2005 sacan su 2º disco Frances The Mute, otra Obra conceptual de 5 canciones producida por Omar, inspirado en un diario obtenido por el fallecido Jeremy Ward. Al igual que su disco anterior, tuvieron colaboraciones de Flea (en este caso aportando solos de trompetas) y Frusciante, además del pianista Larry Harlow, la presencia de Lenny Castro en las percusiones de todos los tracks, Adrian Terrazas en saxofón y flauta, una gran tropa de violinistas y trompetistas que aseguran la gran diversidad y riqueza del sonido de esta obra.

Hace aproximadamente un mes han lanzado a la venta lo que por ahora es su último disco llamado Amputechture. Poco antes se ha anunciado la salida del batería Jon Theodore del grupo. Ha sido reemplazado por Blake Fleming.


The Mars Volta - De-Loused in the Comatorium




Discos como éste hacen que cualquier cosa que se comente respecto de ellos parezca inútil. Y es que Mars Volta han grabado un disco para el recuerdo, un disco de esos atemporales que dentro de 7 años cuando se hagan las listas de lo mejor de la década aparecerá, sin ningún tipo de problemas en la cabeza de muchas de ellas (lo de disco del año para mí se le queda corto). Por mucho que quiera acercarme a alguna maldita etiqueta para catalogar De-loused In The Comatorium no la encuentro, porque el tándem Omar/Cedric rompe conceptos y juega a crear música en mayúsculas sin ningún tipo de prejuicios y con un descaro que en el año 2003 suena a sorprendente.

Mucho más atrevidos que At The Drive-In, menos agresivos pero a mi juicio mucho más efectivos para el paladar auditivo. Y es que la energía que desprenden estas 10 canciones es arrebatadora. No puedes parar de moverte, de dejarte llevar por los magníficos dejes psicodélicos y por esa percusión tremenda que respira la mayoría de temas que posee el disco. Si a esto añadimos solos de guitarra que sin ser retro te vuelan la cabeza, teclados que aportan mucha frescura al sonido, y una voz que destila pasión, magia y calidad a partes iguales ya estas tardando en tener el disco.

De momento una de las bandas que lideran el rock con letras enormes en este inicio de milenio. Y más aun por el increible ad-hoc que podemos sentir al escucharlo. Es algo novedoso pero podemos notar el espíritu más abierto de Led Zeppelin, la percusión y ritmo latino del maravilloso grupo Santana (reitero lo de grupo, finales de los 60 principios de los 70), el hardcore de la mejor escuela o la psicodélia más creativa de los últimos 30 años. Y todo estos sonando a grupo con carácter y sonido propio.


Tracklist:

1. Son Et Lumiere
2. Inertiatic Esp
3. Roulette Dares (The Haunt Of)
4. Tira Me A Las Aranas
5. Drunkship Of Lanterns
6. Eriatarka
7. Cicatriz Esp
8. The Apparatus Must Be Unearthed
9. Televators
10. Take The Veil Cerpin Taxt


Año: 2003
Duración: 60:59
Procedencia: USA
Productor: Rick Rubin / Omar Rodríguez

Descarga:
aquí


En directo son un grupo de lo más impredecible. A veces una canción suya puede llegar a durar 30 minutos, ya que durante muchas de sus canciones les da por improvisar. Por ejemplo, cuando les ví en la primera gira, solo llegaron a tocar 6 canciones en más de 90 minutos de concierto. Aún así, en concierto son todo un espectaculo...Aquí tocando 'Roulette Dares (The Haunt Of)':

lunes, octubre 16, 2006

The Cure

Grupo brítanico muy conocido y liderado por el mítico Robert Smith. A pesar de contar con más de 10 albumes de estudio, he querido destacar precisamente su último disco hasta la fecha; personalmente el que más me gusta de todos después del Disintegration.


THE CURE



La primera formación de la banda constaba de tres integrantes, éstos eran: Robert Smith (guitarrista, vocalista y compositor), Michael Dempsey (bajista) y Lol Tolhurst (batería). En los comienzos de su carrera musical alcanzaron altas cotas de popularidad en Inglaterra con su single "A Forest", perteneciente a su segundo trabajo Seventeen Seconds de 1980 y en EE.UU con "Boys Don't Cry", perteneciente a su primer LP (edición americana) Boys Don't Cry. El nihilismo musical que caracteriza sus primeros discos y una estética rupturista ideada por su líder, Robert Smith, impulsó a la banda al éxito: primero en el Reino Unido y luego a otros muchos países.

En su primera etapa musical, The Cure desarrolló un estilo propio dentro de la corriente del post punk, siendo considerados un grupo del culto en la primera mitad de los años 80. Su punto álgido en la consecución de un sonido oscuro fue su álbum Pornography de 1982. Después de la publicación de este disco, y la consecuente gira promocional Fourteen Explicit Moments el grupo quedó inactivo por un periodo, por problemas internos, que llevaron a Robert Smith a plantearse seriamente la separación. La salida de Simon Gallup de la formación había dejado al grupo como un dúo, compuesto solamente por el propio Smith y Lol Tolhurst. El punto de inflexión de esta tendencia destructiva llegaría a finales de ese mismo año 1982, con la publicación del sencillo Let's Go To Bed, una canción de carácter jovial y cierto aroma electrónico, que rompería con el carácter musical de la banda en sus primeros trabajos.

Tras varios festivales con la nueva banda (que incluía al productor de Pornography Phil Thornalley, y al percusionista Andy Anderson), y la posterior incorporación del viejo componente de la misma Porl Thompson, el grupo volvió a grabar en estudio nuevo material compuesto por Robert Smith, en este caso se trató del LP The Top (1984), disco difícil en su elaboración al asumir Smith casi todas las tareas relativas al mismo (músico, compositor, productor) y además compatir su tiempo con el grupo Siouxsie and the Banshees, con quienes se había reunido en 1983, como un medio de huir de la atmósfera opresiva de los Cure de 1982.

En estos momentos, ya eran reconocidos por la crítica musical y al publicar su álbum The Head On The Door en 1985 volvieron a recuperar el reconocimiento de sus adeptos con singles como "A Night Like This", "In Between Days" o "Close To Me", tema éste último que les proporcionó su primer #1 en Inglaterra.

Su popularidad siguió en ascenso con el doble álbum Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me en 1987, disco muy variado en su estilo. Tras un paréntesis de un año, el grupo compuso el primero de los dos discos que le daría sus mayores cotas de popularidad: Disintegration (1989), disco perenne en su temática y su ejecución y Wish (1992), complementario del anterior, dando lugar con este último al primer disco de la banda que obtuvo el número 1 en los EE.UU.

Posteriormente, y tras varios cambios de miembros, se editó Wild Mood Swings, en 1996, disco éste de irregular contenido y que parecía advertir una pérdida de sentido musical en el seno de la banda. Tras el recopilatorio de singles Galore de 1997, el grupo recupera sus esencias en Bloodflowers, completando, en palabras de Robert Smith, la trilogía oscura del grupo (iniciada con "Pornography" y seguida por "Disintegration"). Tras una gira mundial extensa y de gran reconocimiento, tanto mediático como de público, en 2004, tras varios proyectos menores del grupo, lanzaron su álbum homónimo, tan variado como Wild Mood Swings, pero con un sentido de unidad y coherencia que aquel no tuvo.


The Cure - The Cure



La banda de post punk, de la New Wave, emblema del rock alternativo o del pop británico escribe una buena glosa de su historia en su álbum homónimo. La producción es marca de la casa, la prístina contundencia, la saturación limpia y perfeccionista injertada en el juego de los graves más pulidos. El resultado nos acerca y nos aleja del momento, posicionando a The Cure en un sonido actualizado capaz de seducir a nuevas hornadas de público a la vez que importa la crudeza compositiva de los tiempos más salvajes y ácidos del grupo.

The Cure es un disco de rock. Más próximo a temas como Lullaby, Wrong number o Burn que los devaneos pop de los últimos 10 años que se rescatan de ediciones como Wild Mood Swings. Visceral, sensible, confidente y sin complejos. No teman amigos, los ingleses no se acercan ni por asomo a las pataletas de Limp Bizkit. Robinson sabe bien como plasmar el universo de Robert Smith y cerca las canciones de teclados inyectados, poderosos bajos y guitarras elegantes no exentas de insolencia.

Los temas de raiz genéricamente pop no llegan al alinearse en singles de fórmula radiable o melodías adhesivas y es que The Cure es una entrega que carece del impacto comercial del lado más amable de Smith. El hombre del peinado de tarántula no ha alumbrado toda la obra al mismo nivel cualitativo y existen faltas. No las suficientes para apagar este gran disco, que insufla la personalidad de los nuevos The Cure, los viejos rockeros siniestros. Han vuelto y han venido para quedarse.



Tracklist:

1. Lost
2. Labyrinth
3. Before Three
4. The End Of The World
5. Anniversary
6. Us Or Them
7. Alt.End
8. (I Don't Know What's Going) On
9. Taking Off
10. Never
11. The Promise
12. Going Nowhere


Año: 2004
Duración: 53:53
Procedencia: Inglaterra
Productor: Ross Robinson / Robert Smith


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Videoclip de la canción 'Taking Off':




Actualmente están grabando un nuevo disco, que se espera para principios del 2007. Estaremos al tanto...

domingo, octubre 15, 2006

Rival Schools

Un buen grupo con un muy buen disco. Lástima que solamente publicaran este disco. Para quién le guste el rock guitarrero melódico...

RIVAL SCHOOLS



Rival Schools fue un banda de post-rock alternativa procedente de Nueva York, que tenía integrantes a ex–miembros de grupos como Gorilla Biscuits, Youth of Today o los más conocidos Quicksand. Precisamente el líder de Quicksand Walter Schreifels es quién lidera también a estos Rival Schools. Se formaron a finales del año 2000, y su primer lanzamiento llego un años después con un EP de 6 canciones llamado Rival Schools United by Onelinedrawing.

Su único álbum United By Fate llegaría ese mismo año 2001, a través de Island Records, con quienes Schreifels todavía tenía obligaciones de su época en Quicksand. De este disco salieron dos singles: Used for Glue y Good Things. Ambos obtuvieron mucha rotación en MTV, tanto en Estados Unidos como en Europa.

En el 2002, el guitarrista Ian Love, dejo el grupo después de las giras, para centrarse en otros proyectos. Para el verano del 2003 se esperaba su segundo álbum, pero este nunca se llego a comercializar. La banda no tardo en separarse del todo ese mismo año. Schreifels, por ejemplo, empezo un nuevo grupo llamado Walking Concert.

Aún así, andan circulando por Internet las grabaciones sin terminar de ese supuesto segundo álbum. Corren rumores de que este disco saldrá como álbum de caras-b, o también hay posibilidades de que en un futuro se vuelvan a juntar para acabar este disco. El propio Schreifels no lo ha descartado...

Por cierto, el nombre del grupo esta claramente inspirado en el videojuego de luchas Rival Schools United by Fate, nombre que se dividió en 2, uno para la banda y el otro para el disco.





Tracklist:

. Travel By Telephone
2. Everything Has Its Point
3. High Acetate
4. Undercovers On
5. Good Things
6. Used For Glue
7. World Invitational
8. The Switch
9. Holding Sand
10. My Echo
11. Favorite Star
12. So Dawn On
13. Hooligans For Life



Año: 2001
Duración: 41:53
Procedencia: USA
Productor: Luke Ebbin

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Videoclip de su primer singles ‘Used for Glue’:


sábado, octubre 14, 2006

Death Cab For Cutie

Se han convertido por méritos propios en uno de los mejores grupos norteamericanos del indie-rock (¿?). Un disco bonito y fácil de escuchar, como todos los demás editados por ellos. Su cantante Ben Gibbard también es conocido por su proyecto paralelo, The Postal Service.

DEATH CAB FOR CUTIE





Death Cab for Cutie comenzó como un proyecto en solitario de Ben Gibbard cuando era guitarrista de la banda Pinwheel (ya había grabado el disco All-Time Quarterback). Como Death Cab for Cutie, Gibbard lanzó el CD You Can Play These Songs with Chords; el lanzamiento fue sorprendentemente exitoso, y Gibbard expandir la banda a proyecto serio y completo. Reclutó a Christopher Walla, quien también grabó "Songs with Chords" como guitarrista, Nicholas Harmer como bajista, y Nathan Good como batería; esta formación lanzó el LP Something About Airplanes en el verano de 1998. El álbum logró grandes críticas en el círculo de la música independiente, y en 2000, lanzaron We Have the Facts and We're Voting Yes. Nathan Good dejó la banda durante la grabación de este disco. Su interpretación para los temas "The Employment Pages" y "Company Calls Epilogue" se mantuvieron, pero Gibbard tocó la batería en el resto de canciones. El nuevo batería Michael Schorr aparecería por primera vez en The Forbidden Love EP, lanzado en el ocaso de 2000. Al año siguiente, otro trabajo vio la luz, titulado The Photo Album. Se lanzaron ediciones limitadas de este álbum con cuatro bonus tracks, que fueron lanzadas por separado en The Stability EP.

En 2003, hubo otro cambio de batería, con Jason McGerr de Eureka Farm reemplazando a Schorr. McGerr tocaría la batería en el nuevo trabajo, Transatlanticism, que apareció en octubre de 2003. Transatlanticism recibió los elogios de la crítica y fue el álbum más vendido de la banda, con 225.000 copias en el primer año. Además, algunos temas del álbum aparecieron en la banda sonora de The O.C. y A dos metros bajo tierra junto con la película The Wedding Crashers.

En noviembre de 2004 Death Cab for Cutie firmó un "contrato discográfico mundial" Atlantic Records, dejando el que tenían con Barsuk Records. Gibbard comentó en la web oficial que nada cambiaría salvo que "al lado del logo de Barsuk con un 7”, habría una “A” delante y detrás en los siguientes álbumes." El primer single con Atlantic fue el perteneciente a Plans titulado "Soul Meets Body". El álbum completo apareció en agosto de 2005. "Plans" fue bien recibido por críticos y fans, y recibió una nominación para los Premios Grammy por "Mejor álbum de música alternativa de 2005".


Death Cab For Cutie - The Photo Album


Lo cierto es que Death Cab For Cutie parece que tienen muy claro lo que deben hacer, poner mucho de si mismos en cada tema, mucha emoción (casi casi cantar con el corazón), alejarse del tan traido indie rock americano para buscar su camino en manos del slow core más agerrido, de las guitarras más trabajadas y de los efectos sonoros y vocales que hacen que este The Photo Album derroche clase y elegancia en cada acorde. Con este disco Death Cab For Cutie siguen la certera linea marcada por bandas como nuestros queridos For Stars, los cuales podrían haber facturado temas como "Stadier Footing" o la languida "Coney Island". Entre estas dos, aparecen una larga lista de hits en potencia, tal vez la emotiva "A movie script ending", la melodia perfecta de "I was a Kaleidoscope" y la fuerza que por momentos recuerda a Brian Molko y los suyos en canciones como "Why you'd want to live here" y sobre todo "We laugh indoors", con ese inpresionante crescendo final donde las guitarras y las voces llegan a vibrar de un modo nunca antes explorado por estos chicos.

Con este nuevo trabajo Death Cab For Cutie superan a su predecesor en intensidad y sobre todo en fuerza y contundencia, aun así sigue habiendo lugar para esos medios tiempos marca de la casa que tan a la perfección ejecutan, "Information Travles Faster" o "Debate Exposes Doubt". Además, como también (y tan bien) nos tienen acostumbrados en Houston Party Records, la edición española viene con regalo, los tres temas que forman The Stability EP aquí aparecen al final del disco; su característica principal es el sosiego y la suavidad con la que se muestran, incluida la lograda versión del tema "All is full of love" de Björk. Buen ejemplo de la templanza y dedicación de estos tres últimos temas es el que cierra, de título "Stability", una canción llena de matices épicos que alcanza los 12 minutos y que convierte a Death Cab For Cutie en una de las bandas americanas más respetables de la actualidad, lejos de poses, de modas y de salvaciones, ofreciendo lo mejor de si mismos, grandes temas y mucha honestidad... ¿se puede pedir algo más?


Tracklist:

1. Steadier Footing
2. A Movie Script Ending
3. We Laugh Indoors
4. Information Travels Faster
5. Why You'd Want To Live Here
6. Gridlock Caravans *
7. Blacking Out The Friction
8. I Was A Kaleidoscope
9. Styrofoam Plates
10. Coney Island
11. Debate Exposes Doubt
12. 20th Century Towers *
13. All Is Full Of Love *
14. Stability *

* Bonus Tracks


Año: 2001
Duración: 60:25
Procedencia: USA
Productor: Cristopher Walla

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Videoclip de la canción 'A Movie Script Ending':


viernes, octubre 13, 2006

Video: Cuando las portadas cobran vida

Un curioso video en el que las portadas de muchos discos clásicos del rock cobran vida. Muy currado...

miércoles, octubre 11, 2006

Alice In Chains

Uno de los 4 pilares (junto a Pearl Jam, Soundgarden y Nirvana) del grunge, movimiento que explotó a principios de los '90. Sin duda, de las 4 bandas nombradas era la más 'oscura', y a lo largo de los años se ha convertido en toda una referencia musical. Y más si cabe, después de que su gran cantante Layne Staley muriera en 2002 de sobredosis. En definitiva, un grupo que has de conocer.


ALICE IN CHAINS



Calificada por muchos como la banda más pesada y sombría de la escena de Seattle, Estados Unidos, de principios de los ‘90, Alice in Chains ganó popularidad y respeto gracias a un estilo único, mucho más furioso que el sonido grunge de aquellos días, pero a la vez oscuro y con texturas acústicas que lo alejaban del heavy metal más tradicional.

El cuarteto nació en 1987, pero no fue hasta tres años más tarde cuando la banda editó su primer álbum Facelift, y comenzó a hacerse de una gran base de fans actuando como soporte de Van Halen y Poison.

Hacia 1991, el éxito de Nirvana y Pearl Jam transformó a Seattle en el centro de atención de la industria musical. En medio de la vorágine grunge, y luego de lanzar el EP acústico SAP, Alice in Chains editó Dirt en 1992, el disco que hizo de su sonido una marca registrada que muchos se encargaron de copiar. Los años venideros fueron los más exitosos para el grupo, pero también los más problemáticos. El bajista Mike Starr se alejó de la banda y fue reemplazado por Mike Inez, y comenzaron a correr numerosos rumores acerca del futuro de la agrupación debido al consumo de drogas, en especial por parte del vocalista Layne Staley. Sin embargo, la banda editó en 1994 Jar of Flies, el primer EP en la historia en llegar al número uno en Norteamérica, y Staley se sumó a un proyecto paralelo con integrantes de Pearl Jam y Screaming Trees, llamado Mad Season.

Un año después, Alice in Chains se reunió para lanzar su autotitulado tercer LP, y en 1996 grabó un MTV Unplugged que se transformaría en una de sus últimas y más recordadas presentaciones en vivo.

Hacia 1998, los problemas de adicción de Staley socavaron los intentos del grupo de continuar y Cantrell inició una carrera solista. Sucesivas recopilaciones y recitales que se editaron entre 1999 y 2001 desalentaron cualquier esperanza de los fans de ver una reunión, expectativas que se diluyeron definitivamente en abril de 2002, cuando Layne Staley fue hallado muerto en su casa tras una sobredosis de heroína.


Alice In Chains - Dirt



Aislamiento, amargura, debilidad, desesperación... Una obra tan compleja como Dirt no es nada fácil de asimilar en una primera escucha. Es un hecho que, a la hora de crear este álbum, sus dos cabezas visibles (el guitarrita Jerry Cantrell y el torturado vocalista Layne Staley) estaban realmente jodidos. Sus más que evidentes problemas con la heroína (especialmente Staley) han sido el principal pilar sobre el que se sostiene un LP como éste, y lo cierto es que el resultado no pudo ser más brillante.

La magnífica y sobrenatural voz de Staley se ve arropada en todo momento por el increible talento de Cantrell (alma mater del grupo) y por la perfecta y contundente base rítmica de Mike Starr al bajo y Sean Kinney a la batería, logrando que momentos tan aplastantes como la inicial Them Bones o Godsmack se fundan a la perfección con otros temas más melódicos como la impresionante Rooster o la bellísima Down In A Hole.

Otro de los mejores momentos del álbum los aportan la enfermiza Sickman, Rain When I Die o el single Would, una perla irresistible que evoca cierto sentimiento de redención ("If I Would, Could You?"), dedicada al fallecido Andrew Wood, el glamouroso lider de Mother Love Bone.

Con Dirt encontramos un disco en el que resulta un placer deprimirse, por muy duro o estúpido que esto suene. Sus textos, su propuesta... son un mundo aparte, y sería un error escucharlo como cualquier LP de metal convencional. Magistral, lo mires por donde lo mires.



Tracklist:

1. Them Bones
2. Dam That River
3. Rain When I Die
4. Down In A Hole
5. Sickman
6. Rooster
7. Junkhead
8. Dirt
9. God Smack
10. Intro (Dream Sequence)
11. Hate To Feel
12. Angry Chair
13. Would?

Año: 1992
Duración: 57:35
Procedencia: USA
Productor: Dave Jerden / Alice In Chains


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Este año, después de casi 8 años, han vuelto a dar unos conciertos por Europa y Estados Unidos, con otro cantante, pero lo que esta claro es que nunca podrán reemplazar la gran voz de Staley. Para rememorarlo, este video:


lunes, octubre 09, 2006

British Sea Power

Puede que no tengan el renombre de bandas inglesas como Bloc Party o Kaiser Chiefs, pero no les tienen nada que envidiar. Ya llevan dos discos publicados y han hecho numerosas giras por Inglaterra y Europa. Una banda a tener en cuenta gracias a su interesante y curiosa propuesta musical.

BRITISH SEA POWER




British Sea Power es una formación extraña. Cinco chicos con aspecto aniñado e inocente que en sus directos cubren el escenario de hojas secas y pájaros disecados y se visten con uniformes militares para desgranar canciones capaces de oscilar sin estridencias entre el glam y el punk. Una banda capaz de llamar la atención de grupos tan dispares como Interpol, Pulp, The Flamig Lips o The Strokes (han sido teloneros de todos ellos) y al que los críticos se sienten incapaces de clasificar. Mientras, ellos explican que su nombre es una lectura irónica de la historia de Inglaterra y se entretienen subiéndose a los árboles para coger hojas para sus conciertos (literalmente, en una ocasión tuvieron que suspender un concierto porque el bajista, Hamilton, se cayó de un árbol poco antes de la actuación).

La historia de British Sea Power se remonta a 2001, año en el que los hermanos Yan (guitarra, voz) y Hamilton (bajo y voz), ysus amigos Noble (guitarra) y Wood (batería) deciden formar una banda y se trasladan a Brighton a vivir. Allí pusieron en marcha su propio club semanal, ‘Club Sea Power Night’, en el que además de sus propias actuaciones invitaban al escenario a formaciones tan atípicas como The Copper Family o leyendas del folk inglés lideradas por el nonagenario Bob Copper. Un viernes Geoff Travis, el capo de Rough Trade, se acercó al club. Poco después BSP fichaban por Rough Trade.

A finales de 2001, British Sea Power publican un primer single con Rough Trade, ‘Remember Me’ y en el 2002 actúan por toda Gran Bretaña como banda de apoyo de grupos de la talla de Pulp a los que acompañaron en su Forestry Comision tour. Una atípica gira por los bosques de Inglaterra. A lo largo de ese año los chicos de BSP empezaron a forjarse una sólida reputación por sus impactantes directos con una cuidada escenografía. En junio de 2003 publicaban su primer álbum, “The Decline Of The British Sea Power”. Un disco acogido con excelentes críticas en Inglaterra -The Sunday Times llegó a decir de ellos que eran ‘The best band in Britain’- del que lograron vender más de 60.000 copias en Gran Bretaña. Un año plagado de conciertos, ya no como teloneros sino como banda principal, que culminaba con la proclamación de BSP como mejor banda de directo del año en los Time Out Awards.


British Sea Power - The Decline of the British Sea Power



Tracklist:

1. Men Together Today
2. Apologies To Insect Life
3. Favours In The Beetroot Fields
4. Something Wicked
5. Remember Me
6. Fear Of Drowning
7. The Lonely
8. Carrion
9. Blackout
10. Lately
11. A Wooden Horse


Año: 2003
Duración: 47:15
Procedencia: Inglaterra
Productor: Mads Bjerke / British Sea Power


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Uno de los singles del disco interpretada en directo:


viernes, octubre 06, 2006

Recopilatorio: 20 Versiones

Ayer me estuve preparando varios recopilatorios, uno de ellos que eran 100% versiones. Para quien le interese, estas son las 20 canciones:

A Perfect Circle - Imagine (de John Lennon)
Cake - I Will Survive (de Gloria Gaynor)
Deftones - No Ordinary Love (de Sade)
Dinosaur Jr. - Just Like Heaven (de The Cure)
Failure - Enjoy The Silence (de Depeche Mode)
Faith No More - I Started A Joke (de Bee Gees)
Foo Fighters - Danny Says (de The Ramones)
H.I.M. - Wicked Games (de Chris Isaac)
Me First & the Gimme Gimmes - Heart Of Glass (de Blondie)
Metallica - Die, Die My Darling (de The Misfits)
Muse - Can't Take My Eyes Off You (de The Four Seasons)
Nine Inch Nails - Dead Souls (de Joy Division)
Nirvana - The Man Who Sold The World (de David Bowie)
Pearl Jam - Rockin' In The Free World (de Neil Young)
Pixies - Head On (de The Jesus & Mary Chain)
Placebo - Bigmouth Strikes Again (de The Smiths)
Rage Against The Machine - Maggie's Farm (de Bob Dylan)
The Presidents of the USA - Kick Out The Jams (de MC5)
The Strokes - Mercy, Mercy Me (de Marvin Gaye)
The Vandals - Don't Stop Me Now (de Queen)

La verdad es que es un disco muy variado. Hay versiones muy interesantes como la de los Strokes, en las que también colaboran Eddie Vedder a las voces y Josh Homme (Queens of the Stone Age) a la guitarra. También una versión más 'oscura' de la mítica Imagine, una versión más punk del clásico de Queen Don't Stop Me Now, o Pearl Jam tocando en directo Rockin' in the free world en su último concierto de Madrid.

Para quién lo quiera: http://www.megaupload.com/?d=9GYUR91G

El disco no llega a los 80 min., así que cabe perfectamente en un cd.

miércoles, octubre 04, 2006

Tool

Si Pearl Jam lo puedo considerar como mi grupo favorito, Tool no se queda muy lejos. Extraodinario grupo, de los que se puede aplicar el cuento de "o los adoras o los odias"; es decir no dejan indiferente a nadie. Controvertidos (solo hay que ver sus letras y sus videos) y misteriosos (raramente conceden entrevistas) al mismo tiempo. Os invito a conocerlos, sabiendo que se trata de un grupo difícil, al que cuesta tiempo 'cogerles el truco'. Pero una vez que se consigue, merece la pena...

TOOL




Tool es una banda contemporánea de heavy metal de los Estados Unidos cuya música incluye elementos del heavy metal progresivo, el rock alternativo y el rock artístico. Formada en 1990 en Los Angeles, California cuando Danny Carey (batería) se unió a su vecino Maynard James Keenan (voz), Adam Jones (guitarra) y Paul d'Amour (bajo) en un ensayo.

Su principal aportación a la música sería el haber creado un estilo que fusiona las atmósferas oscuras y el metal underground, al que pretenciosamente bautizarían con el nombre de Art-Rock. ¿O quizá el haber introducido la filosofía del Art-Rock al post.thrash metal? Bueno, el orden bien poco importa.

La diferencia entre Tool y cualquier banda de metal, pongamos Metallica, por ejemplo, es que Metallica escribía sus temas de multitudinarias partes, como si de compositores de música clásica se tratasen, y llevaban estas canciones a la calle, haciéndose accesibles a todos los públicos. Tool, en cambio, hizo todo lo contrario. Abrazaron los términos de “lo artístico” mientras se sumergían en una fausta orgía de preocupaciones bohemias, rindiendo un cálido homenaje a la música oscura, a las visiones desoladoras, al death metal y al trash, convirtiéndose de este modo en el perfecto grupo de culto del panorama underground.

A pesar de sus influencias post punk, Tool ejecuta una música ponderada, alternando pasajes larguísimos, con detalles instrumentales y bucles sonoros sobre los que descansan letras corrosivas. A pesar de lo que pueda parecer, Tool tenía una facilidad pasmosa para transmitir toda esta angustia asfixiante y opresiva a toda la legión de seguidores de la música alternativa de comienzos de los 90’, los cuales se engancharon rápidamente a la oferta de la banda. Fue tal la simbiosis entre la definición de "rock alternativo" y Tool durante la era post-Nirvana, que acabaron aterrizando en el Lollapalooza 1993, hecho que ayudó a ascender como un cohete a su álbum de presentación Undertow, alcanzando el disco de platino.

Cuando la formación entregó su retrasado segundo trabajo, Aenima, en 1996, el rock alternativo había perdido sus buques insignia, y la audiencia del género habían acabado decantándose hacia el metal, esencialmente, lo que significó que el grupo y el álbum no captaran una audiencia tan grande como en su primer álbum, a pesar de que el disco debutó en el puesto número dos de las listas. A pesar de todo Aenima alcanzó una más que considerable cuota de ventas.

La espera de un nuevo disco de Tool se hacía eterna, y tuvieron que esperar hasta el 2001, año en el que la banda edita un esperadísimo Lateralus. Según sale a la venta el primer single del álbum, "Schism", llega al número uno de las listas de singles. El álbum comienza a escucharse en todas las radios de EE.UU. Tool, a pesar de los cinco años de distancia entre éste y su anterior trabajos, sigue ofreciendo una música con ciertos toques experimentales, pero principalmente instrumental, que sirve de base para las letras y tonos desesperados de Keenan.

En este año 2006 presentan su cuarto disco de estudio, 10,000 Days, donde destacan temas como “Wings for Marie” o “10,000 days”, que tratan acerca de la lucha de la madre de Keenan luego de su parálisis la cual aproximadamente duro 27 años, o lo que es lo mismo 10,000 días, hasta su muerte.



Tool - Aenima:




Álbum densísimo de principio a fin, Aenima cuesta de digerir por su propuesta extramusical, por sus sorprendentes composiciones intermedias que separan los temas más "convencionales", por la complejidad de esos temas, por sus letras... Pocos discos son tan difíciles y pocos pueden llegar a ofrecer la amalgama de emociones de Aenima. Estamos, posiblemente, ante la obra definitiva de Tool, situada sin ningún tipo de dudas a la misma altura de cualquier clásico de sus reverenciados Pink Floyd.

Musicalmente Tool se muestran más maduros que nunca, tanto a nivel compositivo como instrumental. La guitarra de Adam Jones y su repertorio de ingenios electrónicos (entre ellos una Epilady e incluso dildos eléctricos) ofrece un impresionante océano de texturas a lo largo de los 77 minutos que dura el disco, combinando de forma magistral sus típicos punteos con riffs de la marca Sabbath.

El trabajo de Danny Carey a la batería es un manual de estilo. Y la incorporación de Justin Chancellor (sustituyendo al carismático Paul D'Amour) parece ir más allá de su tremenda calidad como bajista, y llegar al punto de ser decisivo en los contenidos del disco por su vinculación a asociaciones de esoterismo y astrología. Mención a parte, una vez más, merece el frontman Maynard James Keenan. Una de las voces más bellas, versátiles y poderosas del rock actual y un letrista excepcional.

Si musicalmente el álbum es sencillamente impresionante, son esas letras las que sitúan Aenima a un nivel superior. En esos textos Keenan radiografía al ser humano y los demonios que habitan en él. Y todo acompañando a unas melodías enigmáticas y liberadoras.



Tracklist:

1. Stinkfist
2. Eulogy
3. H.
4. Useful Idiot
5. Forty Six And 2
6. Message To Harry Manback
7. Hooker With A Penis
8. Intermission
9. Jimmy
10. Die Eier Von Satan
11. Pushit
12. Cesaro Summability
13. Aenema
14. (-) Ions
15. Third Eye


Año: 1996
Duración: 77:25
Procedencia: USA
Productor: David Bottrill


Descarga:
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Sus videos son bastantes sombríos y no aptos para todas las personas, ya que contienen animaciones poco convencionales. Casi todos han sido dirigidos por el guitarrista Adam Jones. Como muestra, la canción que abre el disco Aenima, Stinkfist:




Ya estuvieron de gira por España a finales de Mayo, pero volverán por aquí en las siguientes fechas:

03/11/06 - Barcelona (Badalona)
04/11/06 - Madrid (La Cubierta de Leganes)

domingo, octubre 01, 2006

Led Zeppelin

¿Quién no conoce a Led Zeppelin a estas alturas? Por si acaso, nunca viene mal recordar un poco la historia de este gran grupo, que ya ha pasado a la historia gracias a grandes discos como el que aquí recomiendo. Personalmente me encantan, sobre todo por el guitarrista Jimmy Page, y el ya fallecido batería John Bonham.


LED ZEPPELIN


John Bonham, Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones


Led Zeppelin se formó a finales de 1968, cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en Inglaterra por su labor como sesionista de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds buscaba nuevos músicos para su proyecto The New Yardbirds, surgido a partir de la disolución de The Yardbirds . El nombre de la banda surgió a raíz de un mal chiste de Keith Moon en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, Keith Moon y Jeff Beck. El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de Lead para evitar problemas de pronunciación por parte de los norteamericanos (las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica).

Su primer disco fue editado en 1969, llamado también Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum y las explosivas actuaciones que lo siguieron, un hecho que provocó que la banda dejara de publicar singles en Inglaterra, pero tras embarcar en su primera gira norteamericana, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobretodo en Estados Unidos. Su segundo disco, Led Zeppelin II los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como Whole Lotta Love.

Tras éste y su tercer disco, Led Zeppelin III, algunos acusaron al grupo de no ser más que un montaje comercial, debido al carácter íntimo y acústico de las canciones contenidas en dicho álbum. La banda entera y sobretodo Page se tomó personalmente estas críticas, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarle, a excepción de cuatro extraños símbolos, o runas, uno para cada miembro de la banda. Era el año 1971. Este álbum, llamado comúnmente Led Zeppelin IV, fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), y destaca su éxito más grande Stairway To Heaven..

Su siguiente disco, Houses of the Holy supone una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e inclusos matices reggae. Como siempre, el álbum causó controversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas.

En 1975 se publica Physical Graffiti, un álbum doble que además de contener piezas nuevas como la impresionante Kashmir, incluía material descartado de álbumes anteriores. Éste álbum es considerado de los mejores de la banda, probablemente por la cantidad y diversidad de temas. 1975 supusó la coronación de Led Zeppelin como la mejor banda de rock de la historia tanto por la crítica como por la propia banda, cuyas actuaciones en directo en este año fueron apoteósicas y multitudinarias.

Sin embargo, el acelerado ritmo de trabajo de Led Zeppelin se vio interrumpido cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la Isla de Rodas, que fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año, 1976.

Es en este año en el que se prepara a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence, grabado en la ciudad de Munich, caracterizado por no tener ninguna canción acústica y sin el uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convalesciente de Robert Plant, quien grabó sus tomas vocales postrado en una silla de ruedas o en muletas.

Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant vuelve a verse afectado, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal, hecho que marcó profundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, Robert recapacita y en 1978 la banda vuelve al estudio, concretamente a Estocolmo para grabar el que sería inesperadamente su último álbum de estudio, In Through the Out Door. Desgraciadamente, de nuevo encontraban problemas para terminar el álbum, ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a las drogas y el alcohol respectivamente, un hecho que hace In Through the Out Door el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor.


Con la llegada de 1980, Led Zeppelin vuelve a las grandes giras europeas, anuncian una nueva gran gira por Norteamérica ese año, que por desgracia nunca puede ser realizada, ya que el día 25 de septiembre muere John Bonham en la casa de Jimmy Page en Mill Lane por una intoxicación etílica tras ingerir una gran cantidad de vodka con naranja en una fiesta. Después de este suceso se especula sobre un posible sustituto para reemplazar al batería, pero al final todos deciden que Led Zeppelin no podía seguir existiendo sin uno de sus miembros. Su último album publicado sería Coda en 1982, con canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas.





El segundo album de Led Zeppelín es todavía más notable debido al escaso tiempo de que dispusieron sus creadores para perfeccionarlo. Fue grabado entre actuación y actuación durante su gira por Estados Unidos. En ciertos aspectos, es evidente que las prisas dieron como resultado un album mejor. Canciones como “Whole Lotta Love”, “The Lemon Song” y “Bring It On Home” están basadas en estandares del blues, y conservan la crudeza que habría podido pulirse con tiempo y presupuesto.

Aún resulta más impresionante que la banda consiga conservar un gran nivel de sutileza, pese a sus actuaciones en directo de cada noche. Recién llegados a Led Zeppelín deberían escuchar “Rambla On”, una hermosa balada acústica de potentes coros que documenta las cualidades principales de la banda: dominio de riffs y economía quebradiza. “Thank You” es otro trabajo acústico bien ejecutado, pero este disco continua siendo un soberbio album de heavy, y su mejor cualidad son los enormes sonidos emitidos por Jimmy Page, John Paul Jones y John Bonham.



Tracklist:

1. Whole Lotta Love
2. What Is And What Should Never Be
3. The Lemon Song
4. Thank You
5. Heartbreaker
6. Living Loving Maid (She's Just A Woman)
7. Ramble On
8. Moby Dick
9. Bring It On Home


Año: 1969
Duración: 41:29
Procedencia: Inglaterra
Productor: Jimmy Page

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“Whole Lotta Love” en directo en 1970: